Sitges 2020: Comrade Drakulich (Hungría, 2019)

 "Vive de noche, no envejece y chupa la sangre de bellas damas"

Director: Márk Bodzsár

Guion: Márk Bodzsár

Reparto: Lili Walters, Ervin Nagy, Zsolt Nagy, Alexandra Borbély

 

Hungría, años 70. Tras 20 años exiliado en Cuba para participar en la revolución junto a Castro y el Che Guevara, el héroe nacional (o “camarada”) Fabián regresa a casa en representación de la Cruz Roja para liderar una campaña de donación de sangre destinada a Vietnam. Sin embargo, hay algo raro en él: No ha envejecido ni un día desde la última vez que se le vio, conduce un coche rojo más propio de un playboy que de un héroe del Régimen y tiene hábitos un tanto extraños. A pesar de la alegría por su regreso, todo esto no pasa inadvertido a los servicios secretos del país, que encargan el seguimiento y vigilancia de Fabián a María y a Laszlo, dos agentes que además de compartir profesión, comparten cama, lo que da lugar a un siempre interesante triángulo amoroso con el recién llegado camarada.

El director húngaro Márk Bodzsár nos ofrece una entretenida comedia que mezcla momentos de humor relacionados con los “básicos” del cine de vampiros (personajes con ristras de ajos alrededor del cuello, crucifijos, etc.) con pinceladas de crítica política, algo de comedia romántica y un toque muy, muy leve de feminismo.  

 

 

Además de la historia, cabe destacar también el interesante despliegue de personajes que acompañan al seductor vampiro y a los agentes encargados de descubrir el secreto de su eterna juventud, con los que nos podemos identificar fácilmente como, por ejemplo, los cotillas vecinos de Mária (porque todos hemos sido o tenido vecinos curiosos en algún momento de nuestra vida), o las chicas del taller, que caen rendidas a los encantos de Fabián como si de una estrella del rock se tratase (¿quién no ha suspirado al tener a su ídolo delante?). En definitiva, un conjunto de personajes complementarios que dan mucho juego, entretienen, y ayudan con los matices cómicos de la película. 

 

 

La verdad es que Comrade Drakulich no es una gran superproducción que dejará ojiplático a quien la vea. Ni falta que hace. Es una película sencilla, directa, perfectamente ambientada y con una banda sonora excepcional que ayuda al espectador a meterse de lleno en la trama. Un espectador que, para disfrutarla, solo debe dejar que el seductor héroe le coja de la mano y le lleve por las calles del Budapest de hace unas décadas. Eso sí, siempre con un crucifijo encima y sin perder de vista la botella de bebida roja… por si acaso.  

Lo mejor: Que es una película de vampiros sin ser “una película de vampiros”. Algunas escenas en las que intervienen los vecinos chismosos de Mária.

Lo peor: A veces, el humor puede resultar algo simple. 

 

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Sitges 2020: The Queen of black magic (Indonesia, 2020)

"Os haré vivir vuestro propio infierno"

Director: Kimo Stamboel
Guion: Joko Anwar
Reparto: Hannah Al Rashid, Ario Bayu, Adhisty Zara.

Desde hace ya algunos años el terror Indonesio es muy querido entre el público internacional, por su sucia puesta en escena, la crudeza de sus imágenes y una cuidada gestión de la tensión en sus producciones. Las últimas cintas de Timo Tjahjanto y Kimo Stamboel (cuando trabajan juntos tienen el sobrenombre de The Mo Brothers) o Joko Anwar (Impetigore, Gundala, Satan's Slave) son aclamadas y esperadas dentro de los festivales fantásticos y de terror de todo el mundo por su imaginario y buen hacer en este popular género. Hoy hablaremos de la última historia que nos regala el director Kimo Stamboel, The Queen of black magic. Un remake de la cinta indonesia de 1981 que mantiene incluso el mismo nombre y que pudimos disfrutar en pantalla grande gracias al Festival  de Sitges. Sin más dilación, comenzamos!

Un grupo de amigos con sus respectivas familias viajan al antiguo orfanato que los acogió. El motivo de tal reencuentro es el estado de salud del hombre que los educó y les dio cobijo, su querido Mr. Bandi. Todo parece ir según lo previsto, pero algunos extraños sucesos empiezan a ocurrir sin motivo alguno. Oscuros secretos saldrán a la luz y nuestros protagonistas se verán envueltos en un vórtice de violencia dentro de su propio infierno terrenal.

The Queen of black Magic es una excelente propuesta de terror puro, repleto de escenas impactantes y sangrientas que harán las delicias de los amantes del género. Una propuesta muy bien realizada que rebosa amor hacia el horror más clásico de los años ochenta, gracias a sus impactantes y violentas escenas en combinación de un magnífico trabajo de maquillaje y efectos especiales clásicos (quizás el CGI flojee un poco, pero no ensucia demasiado el acabado de este genial film).

La ambientación que Kimo Stamboel crea es sublime, jugando magistralmente con la tensión y el misterio en la primera mitad de la cinta, generando en el espectador una sensación de intranquilidad y en ocasiones hasta de angustia, para desembocar finalmente en una sangrienta locura hacia la parte final de esta tortuosa historia sobre magia negra.

La grandeza de la película reside en usar un guion ya visto en múltiples ocasiones e inyectarle esa adrenalina visual que ya nos tienen acostumbrados algunas producciones de terror indonesio y que cada vez gusta más al público internacional. Una muy buena creación de personajes e interpretaciones encabezados por Hannah Al Rashid (Gundala, Dreadout, The night come for us) y Ario Bayu (Impetigore, Gundala, Headshot) hace todavía más interesante esta visceral propuesta.
 
Siempre es interesante conocer el folklore de otros países y en The Queen of black Magic el director nos da algunas pinceladas sobre brujería y maldiciones que los fans del tema degustamos como si se tratara de un delicioso dulce.

En definitiva, The Queen of black Magic es una excelente cinta de terror clásico que todo amante del género debería al menos darle una oportunidad. Una historia desgarradora que se cuece a fuego lento con unos exquisitos e impactantes ingredientes para gozo del consumidor. Love It!

