Sitges 2017: Entrevistando a Xavier Gens

Mike y sus chinos / Flan de poster: Bienvenido de nuevo a Sitges. ¿Como es repetir otra vez en el festival?

Xavier Gens: Siempre es fantástico, porque para mí son como unas vacaciones. Me lo estoy pasando genial viendo un montón de películas, encontrándome con amigos como por ejemplo con Alexandre Bustillo y Julien Maury (directores de Letherface), que siempre estamos en la misma selección, pasamos el rato juntos… Me lo estoy pasando fatal (risas).

MysC / Fdp: ¿Por qué decides adaptar esta novela (La pell freda)?

XG: Primero porque me encanta, es una novela fantástica, que habla sobre el comportamiento humano, el miedo a la comunicación, un montón de temáticas que me encantan y es una historia muy filosófica sobre la condición humana. Además tengo una fascinación por Lovecraft, Edgar Allan Poe, Joseph Conrad…

MysC / Fdp: ¿Así pues fue tu decisión?

XG: Bueno, primero me contactó el productor, pero yo ya había leído la novela, así que estaba al 100% seguro. Además antes ya estaba googleando si había alguien interesado en hacer la película (risas). Pero conectamos porque yo ya había presentado Frontiers y The divide en Sitges y me conocían.

MysC / Fdp: ¿Hablaste con Albert Sánchez Piñol, el autor de la novela? ¿Tuviste contacto con él?

XG: Sí que estuvimos juntos, aunque primero leí el libro, hice el guión y luego le di el guión a Albert para que lo aprobara y lo aprobó. Nuestra reunión fue muy interesante porque quería entender cuál fue su proceso creativo incluso al empezar el libro, porque él es un antropólogo y quería saber porque como antropólogo había escrito una novela de fantasía. Albert se quedó pensando un rato y me dijo que por Darwin. Darwin también era un antropólogo que descubrió la teoría de la evolución y a su manera, Albert, escribió su propia teoría de la evolución cuando escribió La piel fría.
MysC / Fdp: ¿Estuvo durante el rodaje? ¿O solamente al principio del proceso?

XG: Al principio vino bastante al set de rodaje porque queríamos que estuviera contento con la localización, el faro… Y estuvo muy contento la verdad porque me dijo que le había leído la mente. Estaba también muy contento con Aura como la criatura. Así que muy bien la verdad.

MysC / Fdp: Acerca de la localización, que es espectacular, ¿por qué escogisteis ese lugar en concreto?

XG: Porque estaba buscando una isla en la Antártida ya que teníamos una imagen de todo blanco, invernal pero no era totalmente así. Es más como rocosa, un área volcánica. Miramos de rodarla en Islandia pero hacía muchísimo frío. Y Aura está prácticamente desnuda en un 90% de la película, así que no podía ser, enseguida cogía hipotermia. Así que tuvimos que cambiar totalmente la localización. Buscamos un lugar cálido con volcanes y nos focalizamos en la bella isla de Lanzarote, en las Canarias.
MysC / Fdp: Háblanos sobre las criaturas. ¿Trabajasteis con CGI o con modelado de cuerpo?

XG: Trabajamos prácticamente con CGI, aunque en algunos planos mezclamos maquillaje y CGI. Por ejemplo cuando se ven las criaturas saliendo del agua y subiendo por las rocas del faro, ahí había una mezcla entre personajes maquillados y personajes creados completamente por CGI.

MysC / Fdp: ¿Te imaginaste a las criaturas así o trabajaste con un equipo para diseñarlas?

XG: Me las imaginé así pero consulté algunos científicos, porque quería que fueran creíbles. Quería que dieran la impresión que si había una isla perdida en el océano como habrían evolucionado los humanos. Sería como un nuevo camino para la raza humana. El personaje de Aria sigue siendo humano para mí, pero tiene la piel azul y respira por branquias. Y el encuentro debía ser como cuando dos razas diferentes de humanos se encontraron por primera vez, es diferente así que sentimos miedo. La película habla también de eso.

MysC / Fdp: ¿Te ha gustado el resultado de la película? ¿Y a Albert?

XG: La verdad es que a los dos, aunque siempre la compara con el libro, pero sé que realmente le gusta.

MysC / Fdp: Hablando sobre tus películas en general, los personajes de tus películas normalmente son muy intensos, ¿Por qué escoges historia sobre el sufrimiento humano?

XG: No lo sé…  (Risas). Creo que el conflicto es mucho más interesante y me encanta hablar sobre la condición humana. Creo que es una manera de hablar sobre mis propias historias, no quiero poner sentimientos personales en ellas, pero no puedo evitar dar mi punto de vista en mis películas.

MysC / Fdp: ¿Nos puedes hablar sobre tus proyectos futuros?

XG: Estoy acabando una película que se llama Budapest, la cual es una comedia (fuera de mi zona de confort). Es completamente diferente, pero quería hacer algo diferente y refrescante. Va sobre seres humanos que van hacia algo muy amoral para entretener a la gente. Creo que la película es divertida porque es extremo en el sentido moral. Sé que va a impactar a mucha gente, incluso yo estoy avergonzado por algunas secuencias, pero me hace reír (risas). Creo que mi moral es bastante más holgada que la de otros.

MysC / Fdp: ¿Habrá sangre?

XG: No demasiada pero algo de sangre sí que hay. Hay mucho sexo. Y muchos hombres tontos, no mujeres, solo hombres. Mostramos lo ridículos que son los hombres cuando van en grupo en busca de chicas. Así que nos burlamos mucho de ellos. Soy bastante feminista.

MysC / Fdp: Muchas gracias Xavier. Ha sido un placer hablar contigo.

Sitges 2017: Entrevistando a Kiyoshi Kurosawa

Tuvimos el honor de poder entrevistar (aunque poco rato y con dos blogs más) a Kiyoshi Kurosawa, uno de nuestros directores favoritos. Sus películas son obras muy personales, con una fotografía minimalista y donde la banda sonora nos atrapa por su perturbadora simplicidad. Su nuevo film es Before we vanish, una profunda cinta de ciencia a ficción que os hará pensar.

Mike y sus Chinos: Bienvenido al festival, es un honor poder entrevistarle

Kiyoshi Kurosawa: Es un placer estar aquí, mucha gracias.

Pregunta: Viendo Before we vanish, nos damos cuenta de ciertas referencias a otros films, como por ejemplo "Abyss" de James Cameron o "La invasion de los ultra cuerpos" ¿Hasta qué punto llegan a influenciarte esas cintas?

KK: La invasión de los ultra cuerpos es una gran cinta de ciencia ficción, que por cierto me encanta, pero no creo que haya tenido una influencia tan directa como comentas. Y Abyss de James Cameron, es la primera vez que alguien me dice que tiene alguna similitud (risas) Normalmente en las películas de invasiones extraterrestres, entra la política, el ejército, y hay mucha acción bélica etc etc. Pero lo que quería realmente mostrar, es la vida cotidiana de la gente de a pie.

MysC: Para cada persona las palabras significan cosas diferentes, trabajo, amor, odio etc etc, todo esto está muy bien reflejado en tu película. ¿Cómo hiciste para explicar tan bien este concepto, y por qué está el amor por encima de todo, incluso del "Yo"?

KK: Si nos paramos a pensar que es cada concepto, sería entrar en cosas muy profundas, por ejemplo, la gente mayor que sufre Alzheimer, olvidan muchos de estos conceptos pero siguen pareciendo felices, por eso no quería complicarle la vida a los actores con temas profundos, y les comenté que pensaran en esa gente mayor que olvida palabras y cosas importantes de su vida. Cuando hablamos de la palabra amor, podemos aplicarlo a los smartphones y ordenadores, sería el hardware y los demás conceptos de cada persona serían aplicaciones. Lo que quiero decir, es que sin el amor, el sistema no funciona.


Pregunta: En mucha de tus películas se habla del vacío existencial, y de la llegada de días oscuros. ¿Es como una especie de reflejo de la sociedad actual?

KK: En Kairo, es una invasión fantasma contra la sociedad, ese es el mayor concepto de la película, se parece a before we vanish porque son muy parecidos entre sí. Fue fácil hacer un film apocalíptico, ya que otros directores trabajaban en el mismo género. En la escena final de kairo un avión choca contra un edificio. La película se estrenó en 2001 justo cuando hubo los atentados del 11S en USA, y me di cuenta, que en la ficción es muy fácil hacer que este tipo de accidentes pasen, pero en la vida real es una mierda que ocurran. Pienso que en la ficción no debería hacer que pasen cosas malas, me di cuenta después de estrenar Kairo.

Sitges 2017: Entrevistando a Martin Koolhoven

Mike y sus chinos / Flan de Poster: Bienvenido al Festival. ¿Qué te parece el ambiente?

Martin Koolhoven: Es fantástico. He escuchado de diferentes personas que este festival era genial, así que siempre he querido venir. Pero tenía que hacer una película que fuera lo suficientemente fantástica. Aquí hay un montón de gente a la que le gustan las películas de género y yo soy un gran fan de las películas de género. Ayer estaba en la presentación y creo que fue la mejor presentación en la que he estado. Primero, técnicamente, la imagen era perfecta y el sonido era increíble, el mejor sonido que he escuchado, y luego el público fue fantástico, estaban entregados con la película. Así que estoy pasándolo en grande.

MysC / FdP: ¿Te quedaste toda la proyección?

MK: Sí y normalmente no lo hago. Lo que hago habitualmente es que me siento durante unos diez minutos y luego me marcho. Pero como la imagen, el sonido y la gente eran tan geniales me quedé toda la película.

MysC / FdP: ¿Esperabas esa reacción del público? ¿Te sorprendió?

MK: Pues no. La gente del festival me dijo que seguramente al público le gustaría la película y les respondí que cuando estuve en Toronto, el cual también es un festival fantástico, la gente aplaudía cuando le pegaban un tiro a alguien y les pregunté, ¿el público también hace lo mismo aquí? (Risas). Me gusta que los espectadores expresen que les gusta la película mientras se está proyectando.

MysC / FdP: La verdad es que nos encantó la película y por lo que habíamos visto era muy larga y nos dio un poco de miedo, pero no parpadeamos de principio a fin. ¿Queríamos saber de dónde surge la historia? ¿Es algún cuento o leyenda americano?

MK: No, es todo mío. Te puedo contar como llegó en término de ideas. Porque de cierta manera hay gente holandesa que se muda a USA y eso realmente paso. Pero la historia por si misma viene de mi imaginación. Hay dos puntos importantes, uno es que siempre he sido fan de los westerns y lo que me atrae de ellos es ese punto de libertad, de falta de ley y autoridad. Es como la idea de un niño, como cuando juegas con trenes, ese tipo de idea. Pero luego pensé que esta idea es desde un punto de vista muy masculino, porque por supuesto para las mujeres no era nada libre. Así que sentí que tenía que hacer algo desde esa perspectiva, sobre la falta de libertad que tenían las mujeres en la época. La otra cosa que pensé fue, como voy a explicar algo que tantas grandes películas ya han explicado. Tengo que hacerlo personal. Crecí como irlandés protestante, soy de Holanda, en el cual la Iglesia Calvinista ha tenido un gran impacto en nuestra sociedad. También pensé en cuando los italianos empezaron a hacer westerns. Lo que los hacía tan buenos es que el enfoque era muy italiano, a pesar que querían imitar el estilo americano, lo cual no sé si lo hicieron a propósito, pero se nota que son de Italia. Y si yo quería hacer un western no quería copiar nada de lo que estaba hecho, quería hacer algo muy holandés. He visto muchas películas sobre la historia de USA pero siempre desde el punto de vista de los estados del norte de Europa, la cual es una gran influencia en su sociedad. Pero pensé que era tiempo de contar la historia otros migrantes, y si combinas el punto de vista femenino con el ángulo religioso en mi mente, obtienes esta idea.

MysC / FdP: Sabiendo que querías contar la historia desde el punto de vista femenino, ¿porque puteas tanto a la protagonista?