Lo mejor: La ambientación.
Una gran creación de personajes.
Las set pieces de terror, brutales!

Lo peor: El CGI en ocasiones ensucia un poco el impacto de alguna escena.

 

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Birdsong (Bélgica, 2020)

"Este CD contiene una canción extraordinaria"

Director: Hendrik Willemyns.
Guion: Hendrik Willemyns.
Reparto: Natsuko Kobayashi, Akaji Maro, Kazuhiko Kanayama.

La industria musical puede ser a veces desgarradora, visceral, una fábrica de falsos sueños donde el dinero y el poder van más allá de los valores humanos. Con Birdsong, el director y guionista Hendrik Willemyns nos ofrece un espectacular viaje por este mar de depredadores insaciables. Comenzamos!
 

Asuka es una joven que trabaja para una compañía de limpieza la cual se encarga de mantener limpio un edificio donde se crea su programa musical favorito. Su sueño es poder aparecer en él y tocar su canción favorita, con la esperanza de conseguir fama y reconocimiento ya que su vida es monótona y poco emocionante. Un tiempo más tarde y después de un desastroso concierto, una desconocida le ofrece un extraño trabajo, además, le da la oportunidad de ser la alumna de un prestigioso profesor de música. Será capaz Asuka de conseguir su sueño?

Birdsong es una poderosa fábula sobre la vida, los sueños perdidos y el ansia por conseguirlos a toda costa, aunque eso conlleve perder la noción de la realidad en un abismo de sensaciones, locura y desesperación. Por otra parte, también funciona como ácida y cruel sátira sobre el mundo de la música y su industria.

 

Técnicamente la cinta es excelente, gracias a un gran manejo de las cámaras acompañado por una sorprendente fotografía llena de matices con un acabado artístico de diez.

La realidad se funde con el poder de las notas musicales para mostrarnos un mundo paralelo de sentimientos puros, gracias a un notable CGI que nos obsequiará con escenas realmente perturbadoras que rozan (en ocasiones) el cine fantástico o de género.

La trama avanza con ritmo pausado, pero a su vez con una elegancia propia, solamente interrumpida por la crueldad de algunos hechos que deberá afrontar nuestra protagonista en este oscuro relato de la noche en Tokio.

A nivel interpretativo la cinta luce muy bien, tanto por Natsuko Kobayashi como por el elenco de secundarios que pueblan el oscuro mundo creado en Birdsong, que son en parte los ingredientes necesarios para complementar un producto ya de por sí bastante original.

La banda sonora mezcla a la perfección lo clásico con lo electrónico, generando un aire de extrañeza que le sienta muy bien al film y potencia esos momentos de delirio, cuando la música fluye por los cuerpos de nuestros protagonistas y sus sentimientos florecen en estallidos de surrealismo. 

 

 

En definitiva, Birdsong es una grata sorpresa en todos sus aspectos, una cinta que va más allá de ser una mera crítica a la feroz industria musical, sino que también muestra con sensibilidad el poder y el impacto de la música en nuestra alma y como los sueños pueden destrozar todo aquello que amamos y convertirnos en un depredador insaciable.

Lo mejor: Nivel técnico de diez.
La protagonista principal.

Visualmente espectacular.

Lo peor: A más de un espectador podría parecerle extraña, confusa y un tanto lenta.

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Sitges 2020: Kandisha (Francia, 2019)

"Ella renacerá y se llevará la vida de seis hombres"

Director: Alexandre Bustillo, Julien Maury
Guion: Alexandre Bustillo, Julien Maury
Reparto: Mathilde Lamusse, Susy Bemba, Samarcande Saadi

Los directores Alexandre Bustillo y Julien Maury (A l'intérieur, Livide, Among the living) son viejos conocidos del festival de Sitges, sus producciones y propuestas gustan y atraen al público internacional. Hoy os hablaremos sobre su nueva película, Kandisha, una perturbadora historia de terror clásico basado en la mujer demonio de la mitología marroquí.

Amélie, Morjana y Bintou disfrutan de las vacaciones de verano junto con su grupo de amigos. Aprovechan el tiempo libre bebiendo, bailando, pintando grafitis y contando alguna que otra historia de terror. Ya entrada la noche Amélie decide volver a casa, pero es atacada y herida por su ex. La chica furiosa y atemorizada decide invocar a Aisha Kandisha, un demonio vengador del folklore marroquí que sus amigas habían mencionado anteriormente durante una de sus historias. Al día siguiente, el ex muere repentinamente, haciendo sospechar a las tres amigas que el demonio ha despertado y busca venganza. 

 

 

Kandisha es una entretenida propuesta de terror con aire clásico que se desenvuelve en un entorno callejero muy creíble, y que gracias a su corta duración, personajes y guion fácil de llevar, consigue ser disfrutable de principio a fin.

Estamos ante una cinta de horror multicultural con esencia clásica, protagonizada por chicas que deben buscarse la vida en un ambiente un tanto hostil y que debido a las circunstancias del día a día, recurren a métodos poco ortodoxos para combatir las injusticias que padecen.

En el primer tramo de Kandisha, veremos las inquietudes y motivaciones de los jóvenes personajes que habitan en este barrio francés, todo en un ambiente casi de cinta juvenil con aire social para más tarde evolucionar hacia un vórtice de violencia paranormal.

La cinta posee un presupuesto ajustado y se precipita demasiado hacia su tramo final, perdiendo cierta tensión y misterio, pero creemos que juega muy bien sus cartas y no pretende ser algo que no es (aunque sí que es verdad que en alguna ocasión se le ven las costuras al film). Pero gracias al aire clásico que adorna la trama (un terror que recuerda al de los años 80, tanto por su ejecución como por la producción) no empaña para nada la experiencia global (a destacar sobre todo las explícitas y violentas muertes de algunos de los afectados).

 

 

En definitiva, Kandisha quizás no sea la mejor película del tándem francés, pero no por ello deja de ser una cinta de terror muy disfrutable. Buen ritmo, duración adecuada y unos personajes femeninos geniales. Dadle una oportunidad si tenéis ocasión.

Lo mejor: Las tres protagonistas.
Las muertes.
Trama fácil y entretenida.
Su duración.