MK: Hace tiempo leí a James Carlos Blake, novelista americano, que escribió un libro en el que hay una chica joven, la hermana de los dos protagonistas, que se escapa y piensas, ¿cuáles son sus opciones? O se casa con alguien o se convierte en prostituta. Y eso me impactó, porque nunca lo había pensado. Sentí que si iba a contar una historia sobre la dominación masculina, las opciones de las mujeres eran limitadas, tenía que ser extremadamente duro con ella, porque creo que es la verdad de lo que pasaba. Pero escribí un personaje que se niega a ser una víctima. Así que incluso en ese pequeño espacio que tiene, siempre luchará en contra, nunca aceptará que es una víctima. Cada capítulo básicamente acaba con ella huyendo. Y al final ella se enfrenta. Hay gente que se ha equivocado con las motivaciones del personaje, con mis motivaciones, y dicen que es una película misógina. Pero si quieres hablar sobre misoginia, entonces enseñas actos misóginos extremos si quieres ser realista, claro. Y la otra cosa es que, si realmente eres honesto, esto es algo que sigue pasando en el mundo hoy en día. Violencia religiosa contra las mujeres. ¿Debería haberlo adornado y hacerlo bonito? Claro que no. Podrías llamarlo misógino si lo hubiera hecho divertido de ver, pero la violencia de mi historia es incómoda de ver.

MysC / FdP: Queríamos preguntarte porque decides rodar la película por capítulos y en ese orden.

MK: Es algo que salió de manera natural, no es algo que pensara. Originalmente la historia era lineal y al final había flashbacks. Pero no podía controlar la cantidad de flashbacks, había demasiados, demasiado largos, y me di cuenta que el pasado era parte de la historia. Tenía que encontrar una estructura donde meter el pasado.

MysC / FdP: Entendemos que el personaje del reverendo, interpretado por Guy Pierce, es un diablo. ¿Es realmente un diablo o una metáfora?

MK: La verdad es que no soy muy dado a explicar los significados de la película porque creo que los espectadores deberían poder interpretar la película de la manera que quieran. Así que no quiero indagar demasiado en ello. Lo que sí quiero contar es que hay una gran diferencia con el personaje al principio y al final.
(Lo que nos sorprende es que es más inmortal que Michael Myers (de Halloween). De ahí la pregunta sobre si es el diablo).

MysC / FdP: ¿Qué tipo de trabajo tuvieron que hacer los actores, incluso físicamente, como tuviste que trabajar con ellos?

MK: La mayoría de actores hacen una investigación sobre el papel, todo esto que se habla mucho en USA sobre el método y como tienen que meterse en el papel es básicamente publicidad. Lo que Dakota me dijo fue que estaría loca si cada vez que tuviera un papel tuviera que meterse en él. También hay una idea equivocada que lo que es más difícil de ver es lo más difícil de rodar. Algunas de las escenas más duras de esta película son de Guy Pierce, por ejemplo cuando él está dando latigazos a su mujer, interpretada por Carice van Houten. Pues en algún momento del rodaje ambos se enamoraron y ahora tienen un bebé juntos. Así que no fui tan duro con ellos. O con Emilia Jones, que interpreta a Joanna, si le preguntas donde se lo pasó mejor te dirá que en la escena en la que la están arrastrando por el barro. Parece horrible, pero tiene protecciones para que no se lastime la espalda y va bien abrigada para que no pase frío. La ficción es así, no es real.

MysC / FdP: Es muy valiente por tu parte hablar de tantos temas tabús en una sola película.

MK: Tengo que decir que en Europa hemos tenido muy buenas críticas. En Holanda este tipo de temas ya nos los sabemos, pero en USA, incluso los críticos más mainstream, no la entienden, de ahí la historia de la misoginia.

MysC / FdP: ¿Tienes algún proyecto en el futuro?

MK: Pues sí. Estoy escribiendo un guión de cine negro donde la historia pasa en Indonesia y tiene que ver con el periodo cuando decidieron dejar de ser una colonia holandesa.

MysC / FdP: Ha sido un placer hablar contigo. Muchas gracias por tu tiempo.

Sitges 2017: A single rider (Korea del sur, 2017)

"No he sabido de sus vidas hasta ahora"

Directora: Zoo Young Lee
Guión: Zoo Young Lee
Reparto: Lee Byung-Hun, Kong Hyo-Jin, Ahn Sohee

La historia de A single rider empieza en Korea, donde Kang Jae-hoon, un magnate de los negocios, lo pierde absolutamente todo al haber un escándalo monetario en su empresa. A partir de ese suceso, emprenderá un viaje a Australia en busca de su mujer y su hijo, a los que no ve desde hace años, para intentar recuperar parte de su vida. Allí se encontrará con Ji-na, una chica koreana que le ayudará a encontrar a su familia y parte de su humanidad.

A single rider es una obra deliciosa, contada con mucho tacto, dulzura y claridad. La ópera prima de Zoo Young Lee como directora de un largometraje no ha podido ser mejor (podéis leer aquí la entrevista que le hicimos). Lo más importante de la película es el contraste entre los personajes. Como el paisaje y Chi-chi el perro, los cuales son 2 personajes más, te hacen ver las diferencias entre lo humano y lo etéreo, remarcando las cualidades y defectos de los humanos. Se nota que Zoo Young Lee ha dedicado tiempo al guión y a los personajes y teniendo un gran paisaje como es Australia le ha sabido sacar el máximo provecho al país. Redondea la película el hecho que los principales personajes sean grandes actores.

Lo mejor: La química y elegancia de Lee Byun Hun con el resto de personajes.

Lo peor: A pesar de ser un film dulce y claro, las lágrimas os caeran seguramente.

TRAILER

Sitges 2017: Entrevistando a Eric Valette

Eric Valette (director de Le Serpent Aux Mille Coupures) es un tipo interesante y un mejor director, que con su cinta de cine negro, nos hizo reflexionar sobre muchos temas. Gracias al Festival de Sitges tuvimos la oportunidad de entrevistarlo junto a nuestras compañeras del blog Flan de poster.

Mike y sus Chinos/Flan de poster: Hemos disfrutado mucho la película y nos gustaría saber que le ha parecido Sitges, ¿le ha gustado el festival?

Eric Valette: Es la primera vez que estoy en Sitges, personalmente estoy encantado de estar aquí. Este es el festival de género más importante de todo el mundo, de hecho, mi madre era española y yo soy nacido en Tolosa, pero hablo muy mal el español. El hecho de haber nacido en Tolosa provoca que tenga con vosotros una cierta familiaridad cultural, ya que Tolosa está muy cerca de aquí, me siento cercano y me gusta mucho de vuestro país la hospitalidad y la manera que tenéis de vivir y naturalmente, los embutidos.

MysC/FdP: Hemos encontrado muy interesante que tratases dos temas, uno quizá está muy de moda ahora mismo, como es el narcotráfico, pero el otro no tanto, la xenofobia. ¿Cómo es que has incluido estos dos temas juntos en la película y tan detallados?

EV: Mi película es una adaptación de una novela de un autor francés, son temas que ya aparecen en la novela, evidentemente yo los he integrado a mi manera y a mi estilo, pero ya constaban, si salen en la película es porque ya salían en la novela. Y después, hay un tema central en la película, que posiblemente a vosotros los catalanes os interesa especialmente, es el de la globalización y está presente por el hecho de que el sistema global del narcotráfico del mercado de la droga llega a un pequeño pueblo del sud-este francés. En la película hay más cosas a parte de la droga, se habla de la pauperización de la región que sale en la película, salen granjeros que son racistas, pero no es que sean racistas porque no les gustan los negros, por ejemplo, son racistas porque lo que no les gusta es que a alguien le vayan mejor las cosas que a ellos y resulta que ese alguien es negro. Hay un tema que es la pauperización generalizada en el campo en Francia, es un problema que tiene que ver con la actividad de grandes empresas farmacéuticas, como Montsanto y los transgénicos. Y todo en conjunto, se explica a través de un relato que es una especie de western moderno y que contiene elementos de cine de terror, thriller, cine negro. Yo lo que quería era aportar material para la reflexión.

MysC/FdP: No hemos leído el libro, pero la xenofobia nos sorprende mucho porque sabemos que los franceses que son muy abiertos a la cultura en general, ¿realmente el libro explica la xenofobia hacia negros, colombianos, madrileños, el asiático que es el asesino o es una elección que has hecho tú?

EV: La xenofobia presente en la película y en la novela va en diversas direcciones, no solo nos encontramos a los habitantes franceses que no les gustan los negros, sino también los narcotraficantes colombianos que no les gustan los italianos, va en ambos sentidos y esto es así porque en una situación muy tensa hace aflorar los instintos más primarios y la xenofobia es uno de ellos.

MysC/FdP:La elección de un actor asiático como el asesino, ¿es asiático en la novela también o es una elección tuya? Si es por elección propia, ¿hay alguna razón concreta?

EV: Efectivamente, en la novela también es asiático y también tiene los ojos azules como en la película, he respetado e intentado ser muy fiel a la novela. Es posible que en la novela este personaje fuera más mayor, pero la ventaja es que con los asiáticos cuesta a veces saber qué edad tienen realmente. Se trata sin duda de un personaje icónico, de un sádico, la verdad es que me lo he pasado muy bien trabajando este personaje que evoca personajes clásicos del western, como Desperado que huye de la justicia, el sheriff que está agotado, el asesino sádico, el granjero.
 
MysC/FdP:¡El asesino da mucho miedo!

EV: Pues sí, se trata de un personaje aterrador, pero al mismo tiempo tiene unas facciones, una cara y una sonrisa muy atractivos y dulces. Yo concibo el personaje como alguien que tiene cero empatía, que tiene un deseo inmenso de muerte, de matar y que el mismo avanza hacia la muerte, es una danza hacia la muerte.

MysC/FdP: Nos ha sorprendido una frase que hay en la película, supongo que es por la situación actual que hay aquí con la guardia civil. En la película dicen que llaman a la guardia civil y esta es rápida y eficaz, en ese momento el público se echó a reír. ¿Qué opinas respecto a ese fragmento y lo que está pasando actualmente aquí?

EV: Sin comentarios, no he encontrado a nadie que corrobore ese hecho (risas).

MysC/FdP: Según la película los franceses tienen en buena consideración a la policía española, ¿pero qué opinión tiene realmente el pueblo francés de la policía española?

EV: A menudo el cine francés como las películas de Oliver Marsal, por ejemplo, la figura del policía se presenta como un personaje oscuro, alcohólico, etc., yo pensaba que en mi película ya había suficiente oscuridad y tenía ganas de mostrar a los policías como unos personajes que se sentían impotentes, que no llegan a entender lo que está pasando. Respecto al personaje principal que es quien desencadena la violencia, no se explica de qué nacionalidad es, pero se supone que es musulmán, que en teoría ha atentado en algún lugar de Francia.

MysC/FdP: Nos gustaría saber, ¿cómo llegas a este contraste entre la violencia de un ataque terrorista y la poca violencia que hay con la familia que secuestra en la casa?

EV: En esta película con este personaje pasa como en las películas de Sergio Leone, el hombre sin nombre que no se sabe de dónde viene ni a donde va, de hecho, hay un conjunto de detalles en la película que indican que quizás este personaje principal no es ni terrorista, ni musulmán, no se sabe. No sé si un fragmento en concreto se ha reflejado bien en los subtítulos en catalán, en los subtítulos en inglés sí sé que se ha reflejado, es la escena en la que el coronel está en el suelo y él se marcha y le dice, ‘me sabe mal, pero coronel me tengo que ir’, es como la despedida de un militar a otro, esto puede hacer intuir que él podría ser un infiltrado que ha sido traicionado por los servicios del estado. En Francia y otros estados, probablemente también en España, sufrimos el mal de la certeza de que, si un grupo particular de las fuerzas de seguridad mata a un sujeto, solo hace falta decir que se trata de un terrorista.
A mí me encanta cuando hago películas plantear preguntas y no responderlas, me gusta que la película sea una invitación a la reflexión, me gusta mostrar la complejidad de la realidad sin personajes planos, sin personajes maniqueos, con personajes con muchos grises y matices y que se ven superados por las circunstancias de los hechos.