Lo peor: Una película inferior en la filmografía de los directores.
Aunque el guion no está mal, se precipita demasiado hacia el final de la trama.

 

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Sitges 2020: Interview with Ryo Katayama, Director of Roar

First of all, congratulations on your film, Roar, we really enjoyed it at the last Sitges festival.

Ryo Katayama, Director of Roar

Mike y sus Chinos: Japanese independent cinema is something that comes very rarely to our country, but thanks to festivals like Sitges we can enjoy some interesting productions. Is it difficult to film an independent movie like Roar in Japan? How is the health of this kind of cinema in the Japanese industry?

Ryo Katayama: Thank you for watching my film. It is very precious that we get response from people overseas watching the film like this. Regarding filming an independent movie here, it is tough considering the budget. “Roar” was shot in 7days. In that perspective, I would say it’s in very harsh environment. However, the absence of sponsors makes it possible to realize what the director wants to do without caring the balance of power. So, I believe that we can expect high quality of works in those kinds.

MysC: The film moves around the experiences of various main characters and the palpable desperation to try to keep going. A tough story about today’s society. How does this project get into your hands? And why do you decide to film Roar?


RK: This story is set in Fukui, my hometown, but I used to hate there. I hated the people who cannot get away from the indigenous blood. However, as I grow up, I started to realize the fact that the people I hate are also trying hard to live their lives. So, I thought that depicting the people trying hard to live where I used to hate may turn out to be an overwhelming hope instead. That’s the reason I decided to make this film.

Still of Roar

MysC: Watching your film, we are surprised by the crushing spontaneity of some scenes and how the viewers get involved in them.  -What motivated you to explain such a raw story and such brutal realism? Is it based on any personal or close experiences?

RK: You can see my personal experiences in various scenes. I believe that they’re adding
the realism to the film. I’ve been also an actor since before I started filming. As an actor, I’ve always acted just by “living the character,” and I asked these casts to focus on “living the character” in my film as well.

MysC: What are your references when creating a movie?

RK: I refer to my own memory.

MysC: The interpretative level in the film is excellent, both for the main and secondary characters.
How was the process of casting? And how was the experience of working with them during filming?

RK: I’m really happy to have such feedback. Maybe because I’m an actor myself. I expect the casts for a lot of things, but the bottom line is that I like “a person who doesn’t lie,” or an honest person, in other words. Acting is a “lie,” and thus we need the casts to do with their “real” emotion to turn this “lie” into a reality. During filming, we discussed over and over again how we create the “real.” I was happy surrounded by these wonderful casts.

Still of Roar

MysC: Could you explain some anecdote or curious filming facts?

RK: We shot this film in about 7 days, but had 110 scenes in total. The schedule was like hell every day. So, especially the latter half was full of funny accidents;
For instance, the scene with the main character, Makoto and the tramp had basically no conversation, and only three of us, Mr. Anraku as Makoto, Mr. Fukaya as Cinematographer, and the director Katayama as the tramp, were there. We were recording with a fixed microphone. Two of us actually fell asleep during the scene supposed to wake up and the laughter of Mr. Fukaya woke us up. It happened a lot. In a sense, it might be a moment that we were playing the “real.”

MysC: What did you enjoy the most and what was most difficult when shooting the film?

RK: I’m afraid that there was no room for finding enjoyment. It’s the story about the rock bottom. Instead, there were so many difficulties. As I said above, the crew member was only Mr. Fukaya, the cinematographer. Mr. Anraku, the main cast, was the only person who could help on the set. There were some people who helped us on the location, of course, but they all had their own daily jobs. So, it was very tough to manage the shooting just by three of us. At the same time, I felt an extreme sense of unity among us. Maybe that is the reason I’ve never thought of changing the cinematographer when I film.

MysC: After watching your movie, we are very interested to know about your future projects. Could you tell us about any of them?

RK: I filmed my latest project in my hometown Fukui again. The title is “Icchorai” (English title: TBD). It’s in post-production. It’s about a man who runs a Ramen noodle shop on the shopping street, which appeared in “Roar” as well. The man had a dream to go to Tokyo, but caring his dad forced him to stay. He had no choice but clinging to the past. It’s the story about such man. Here is a teaser, so please take a look. Thank you.

TEASER "Icchorai"

Sitges 2020: Entrevista a Ryo Katayama, Director de Roar

Ante todo, felicidades por tu película, Roar, la hemos disfrutado mucho en el último festival de Sitges.

Ryo Katayama, Director de Roar

Mike y sus Chinos: El cine independiente japonés es algo que nos llega con cuenta gotas a nuestro país, pero gracias a festivales como el de Sitges podemos disfrutar de algunas producciones interesantes.
¿Es complicado rodar en Japón una cinta independiente como Roar? ¿Como está de salud este tipo de cine en la industria japonesa?

Ryo Katayama: Gracias por ver mi película. Es muy valioso para mí que recibamos respuesta de gente en el extranjero que ha visto la película.
En cuanto a filmar una película independiente aquí, es difícil teniendo en cuenta el presupuesto. Rodamos "Roar" en 7 días. Con esta perspectiva, yo diría que el cine indie está en un ambiente muy duro. Sin embargo, con la ausencia de patrocinadores te das cuenta de lo que el director quiere hacer sin tener que preocuparse por el equilibrio de poder. Por lo tanto, creo que podemos esperar una alta calidad en ese tipo de obras.

MysC: La película se mueve alrededor de las experiencias de varios personajes principales y la palpable desesperación por intentar salir adelante. Una dura historia sobre la sociedad actual. ¿Como llega este proyecto a tus manos? ¿Y porque decides hacer Roar?

RK: Esta historia está ambientada en Fukui, mi ciudad natal, pero solía odiar estar allí. Odiaba a la gente que no puede escapar de la sangre nativa. Sin embargo, a medida que crecí, comencé a darme cuenta del hecho de que las personas que odio también se esfuerzan por vivir sus vidas. Así que pensé que representar a la gente que se esfuerza por vivir donde yo odiaba podría resultar ser una esperanza abrumadora en su lugar. Por eso decidí hacer esta película.