MysC/FdP: ¿Cuáles son tus futuros proyectos?

EV: Uno de mis proyectos es una serie de televisión en la línea de Clyde Parker, una comedia negra sobre la lucha de clases y un thriller burgués al estilo de Claude Chabrol. Me gusta mucho cambiar de estilo y es positivo tener pensado diversos proyectos porque son pocos los que finalmente acabas haciendo.

MysC/FdP: Muchas gracias, esperamos poder verla pronto

EV: Un placer

Sitges 2017: Battleship Island (Corea del Sur, 2017)

"No dejaremos a nadie atrás"

Director: Ryoo Seung-wan
Guión: Ryoo Seung-wan, Shin Kyoung-ill 
Reparto: Hwang Jung-min, Kim Soo-an, Song Joong-ki, So Ji-seob, Lee Jung-hyun 



Durante la ocupación japonesa de Corea, centenares de personas fueron esclavizadas y enviadas a la isla minera de Hashima. Lee Kang Ok (Hwang Jung-min) es un director de orquesta que decide viajar a Japón con su hija para buscar un futuro mejor, pero los separan nada más llegar. Choi Sil Sung (So Ji-seob) es un antiguo luchador confinado en la isla como esclavo. Park Moo Young (Song Joong-ki) es miembro del grupo independentista coreano que decide infiltrarse para poder rescatar a su compañero.
Todos ellos decidirán urdir un plan de escape para poder liberarse de esa prisión que es la isla. 

Ryoo Seung-wan (VETERAN, CITY OF VIOLENCE...) nos deleita con esta gran película histórica. Centrando la atención en las historias de los tres protagonistas, el director nos cuenta la cruda y dura realidad que vivieron los coreanos confinados en la isla de Hashima. Si bien cabe destacar que tiene un tono patriótico, el film es épico y lo disfrutas de principio a fin. 
El largometraje se compone de dos partes diferenciadas, la primera es la introducción de los personajes y del lugar en sí para que vayamos adentrándonos en el horror que sufren los esclavos de la isla. La segunda es la parte más bélica, donde estos esclavos intentarán escapar de la isla y donde el patriotismo coreano se hace mayor. 

La fotografía de la película es impecable. Se muestra un claro contraste entre la zona donde viven los esclavos, una zona sucia, gris, oscura, triste... y la zona donde habitan los japoneses (evidentemente los malos malísimos). Además juega con el blanco y negro cuando los esclavos bajan a la mina para poder mostrar mejor el horror que vivían constantemente. Todo ello hace que te adentres en la historia y te ayuda a comprender mejor ese momento histórico. 

En definitiva, BATTLESHIP ISLAND es una película histórica llena de épica. Durante el visionado sufres con los protagonistas y acabas agarrándote al asiento viendo cómo intentan escapar de ese sufrimiento y lo que llegan a hacer para poder ser libres. Si eres de los que les gusta las películas históricas con un toque bélico la disfrutarás de principio a fin. 

Lo mejor: Las actuaciones de los tres protagonistas, ya que hacen que te adentres en la historia y acabas sufriendo con ellos. 

Lo peor: Si no te gustan este tipo de películas sufrirás innecesariamente. 

TRAILER

Sitges 2017: The Brink (Hong Kong,2017)

" Todavía no lo entiendo, el oro acabara contigo"

Director: Jonathan Li
Guión: Lee chun-FAi
Reparto: Zhang Jin, Sawn Yue, Janice Man, Gordon Lam, Dereck Tsang

Tung (Zhang Jin) es un detective atormentado por un error del pasado. Arrestó y mató a un delincuente con tan mala suerte, que su compañero policía resultó herido de muerte. Años después, nuestro protagonista encontrará la redención cuando decide ir a por el contrabandista Shing (Shawn Yue). Aquí comenzará una persecución sin tregua, donde los altos capos de ambos bandos intentarán meter las manos en el asunto.

The Brink es un producto de acción excelente, recuerda a cintas de la vieja escuela hongkonesa, donde el montaje era rápido y fresco, dando prioridad a brutales coreografías marciales. Visualmente el film es sucio, pero con una fotografía impecable, sus tonos eléctricos le dan frescura a los variados escenarios por donde nuestros protagonistas intentarán darse caza. El guión es simple pero directo, entreteniéndose lo justo en los dramas personales de los personajes, lo necesario para entender sus motivaciones. 

El dúo protagonista está genial, tanto Zhang Jin como Shawn Yue se esfuerzan al máximo en sus papeles del bueno y el villano, haciéndolos bastante creíbles. Zhang Jin brilla sobretodo en el tema marcial, ¡una maravilla!

Las brutales coreografías están dirigidas por Nicky Li, antiguo fundador y durante mucho tiempo también miembro del "Jackie Chan stunman association", y que desde hace algunos años acompaña a Dennis Law en todos sus proyectos. La acción marcial es rápida, violenta y variada, aprovechando cada diferente escenario de la mejor manera posible, dotando a la cinta de un dinamismo brutal.

La banda sonora es genial, compuesta por Chung chi-wing y Ben Cheung siu-hung (PTU, Dog bite dog), las guitarras eléctricas dan fuerza y acompañan de maravilla a The Brink.
En definitiva, amantes de la buena acción, no os perdáis esta estupenda cinta que nos llega desde Hong Kong.

Lo mejor: Las coreografías y las escenas de acción. La banda sonora es excelente. La escena del barco durante el tifón, sublime aunque imposible, ¡nos encanta!

Lo peor: Alguna peluca molona por ahí suelta. Que te esperes un guión profundo y revelador.

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Sitges 2017: Entrevista a Lee Zoo young

 

Mike y sus chinos: Bienvenida, ¿Qué te parece el festival de Sitges?

Lee Zoo young: La verdad es que es la primera vez que vengo a un festival con un largometraje, pero el ambiente es muy amigable y reconfortante, de hecho, esta mañana llamé a Lee Byung hun para comentarle exactamente esto (risas). Me gustaría volver en un futuro y presentar otra película, ya que estoy muy contenta de estar aquí.

MysC: Vemos que el guión es tuyo, ¿Cuándo y cómo decides hacer este proyecto?

LzY: Yo había trabajado en publicidad durante muchos años, hasta que un día tuve problemas en el trabajo y decidí empezar a estudiar cine, me saqué un master mientras escribía guiones. Realmente ese cambio de vida me daba mucho miedo, por eso el protagonista de A single Raider ve las cosas que pasan a su alrededor desde otra perspectiva, me identifico bastante con el personaje que interpreta Lee Byung hun. En parte también es una cinta muy especial ya que es mi debut en un largometraje.

MysC: A single raider transmite mucha paz, tanto por como está rodada, o por su estupenda fotografía ¿Realmente querías que el espectador sintiera esa paz?

LzY: De hecho, yo quería mostrar el contraste del paisaje de Australia con el de Seúl. España se parece más a Australia, el cielo es azul, hace calor... pero en Seúl, el aire es muy sucio, y el cielo no se ve claro, por eso quería reflejar una especie de paraíso a diferencia de la dura vida de la ciudad.

MysC: Nos ha gustado mucho el personaje de Lee Byung Hun, un alma que viaja observando lo que le pasa a su alrededor, realmente hace que el espectador viaje con él. ¿Querías dar esa sensación al público? ¿Que fuéramos un especie de compañeros de viaje del protagonista?

LzY: La esencia de la película es verte a ti mismo a través de tu familia. Normalmente en otras producciones hay mucha acción o pasan muchas cosas, pero en A single raider no, solamente quería mostrar la visión del protagonista, lo que realmente le importa.

MysC: ¿Por eso nos da la sensación de estar a su lado en todo momento?

LzY: Cierto, muchas gracias por entender la esencia de la película (risas).

MysC: La verdad es que nos hemos emocionado bastante, incluso había compañeras que han llorado (risas), realmente es una historia bastante profunda y bonita.

LzY: Soy una persona que no me gusta buscar el melodrama fácil, hacer que los espectadores lloren con mis películas, pero sorprendentemente, casi todos los "cuarentones" en mi país que acudieron al cine lloraron (risas). Eso me hace muy feliz, ya que quise contar la historia de forma natural, sin forzar el drama, pero entiendo que el trasfondo sea duro. Muchas gracias.

MysC: ¿Nos podrías hablar un poco sobre el personaje de Lee Byung hun? Nos ha encantado su actuación, muy elegante y natural.

LzY: Yo creo que la elegancia que trasmite Lee es propia de su manera de actuar, por ejemplo, la escena en la que entra por primera vez en su casa de Australia con esos movimientos tan precisos, lentamente que casi parece que flote. Él es un actor que no necesita demasiado para transmitir elegancia, por eso lo elegí, al haber trabajado en publicidad me fijo mucho en esos pequeños detalles.
Nuestro protagonista realmente es un perdedor con éxito, tiene dinero y fama pero ha perdido a su familia por trabajo, automáticamente me vino a la mente la muerte, donde todos esos valores se pierden también. Realmente esto puede ocurrirnos a cualquiera, quería que el espectador se viera un poco reflejado en el personaje principal, ya que es un hombre de clase media que vive en Seúl. Sobre todo en Korea, se da mucha importancia a todo lo material, se podría decir que se buscan valores superficiales, pero en el final no sirven de nada.

MysC: Háblanos de los otros personajes, la chica adolescente y el perrito "ChiChi".


LzY: No sé si aquí ocurre lo mismo, pero en Korea es muy habitual el "Working Holiday", jóvenes koreanos que viajan, sobre todo a Australia, a trabajar en sus vacaciones, el personaje de la chica está basada en una historia real que le ocurrió a una amiga mía.
Con el personaje de Chi chi, quería introducir una perspectiva más íntima pero que no fuera humana, de hecho me gustan mucho los animales, pero cuando volví de rodar, mi perrito había fallecido, suerte que iba preparada mentalmente y no fue demasiado duro. La principal imagen que tenía de la película era un hombre trajeado caminando con un perrito a su lado. En Korea se dice que los perros pueden ver las almas.

MysC: Explícanos un poco la experiencia de trabajar con estos actores.

LzY: Gran parte del rodaje fue en Australia, el problema real fue el presupuesto y el tiempo que teníamos. Los actores querían profundizar más en sus personajes, intentar cosas nuevas, pero por falta de tiempo era imposible. Yo realmente quería explicar más cosas de los protagonistas, pero creo que al final igualmente ha quedado un buen resultado, ya que todos ellos son grandes profesionales y tenía que confiar en ellos.

MysC: ¿Cómo ha sido la experiencia de rodar en Australia?

LzY: Al trabajar en publicidad durante mucho tiempo, ya había estado en Sidney más de treinta veces y creía que sería fácil rodar allí, pero me equivocaba, las condiciones de rodar publicidad són unas y las del cine otras. Realmente rodar fuera de mi país es muy complicado, hay muchos imprevistos y el entorno es bastante extraño para todo el mundo. Creo que no volveré en mi vida a Australia (risas).

MysC: ¿Tienes algún proyecto nuevo en mente?

LzY: Todavía no lo tengo claro, tengo varias opciones, pero me gustaría hacer algo muy diferente a A single Raider. Tengo muchas cosas dentro que necesito sacar (risas).

MysC: Muchas gracias y enhorabuena por tu película.

LzY: Gracias a vosotros por entrevistarme

Sitges 2017: Love of the cuff (2017 Hong Kong)

"Jimmy es un idiota pero es más cool que Huang Xiaoming"

Director: Pang Ho Cheung
Guión: Luk Yee-sum, Pang Ho Cheung
Reparto: Shawn Yue, Miriam Yeung, Xiaochen Wang, Paul Chun, Derek Tsang, Susan Yam-Yam Shaw

Tercera parte de la saga "Love" de Pang Ho Cheung donde recuperamos a la inolvidable pareja Cherie y Jimmy. En esta entrega los enamorados tendrán que enfrentarse a lo cotidiano, a la rutina, a la confianza y al paso del tiempo. ¿Serán capaces Jimmy y Cherie de superar sus miedos?