Fotograma de Roar

MysC: Viendo tu película, nos sorprende la naturalidad aplastante de algunas escenas y como el espectador se hace participe de ellas.
¿Qué es lo que te motivó para explicarnos una historia tan cruda y de un realismo tan brutal? ¿Se basa en alguna experiencia personal o cercana?

RK: Puedes ver mis experiencias personales en varias escenas. Creo que añaden el realismo a la película. También he sido actor desde antes de empezar a filmar. Como actor, siempre he actuado con sólo "vivir el personaje", y les pedí a los actores que se centraran en "vivir el personaje" en mi película también.

MysC: ¿Cuáles son tus referencias a la hora de crear una película?

RK: Hago referencia a mi propia memoria.

MysC: A nivel interpretativo la cinta es excelente, tanto por los personajes principales como secundarios. ¿Como fue el proceso de selección de actores? ¿Y qué tal fue la experiencia al trabajar con ellos durante el rodaje?

RK: Estoy muy feliz de tener tales comentarios. Tal vez porque yo también soy actor. Espero muchas cosas de los actores, pero la conclusión es que me gusta "una persona que no miente", o una persona honesta, en otras palabras. Actuar es una "mentira", y por lo tanto necesitamos que los actores se hagan con su emoción "real" para convertir esta "mentira" en una realidad. Durante el rodaje, hablamos una y otra vez cómo creamos lo "real". Me encantó estar rodeado de estos maravillosos actores.

Fotograma de Roar

MysC: ¿Podrías explicarnos alguna anécdota o dato curioso del rodaje?

RK: Rodamos esta película en unos 7 días, pero tuvimos 110 escenas en total. El horario era un infierno todos los días. Así que, especialmente la segunda mitad del rodaje estuvo llena de accidentes divertidos;
Por ejemplo, la escena con el personaje principal, Makoto y el vagabundo. Básicamente no había diálogo, y sólo tres de nosotros, el Sr. Anraku como Makoto, el Sr. Fukaya como Cinematógrafo, y yo mismo, Katayama, como el vagabundo, estábamos allí. Grabábamos con un micrófono fijo. El Sr. Anraku y yo nos quedamos dormidos durante una escena en la que debíamos despertarnos, pero fueron las risas del Sr. Fukaya lo que nos despertó al ver que nos habíamos quedado dormidos realmente. Sucedió mucho. En cierto sentido, podría ser un momento en que estábamos jugando lo "real".

MysC: ¿Qué es lo que más disfrutaste y lo que fue más difícil al rodar la película?

RK: Me temo que no hubo lugar para encontrar el disfrute. Es una historia sobre tocar fondo. En cambio, hubo muchas dificultades. Como dije anteriormente, el único miembro del equipo era el Sr. Fukaya, el Cinematógrafo. El Sr. Anraku, el protagonista, era la única persona que podía ayudar en el set. Había algunas personas que nos ayudaron en las localizaciones, por supuesto, pero todos tenían sus propios trabajos diarios. Así que fue muy difícil manejar el rodaje únicamente por tres personas. Al mismo tiempo, hubo un sentido extremo de unidad entre nosotros. Tal vez esa es la razón por la que nunca he pensado en cambiar al cinematógrafo cuando filmo.

MysC: Después de ver tu película, estamos muy interesados en saber sobre tus proyectos futuros. ¿Nos podrías hablar de alguno de ellos?

RK: Filmé mi último proyecto de nuevo en Fukui, mi ciudad natal. El título es "Icchorai" (título en inglés: por determinar). Está en postproducción. Trata sobre un hombre que dirige una tienda de fideos Ramen en la calle comercial, que también apareció en "Roar". El hombre sueña con ir a Tokio, pero cuidar de su padre lo obliga a quedarse. No tiene más remedio que aferrarse al pasado. Aquí tenéis el teaser, así que por favor echadle un vistazo. Gracias. 

TEASER "Icchorai"

Sitges 2020: May the devil take you too (2020, Indonesia)

"Solo yo tengo el permiso para reclamar tu alma."

Director: Timo Tjahjanto.
Guion: Timo Tjahjanto.
Reparto: Chelsea Islan, Widika Sidmore, Baskara Mahendra, Hadijah Shahab.

El terror Indonesio a pegado muy fuerte este año en el Festival de Sitges, ofreciéndonos tres excelentes propuestas llenas de Folklore, terror y gore, remarcando así, el gran estado de salud actual que posee este género en su país. Frescura, mala leche y reinvención son las palabras que nos vienen a la mente después de ver lo que nos han ofrecido Timo Tjahjanto, Kimo stamboel y Joko Anwar con sus terroríficas producciones.

Hoy hablaremos sobre la segunda parte de la cañera May the devil take you (cinta que tenéis disponible en netflix) dirigida por el gran Timo Tjahjanto (The night come for us, Darah, Killers) y que para nosotros supera a su antecesora. Sin más dilación, comenzamos!
 

 

Dos años después de los hechos ocurridos con el cruel demonio, Alfie y Nara intentan seguir adelante con sus vidas, afrontando los traumas y miedos del pasado aun sufriendo por parte de Alfie terroríficas alucinaciones llegadas desde el mismísimo infierno. Desde las sombras, el poderoso demonio reclama las almas a toda costa. Sus vidas darán un giro de 180 grados cuando un grupo de jóvenes obliguen a Alfie a participar en un rito satánico con tal de liberar al ente que los atemoriza.

Timo Thjanto regresa con May the devil take you too al terror más puro y visceral, repitiendo y mejorando la fórmula que tan buenas críticas recibió con su primera parte. De nuevo nos adentra con maestría y desenfado en un vórtice de violencia sobrenatural repleto de homenajes a sagas tan conocidas como Evil dead, La maldición o incluso a El exorcista, pero siempre con ese respeto y buen gusto por los clásicos. 

El ritmo de la cinta es ágil como los demonios que persiguen a nuestras protagonistas, no dando ni un respiro al espectador y consiguiendo generar esa sensación de malestar e inquietud que tanto nos gusta a los fans del género. Una historia cañera y con muy mala leche.