Pang Ho Cheung nos regala una ¿última? película de la saga "Love" (Love in a puff 2010, Love in the buff 2012). Y digo nos regala porque en esta entrega parecía que los personajes de Cherie y Jimmy no podían ofrecernos mucho más después de las dos primeras maravillosas películas, pero aquí la tenemos y nos ha encantado. En esta tercera parte, (SPOILERS) después de conocerse, enamorarse, separarse, estar con otras personas y volver a estar juntos durante dos films (FIN SPOILERS), llega el estancamiento, la rutina, el miedo al compromiso y los cánones sociales establecidos. Llegan las preguntas de la madurez "parejil", el "nos casamos", el "tenemos niños", el "nos compramos un piso", preguntas que toda pareja se hace cuando la fase de fascinación y lujuria se relaja un poco y necesitas saber hacia donde se dirige la relación. 

Como ya hizo con las otras dos entregas, Pang Ho Cheung resuelve de manera amena, divertida y coloquial todas las incógnitas que residen en una pareja estable. Una de las claves del triunfo estelar de la trilogía del amor está en la sencillez de sus personajes, no porque ellos sean simples, sino porque son reales. Estamos acostumbrados a romcoms donde los personajes son extremadamente irreales (lo cual no es bueno ni malo cuando hablamos de cine), pero el hecho que en Love of the cuff sean más costumbristas acerca al espectador a sentirse identificado con ellos. Como ya habíamos hablado en la reseña de Love in a puff, la química entre Shawn Yue y Miriam Cheung es especial y hace que sea muy natural verlos en pantalla juntos (sin duda un gran acierto desde la primera entrega). Finalmente un elenco de secundarios de primera rodeando a la pareja hacen una delicia la visualización de la película.

Y como siempre, Pang Ho Cheung, nos mal acostumbra a una gran dirección y fotografía. Aunque no cuente con el mismo director de fotografía que en las dos ediciones anteriores, Patrik Chou (When a wolf falls in love with a sheep) nos ofrece una imagen cuidada y desgarradora a partes iguales, sin duda influenciada por el cine de Taiwan.

Lo mejor: La naturalidad de lo que estás viendo en pantalla.

Lo peor: Haberte perdido las dos películas anteriores y perderte todos los guiños.

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Sitges 2017: Happy Death Day (EE.UU, 2017)

"Vive cada muerte como si fuera la última"

Director: Christopher Landon 
Guión: Christopher Landon, Scott Lobdell
Reparto: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Rachel Matthews, Charles Aitken. 

La joven universitaria Tree (Jessica Rothe) se despierta el día de su cumpleaños en casa de un desconocido (Israel Broussard), después de haber pasado una noche loca. Durante ese día intenta disfrutar de su cumpleaños y del momento, pero no todo será tan facil. Tree se queda atrapada en un círculo vicioso donde revive, una y otra vez, el día de su muerte. Para poder romper ese bucle temporal tendrá que buscar a su asesino antes de que él la encuentre a ella primero. 

Happy Death Day es un slasher fresco, divertido y potente. Christopher Landon nos deleita con este film al más puro estilo Atrapado en el tiempo pero con una vuelta de tuerca donde, no sólo tiene que revivir una y otra vez el mismo día, sino que también debe morir constantemente. Pese a que las muertes no son del todo ingeniosas, el largometraje entretiene de principio a fin y hace que el espectador disfrute cada uno de los minutos del film. 

       

La actuación de Jessica Rothe es cautivadora, tiene un aura especial que nos demuestra que no es solo la "típica rubia americana". Además, el tándem que hace con Israel Broussard crea una cohesión entre ambos que nos encantó. Esperemos poder ver a estos dos actores pronto en nuevos proyectos. 

Sin duda,  Happy Death Day es una de las películas más festivaleras que pudimos ver este año en el Festival de Cinema Fantàstic de Sitges. 

Lo mejor: Una película fresca y divertida con la que entretenerse y pasárselo bien. 

Lo peor: No esperes un slasher que te sorprenda y te muestre muertes nunca vistas. 

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Sitges 2017: Entrevistando a Ryoo Seung-wan

Entrevista a Ryoo Seung-wan

Mike y sus Chinos: Bienvenido al festival de Sitges, antes de nada decirte que es un honor para nuestro blog poder hacerte la entrevista, ya que eres uno de nuestros directores favoritos.

Ryoo Seung-wan: ¿De verdad?, es un placer para mí también.

MysC: Normalmente casi todas tus películas las traes a Sitges, ¿Qué te parece el festival tanto de público como de organización?

RsW: Sitges para mí, es uno de los mejores festivales de cine del mundo, el cual me encanta, por eso siempre que vengo estoy emocionado y nervioso, sobre todo cuando presento película nueva.

MysC: ¿Cómo llega un proyecto tan ambicioso a tus manos, tanto en historia como en presupuesto? ¿Y por qué decidiste hacerlo?

RsW: El punto de partida es una fotografía de una isla de Japón que encontró mi productor en google maps, a partir de esta imagen empecé a investigar sobre la historia del lugar. Al descubrir todo lo que había pasado en la isla, me avergoncé al no conocer esa dura etapa de mi país, y poco a poco me interesé más por el tema, hasta que decidí plasmarlo todo en pantalla. Pero para conseguir tirar adelante este proyecto, y a medida que me informaba más sobre el lugar, me dí cuenta que sería un camino muy duro, pero quería conseguirlo sí o sí.

 
MysC: ¿Como fué la experiencia en el rodaje? Tanto con actores como en localización.

RsW: El proceso para rodar este film fue muy duro, llegando a ser un reto para mi equipo, e incluso para el cine Koreano en general, porque la gente en el set decía que había muchas cosas imposibles de conseguir, pero día a día nos superábamos, y creo, que al final ha sido un éxito. Piensa que para nosotros, ir al rodaje era como ir a la guerra (risas). No podría expresar con palabras todas las experiencias vividas durante el rodaje, pero creo que todo está reflejado en la película, además, me cuesta mucho expresar lo que siento, quizás por eso soy director de cine (risas).