A nivel técnico la cinta es excelente, posee una buena fotografía, banda sonora y un gran trabajo de cámaras como ya nos tiene acostumbrados el director. Tanto el maquillaje como los efectos especiales también están a un gran nivel, combinando a la perfección lo clásico con el CGI para alegrarnos la vista con todo tipo de posesiones sanguinarias y demás criaturas salidas desde el mismísimo infierno.
 

En el apartado interpretativo el film cumple con creces, pero sin llegar a ser una maravilla, Alfie está estupenda en el papel protagonista pero el elenco de secundarios es un tanto plano.

En definitiva, May the devil take you too es otra genial cinta que nos llega de la mano de Timo Tjahjanto, con su puesta en escena cañera y su ritmo endiablado no podemos hacer otra cosa que recomendarla a todos los fans del buen terror, especialmente del asiático.

Lo mejor: La puesta en escena y el terror visceral.
La ambientación y los efectos especiales.

Lo peor: No sorprende por su guion, si estáis buscando algo nuevo, esta no es vuestra película.
No poder tenerla en formato físico en nuestra colección de cine asiático. 

 

TRAILER

 

Sitges 2020: The Silencing (Canada/USA, 2020)

“Nunca dejaría que un animal sufriera”

Director: Robin Pront
Guion: Micah Ranum
Reparto: Nikolaj Coster-Waldau, Annabelle Wallis, Zahn McClarnon  

Rayburn (Nikolaj Coster-Waldau) es un solitario y amargado alcohólico que vive y cuida de su propio santuario para animales en Echo Falls, un frío pueblo al norte de Estados Unidos, desde que su hija desapareció. Cuando una adolescente aparece asesinada a orillas del río, los caminos de Rayburn y la sheriff Gustafson (Annabelle Wallis) se cruzarán, dando paso a un peligroso juego del gato y el ratón entre ellos y el asesino.

The Silencing es el segundo largo de Robin Pront, un frío y tenebroso thriller rodado con gran astucia y eficacia. Los puntos fuertes sin duda son un guion sólido, una fotografía espectacular y un reparto brillante.

El guion, a cargo de Micah Ranum, contiene todo lo que cabe esperar de un buen thriller policiaco: un asesino en serie desgarrador y visceral, un alma rota en busca de redención y una policía provincial que hace lo que puede bajo las circunstancias que se le presentan. Una mezcla ideal para presentar el thriller idílico. Ranum adorna a estos tres personajes con un cuarto, el bosque: frío, frondoso, grisáceo y tenebroso. Un bosque donde ningún cazador puede matar, donde todos los animales están a salvo de los humanos, usado, sin embargo, para cazar a chicas adolescentes.

Manuel Dacosse, director de fotografía, es el afortunado de transformar ese bosque en sombras y luces. Dacosse disfruta y hace disfrutar de los parajes recónditos, de la caza y de los pocos colores chillones que tiene el film.

A la cabeza del film encontramos a Nikolaj Coster-Waldau, apoteósico en su papel de padre alcohólico aletargado. El film se apoya en su carismática actuación para dejar que el espectador saboree todo lo que Coster-Waldau tiene que ofrecer. Sin olvidar a la grande Annabelle Wallis, la sheriff de Echo Falls, inmersa en sus propios demonios y demasiado ocupada para darse cuenta de lo que la rodea.

En definitiva, si os gustan los thrillers policiacos, The Silencing es el vuestro, no os defraudará.

Lo mejor: Nikolaj Coster-Waldau se crece en este papel.

Lo peor: No inventa nada nuevo.

Come Drink With Me (Hong Kong, 1966)

“Es un criminal y tiene que pagar por sus actos”

 

Director: King Hu.

Guion: King Hu, Ting Shan-Hsi.

Reparto: Cheng Pei-Pei,Yueh Hua, Erh Chun, Chen Hung-Lieh, Li Yunzhong, Ku Feng,Yam Ho, Yuen Hsiao-Tien, Hsu Hsia.

 

 

El género de las artes marciales le debe mucho a King Hu, director cinematográfico chino, que junto a otros resucitaron el género Wuxia. Hay obras importantes en su filmografía como A Touch of Zen (1969-71), galardonada en el Festival de Cannes de 1975, Dragon Inn (1967) o la que reseñaremos en esta ocasión Come Drink With Me, disponible en Amazon Prime.

 

Este film nos muestra como una banda de forajidos secuestra al hijo de un gobernador con la intención de conseguir un trato para intercambiarlo por su líder, actualmente preso. Una agente de la corte (también hermana del secuestrado) apodada “La golondrina Dorada” es enviada por el gobernador para rescatarlo y detener a los criminales. En su camino se encuentra con un joven que esconde un gran secreto y acabará ayudándola en su peligrosa misión.

 

Estamos ante una obra pionera y de las más famosas de la Shaw Bros. Teniendo en cuenta la época y sus limitaciones, estamos ante una de las mejores obras del género mejor filmadas, claro ascendente del género wuxia actual. Posee una trama solida y bien argumentada, personajes simpáticos con toques de humor y muchas escenas de intriga y acción. Película imprescidible para los fans del género.

 

En cuando al diseño de producción es muy modesto debido a la época pero eso no es un impedimento para su disfrute. La protagonista principal tiene un carisma atrayente y las escenas de acción son interesantes aunque las coreografías no estén del todo logradas. Aún cuando los juegos de cámara están mejor conseguidos en los films posteriores del director, aquí ya se pueden apreciar esos primeros movimientos con la cámara que dominaría en el futuro.

En definitiva, un clásico del cine chino que cualquier fan del género no puede dejar escapar.

 

Lo mejor: Una buena trama. Es una obra pionera imprescindible.

 

Lo peor: Coreografías poco logradas debido a las limitaciones de la época.

 

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Dororo (Japón, 2019)

“Lo recuperaré todo”

 

Director: Kazuhiro Furuhashi

Guion: Yasuko Kobayashi  y Osamu Tezuka (Manga)

Reparto: Hiroki Suzuki, Rio Suzuki, Naoya Uchida,Shōya Chiba, Akio Ōtsuka

 

Basado en un manga creado por Ozamu Tezuka en 1967 que posteriormente fue adaptado a serie de animación en 1969, Dororo regresó en 2019 por su 50 aniversario. Actualmente, se puede disfrutar  en Amazon Prime.

 

 Dororo cuenta como el ambicioso señor de Daigo, pacta con doce demonios a cambio de conseguir el dominio total de sus tierras y prosperidad para todo su territorio. Evidentemente, como pago entrega a su primer hijo recién nacido, Hyakkimaru, para que sea devorado por los demonios.
El  bebé Hyakkimaru sobrevive contra todo pronóstico, pero carece de ojos, piernas, brazos y otras extremidades, por lo que es abandonado a su suerte por orden de su padre.

Hyakkimaru es rescatado y criado por un médico que le construye miembros protésicos para que pueda tener una vida relativamente normal aunque no pueda ver, oír, ni sentir dolor. El médico se da cuenta que, aunque es ciego,  Hyakkimaru puede “ver” el alma de las personas y así saber si son malvados o no. También presiente entes demoníacas. 

 

 

Dieciséis años más tarde, Hyakkimaru decide recuperar las partes de su cuerpo que fueron robadas. Para ello, debe asesinar a todos y cada uno de los demonios con los que su padre hizo el pacto. Armado con unas prótesis especiales con katanas acopladas, recorrerá todo Japón decidido a recuperar lo que le pertenece.

 

En su periplo se encuentra con Dororo, un ladronzuelo que decide acompañarlo y ser sus ojos y sus oídos. Un fuerte vínculo les unirá y no desistirán en su empeño de recuperar el cuerpo de  Hyakkimaru, lo que también traerá problemas a las tierras de Daigo. Cada demonio que perece, más desestabiliza la paz de todo el territorio, eso hará que el señor de Daigo, su padre, decida ir en su búsqueda para acabar con él.

 

El anime de Dororo ha querido rendir homenaje a la obra de Osamu Tezuka, una historia que se nutre de la química  entre los dos protagonistas y que aún así no hace que pierdas interés. El estilo aunque bebe del original y conserva detalles del dibujo, esta vez da paso a una imagen más contemporánea.

 

La animación es buena pero sencilla, y aunque en los primeros capítulos los combates tienen una calidad alta, en la segunda mitad de la serie se nota un descenso. Aún así, no deja de ser disfrutable.

Su mayor mérito, es no cansar al espectador cuando la mayoría de los diálogos pasan por Dororo en gran parte de la serie, ya que al principio Hyakkimaru no habla.

 

 

 

Sinceramente creo que estamos ante una de las mejores series del año 2019 aunque no sea perfecta. Totalmente recomendada para los amantes del género chambara con toques de fantasía, buenas peleas y mucha sangre.

 

Lo mejor: La historia. 

La relación entre Dororo y  Hyakkimaru.

 

Lo peor: La bajada de calidad de la animación en la segunda mitad de la serie.

 

TRAILER 

 

 

Sitges 2020: Seven days war (Japón, 2019)

"30 años después de la guerra de los siete días, comienza una nueva guerra"

Director: Yūta Murano
Guion: Ichiro Okouchi
Reparto: Rie Miyazama, Takumi Kitamura, Kyôko Yoshine, Tatsuhisa

Si algo nos gusta del Festival de Sitges son las buenas propuestas de animación que nos ofrecen cada año. Variadas, de temática diferente y sobre todo que tenga algo de chispa que las hace únicas. Hoy hablaremos de Seven days war, una preciosa y emotiva cinta basada en la novela de mismo nombre escrita por Osamu Sôda y que bajo su simplicidad a simple vista esconde múltiples e interesantes capas sociales. Sin más dilación comenzamos.

Poco antes de comenzar las vacaciones de verano, el joven Mamoru descubre que su vecina y amor platónico Aya, va a mudarse por culpa de la carrera política de su padre. En un arrebato de valentía propone a Aya y a sus amigos a esconderse durante una semana y disfrutar de los últimos momentos que van a estar todos juntos. Todo se complicará cuando en la vieja fábrica se den cuenta de que realmente hay alguien más viviendo allí.

 

 

La cinta nos ofrece una agradable trama juvenil con todo lo que ello conlleva, pero profundizando en temas actuales bastante importantes como es la homosexualidad, las redes sociales o la perdida de la verdadera identidad por culpa (en este caso) de lo que quieren los adultos. La sociedad actual nos empuja a veces hacia la frialdad, la prisa y la falta de empatía, haciéndonos olvidar de valores realmente importantes para ser feliz, como es el amor, la amistad y el respeto hacia los demás. En Seven days war viviremos todo esto acompañando a nuestros maravillosos protagonistas en un viaje para encontrarse a sí mismos en una cinta agradable y valiente.

Una propuesta de duración comedida, de trama simple pero profunda que gracias a su eficaz construcción de personajes nos hará vibrar en más de una ocasión y endulzará nuestras pupilas con su vistosa animación. Poco más os queremos decir sobre esta maravillosa historia, simplemente que le deis una oportunidad, que disfrutéis de la vida y sobre todo seáis vosotros mismos. Enjoy!

 

 

En definitiva, Seven days war es una excelente historia sobre la amistad, el amor y de cómo la sociedad (especialmente la vida adulta) hacen muy difícil el descubrir quién eres en realidad en estos tiempos que nos tocan vivir. Una obra agradable que gustará a los que disfrutan del buen anime, especialmente a los que aman vivir. Love It!

Lo mejor: El elenco de protagonistas.
La maravillosa escena final.
La valentía con la que trata algunos temas.
Las referencias a la novela y a su Live-action.

Lo peor: Realmente nos ha gustado de principio a fin, no encontramos nada malo XD  

 

TRAILER

 

 

Sitges 2020: Beauty water (Corea del sur, 2020)

"El agua milagrosa que ofrece resultados de cirugía plástica aplicándose como un cosmético"

Director: Cho Kyung-hun
Guion: Lee Han-bin
Reparto: Moon Nam-sook, Jang Min-hyeok, Jo Hyeon-jeong, Kim Bo-young-II, Choi Seung-hoon

Cuando hablamos de animación (en especial sobre la que nos llega desde Asia) siempre nos viene a la cabeza Japón, pero más allá de la realidad existen otras cinematografías repletas de buenas producciones, por ejemplo las que nos llegan de China o Corea del Sur.

 

Desde el blog Mike y sus chinos, y sobre todo gracias a nuestra redactora Fayna (que nos deleita con muchísimas reseñas de animación de todos los países), queremos dar visibilidad a este tipo de animaciones que se salen fuera de lo que conocemos el público internacional.

 
El festival de Sitges siempre ha apostado por traernos alguna que otra obra de animación que se sale fuera de los cánones más comunes (The fake, King of Pigs, White snake). Hoy os hablaremos de la genial Beauty Water, un thriller de terror basado en el web toon de Oh Sung Dae que nos llega desde Corea del Sur y que hemos podido disfrutar en todo su esplendor en pantalla grande en la pasada edición del Sitges festival.

 

 

Yaeji es una joven que odia su vida, no le gusta su trabajo y además recibe menosprecio debido a su aspecto físico. Un buen día y por casualidad, descubre el nuevo y revolucionario producto de belleza Beauty Water, el cual promete que podrás esculpir tu propio cuerpo al gusto del consumidor. Yaeji sin dudarlo acepta y se dispone rápidamente a probar el tratamiento, sin saber el infierno que le tocará vivir a cambio.

Beauty Water es un excelente thriller que evoluciona hacia una obra de body horror puro donde la sensación de perturbación se apodera del espectador. Una cinta con un poderoso mensaje social sobre cómo la sociedad (en este caso la coreana pero que desgraciadamente es aplicable a cualquiera) puede despreciar a personas por no estar dentro de las características perfectas de esta cruel, ofensiva y perfeccionista manera de ver la normalidad. La cinta nos habla de la desesperación que produce la soledad al estar apartado de todas las cosas que la gente "normal" tiene derecho a hacer gracias a su físico o estatus social.  Un grito al cambio, pero también a que la gente abra los ojos sobre el infierno que pueden llegar a sufrir las personas a las que esta demoníaca soledad las persigue día y noche. Una injusticia que en la película, se correrá un reguero de sangre, muerte y desesperación.

Dejando a un lado todo el mensaje social, la cinta funciona muy bien como thriller de terror, combinando a la perfección las obsesiones de nuestra protagonista con el asesino en serie que acecha las frías noches de Seúl. Una mezcla exquisita que funciona bastante bien gracias a su elaborado y eficaz guion y que gustará tanto a los seguidores del buen thriller como del terror.

Beauty Water posee un buen elenco de personajes bien creados e implementados en la trama y que ayudan a que el mundo que quiere mostrarnos el director no está tan lejos de la realidad. La evolución y el cambio de nuestra protagonista es simplemente genial y nos muestra claramente el mimo con el que han querido mostrarnos esta oscura historia sobre la belleza superflua.

A nivel visual la cinta nos ofrece una animación en 3D (cell shading) muy cuidada, aunque quizás podríamos echarle en cara la captura de movimientos, siendo en general un tanto robóticos y poco naturales. No sabemos si esto es algo de diseño o simplemente una falta de presupuesto, pero claramente no empaña en absoluto la experiencia de este estupendo thriller coreano.

 

 

En definitiva, la ópera prima del director Cho Kyung-hun no podría ser mejor, un excelente thriller de terror que perturbará al público gracias a su puesta en escena y una trama digna del mejor body horror clásico. Si tenéis la oportunidad echadle un ojo.

Lo mejor: Su trama.
Una ambientación muy bien creada.
Un ritmo ágil acompañado de un montaje eficaz.

Lo peor: La captura de movimiento de los personajes es algo robótica.

 

TRAILER 

 

 

Sitges 2020: Entrevistando a Mathieu Turi, Director de Meandre

Mathieu Turi es un director francés que ya nos sorprendió en 2017 con Hostile, una interesantísima producción de ciencia ficción apadrinada por Xavier Gens y que como en ésta, explora las emociones humanas. Después de disfrutar de la magnífica Meandre, hemos tenido oportunidad de hablar con él.

Mathieu Turi, Director de MEANDRE

Mike y sus Chinos: En primer lugar, felicidades por tu fantástica película. Meandre ha sido una brisa de aire fresco (aunque claustrofóbico) en el género de ciencia ficción. Nuestra impresión es que va a ser una de las mejores cintas de ciencia ficción de este año, y será una producción difícil de superar.

Mathieu Turi: ¡Muchas gracias! :)

MysC: Han pasado 3 años desde el estreno de Hostile. ¿Cómo ha sido la escritura y producción de tu nueva película, Meandre?

MT: En realidad, escribí el guion de MEANDRE durante el desarrollo de HOSTILE, y justo después del rodaje, mis productores querían rodarla, así que fue un poco rápido, aunque la palabra "rápido" en este negocio puede significar un año o dos... Así que, en 2019, estábamos listos para filmar y lo hicimos de noviembre de 2019 a enero de 2020, durante 32 días, en un estudio francés cerca de París.

Mathieu Turi, Director de MEANDREítulo

MysC: La película casi comienza con Lisa dentro del tubo, un laberinto lleno de trampas donde debe aprender algo que aún no sabe. ¿Cómo empiezas a escribir esta historia? Parece como algo que has experimentado, metafóricamente hablando.

MT: Yo diría que proviene de diferentes fuentes, pero siempre trato de ponerme dentro, así que hay algo al mismo tiempo personal pero también universal que es la idea de la claustrofobia. No soy claustrofóbico en absoluto, pero recuerdo que, cuando era un niño pequeño, solía ir debajo de nuestra casa, donde tenía que acostarme boca abajo para moverme, y era una sensación espeluznante. Además, en ALIENS de James Cameron, está esa escena en la que Bishop necesita moverse en un tubo estrecho, para ir de un edificio a otro, y yo estaba aterrorizado, esperando que un alien aparecería... pero no pasa nada en la escena, y yo estaba aún más aterrorizado :). Y más en serio, la película trata sobre la pérdida, el luto y el dolor, pero también la esperanza y la determinación que necesitamos para vivir en este mundo, así que supongo que todo el mundo puede poner algo personal en él.

MysC: Continuando con el guion, cuando terminamos la película había muchas teorías sobre lo que le ha pasado a Lisa. La mayoría de la gente estuvo de acuerdo en que era una especie de purgatorio, algo religioso. Nuestra opinión es un poco diferente ya que vemos rastros del budismo en él (el monstruo, el sufrimiento, aprender a aceptar cosas en la vida, el amor, el perdón, y finalmente la ascensión, casi literalmente, a la iluminación). ¿Qué pretendías explicar?

MT: Esta es una pregunta muy interesante, ya que mi idea desde el principio era poner esa religión o /y vibraciones filosóficas alrededor de la historia. No es un truco, está en su núcleo. No voy a spoilear la película, pero realmente quería poner a Lisa en una posición donde ella tenía que pasar por todo el proceso: muerte, amor, perdón, paz, etc... Y para eso, ella necesita luchar física Y emocionalmente. Por lo tanto, esto es realmente importante para mí. También quería mezclar la idea de la ciencia ficción y la religión, y el concepto de fe en general.

Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: A continuación, queremos hablar de la dirección. ¿Qué tan difícil ha sido planear en avanzado, junto con el director de fotografía, todas las secuencias del viaje que hace Lisa? ¿Cómo afectó esto también al departamento de arte?

MT: Fue el reto desde el principio: rodar una película en un espacio muy estrecho, sin olvidar ser significativo en los movimientos de la cámara, las tomas y el ritmo. Así que, como siempre hago, muy temprano en el proceso, dibujo cada toma. CADA toma de la película, así que tengo una idea muy clara de lo que quiero y lo que necesito. Y después de eso, mi Director de Foto y yo, Alain Duplantier, trabajamos en la parte del "¿cómo diablos lograremos eso?". Aquí es donde las ideas van y vienen, y donde el proceso creativo está en su mejor momento, porque todo el mundo trata de encontrar nuevas ideas, mejores conceptos o a veces iluminación en una escena que se convierte en algo nuevo. Trabajamos mucho con nuestro diseñador de producción Thierry Jaulin en los decorados, y fue muy MUY complicado. La razón principal es que no podríamos tener sólo un tubo muy largo, porque habría sido imposible filmar en él. Así que tuvimos que imaginar varias piezas, una para cada trampa, con todos los mecanismos y algunos paneles móviles para filmar a través, y algunas otras porciones largas para todos los momentos "tranquilos" cuando ella simplemente se arrastra. E incluso para eso, tuvimos que crear algunas plataformas locas, como una pequeña jaula sobre ruedas que se ajusta perfectamente al tubo y podía moverse hacia arriba, hacia abajo y hacia adelante. ¡Fue algo experimental!

MysC: Es muy interesante cómo las luces y la monotonía de color, contrastan con las alertas en el brazalete de Lisa y los colores de las pruebas. ¿Cómo te imaginaste todas las escenas? ¿Por qué estos colores?

MT: La idea que tuvimos con Alain, el Director de Foto, era ser muy experimental con los colores. Primero, tuvo la loca idea de iluminar apenas exclusivamente con la luz del brazalete. Tuvimos que encontrar un sistema led muy caro, que pudiéramos transformar a un brazalete (en realidad cuatro de ellos), y que pudiera cambiar de color, ser sólido, etc... También necesitábamos esconder un cable en el traje, que contenía baterías para que funcionara. Entonces, decidimos jugar con los colores y los contrastes, principalmente el azul oscuro/gris del tubo contra el brazalete amarillo/oro/verde. La idea era que la frialdad del tubo, que representaba a la muerte, era iluminada por el calor y la esperanza representada por ese oro. Como un destello en la noche. Luego, para las trampas, trabajamos en luces procedentes del tubo esta vez, con colores agresivos, verde ácido, rojo sangre, naranja fuego, etc...

Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: En cuanto a los actores, sólo hay 4 de ellos en la película. Gaïa Weiss tiene todo el peso en el film. ¿Fue difícil elegir el personaje de Lisa? ¿Cómo fue la preparación para su papel?

MT: El casting no fue fácil, pero tuve la suerte de que Gaïa aceptara el papel, ¡y vamos si lo clavó! Era complicado, no sólo por estar sola en el tubo, sino porque tenía que estar siempre en su mejor momento físico e interpretativo. Y ella está en CADA toma más o menos. Estoy agradecido de haber tenido la oportunidad de trabajar con ella, tenía la película completamente sobre sus hombros y lo dio todo. Peter Franzen también fue increíble. Realmente quería trabajar con él y es tan amable, como profesional, siempre tratando de dar más. Fue un sueño trabajar con él.

MysC: ¿Nos puedes contra alguna anécdota del rodaje?

MT: Podría escribir una novela con anécdotas ^^. Pero yo diría que uno en particular es el día en que pusimos el tubo en llamas. No quería filmar completamente con VFX, así que básicamente... ¡prendimos fuego al tubo! Lo hicimos el último día (obviamente), en exteriores, por la noche. Fue bastante divertido, con todo el equipo viendo a los tipos de SFX trabajando. Y la idea era poner algo de fuego en él, durante tal vez uno o dos segundos, para evitar que el set se desperdiciara por completo. Pusimos dos cámaras, enviamos el fuego... ¡pero no podíamos detener el fuego! Era seguro para el equipo, ya que las cámaras fueron pilotadas desde la distancia, pero casi todo el set fue destruido en la toma uno. Tuvimos suerte de que la filmación fue INCREÍBLE durante los 10 segundos que necesitábamos, y pudimos filmar toma 2 y 3 en alguna otra parte del tubo. Pero el 90% de la filmación son de esa toma. A veces tienes suerte... ¡Esto es magia de cine!

Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: Y por último, cuéntanos sobre futuros proyectos, si puedes. ¿Qué sigue en tu mente?

MT: Tengo TONELADAS de proyectos, pero ya sabes, en este negocio, tienes que trabajar en varios proyectos para hacer uno de ellos real. Algunos de los que no puedo hablar, pero también estoy trabajando en una gran película medieval, adaptada de un famoso cómic francés (no puedo hablar de ello, o me matarán :)). Me encantaría que fuera mi próximo proyecto, pero es tan grande que creo que tendré tiempo de rodar otra película antes de eso... Todo lo que puedo decir es que no será una comedia ;)