MysC: ¿Nos podrías explicar alguna anécdota a destacar del rodaje?

RsW: No sé si recuerdas la escena del barco, cuando transportan a los coreanos hacia Japón, en la cual hay mucha niebla. Lo sorprendente es, que no la creamos con CGI, es real. Tanto los actores como el equipo de rodaje quedamos atrapados en esa zona pero, al preguntarle al capitán del barco, nos dijo que no era normal tanta niebla en ese lugar y pensé que, tal vez, fue la naturaleza que nos ayudó a crear ese ambiente perfecto que necesitaba en esa escena. Creo que esta anécdota es bastante especial, además, estábamos en el mar del este de Korea, tocando a Japón, y algunos habitantes de allí, nos comentaron que podrían ser las almas de los muertos que salieron en forma de niebla. Automáticamente me sentí muy extraño (risas).

MysC: Viendo tu filmografía, nos damos cuenta que es muy variada ¿Cúal es tu género favorito? ¿O te decantas más por las historias en general?

RsW: Últimamente para mí, lo más importante no es ni la historia ni el género sino los personajes, porque sin ellos no hay historia ni géneros, son lo más importante en una película.

MysC: ¿Tienes algún proyecto futuro?

RsW: Estoy bastante cansado después de rodar Battleship island, ha sido un reto muy duro y necesito descansar, pero si no hay cambios, voy hacer una película en Rusia sobre espías.

MysC: Algo parecido a Berlin File ¿no?

RsW: Sí, seguramente lo sea.

MysC: Nos gustaría preguntarte por curiosidad sobre City of Violence, una de nuestras películas favoritas.
¿Cómo se te ocurrió la locura de dirigir y protagonizar un film de acción, casi sin usar dobles para tus escenas?

RsW: Cierto, en mi debut, dirigí y protagonicé la película. City of violence es una cinta de acción pura y pensé que podría hacer las escenas ya que desde pequeño practico artes marciales, pero la verdad es que fue muy duro, porque tenía más de treinta años y me lesioné bastante (risas).

MysC: Y ya para terminar, ¿Cómo es trabajar con tu hermano Ryoo seung Beom y con el genial Jung Doo-hong?

RsW: Creo que para el público occidental es más divertido Jung Doo-hong que mi hermano, ya que no es un actor profesional, recuerdo que cuando rodábamos City of violence, su actuación no era nada natural y nos reíamos mucho, parando cada dos por tres el rodaje, incluso tenía que pellizcarse para ponerse serio (risas). Rodar City of violence fue una experiencia muy divertida, recordarlo me traslada a una época de inocencia, ya que estábamos haciendo un producto amateur y disfrutamos mucho.

MysC: Muchas gracias por tu tiempo, ha sido un placer y esperamos que tus siguientes películas sigan teniendo esa energía que las caracteriza.

RsW: Gracias (Lo dijo en castellano XD)

Sitges 2017: El secreto de Marrowbone (España, 2017)

"Nada, nadie, nunca, nos separará"
 
Director: Sergio G. Sánchez
Guiòn: Sergio G. Sánchez
Reparto: George Mackay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Mia Goth, Matthew Stagg

 
 Una madre, huyendo de su abusador marido, vuelve con sus cuatro hijos a la casa donde se crió. Al cabo de un tiempo, cae enferma y, antes de fallecer, hace prometer a su primogénito que velará por que nadie separe a los hermanos hasta que él sea mayor de edad y pueda asumir la custodia del resto. Tras su muerte, los niños ocultan su cadáver y viven aislados, intentando pasar desapercibidos para el resto de la sociedad, hasta que en la vieja casa empiezan a suceder cosas muy extrañas.
 

Así empieza El secreto de Marrowbone, ópera prima como director de Sergio G. Sánchez, quien también es guionista de la cinta. A pesar de contar con todos los ingredientes para ser la típica película de casas encantadas, El secreto de Marrowbone es más bien un drama familiar con sustos puntuales que entretiene y seduce gracias, sobre todo, a unos personajes elaborados y llenos de matices con quienes el espectador no podrá evitar empatizar y compartir ira, frustración y amor fraternal. Además, se verá envuelto en una atmósfera etérea que solo la colaboración entre G. Sánchez y Bayona, productor de la obra, es capaz de conseguir y que, en ocasiones, resulta más que angustiosa debido a la constante “presencia” del padre ausente y de un abogado cuyos celos le empujan a querer descubrir el secreto
familiar.
 

Lo mejor: El encuadre de las escenas clave, en especial de aquellas que implican
espejos.

Lo peor: Algunos pueden considerar que tiene demasiadas similitudes con El
Orfanato.

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Sitges 2017: Entrevistando a Jung Byun-Gil

Nos reunimos con las amigas de Flan de Poster para hacerle una entrevista a Jung Byun-Gil, director de The Villainess. Jung Byun-Gil ya nos sorprendió con Confession of Murder y estábamos impacientes por poder conocerlo y hacerle unas preguntas sobre The Villainess. Esperamos que las disfrutéis igual que hicimos nosotros.

Mike y sus chinos / Flan de poster: ¿Qué tal el festival, que te parece la reacción de la gente?
 
Jung Byun-Gil: El festival de Sitges es uno de los festivales a los que siempre he querido venir, además este año hay dos de mis películas en las proyecciones por lo tanto estoy contentísimo. La ciudad de Barcelona me gusta mucho y soy fan del futbol, aunque es una pena que no haya ningún partido durante mi estancia.
 
MysC / FdP: ¿Nos ha gustado mucho The Villainess, queremos preguntarte cómo surge la historia y porque has escogido hacer la historia con una mujer?
 
JB-G: De pequeño, a los 10 años, vi Nikita de Luc Besson y me impactó muchísimo. Esta película, The Villainess, podríamos decir que es una reinterpretación de Nikita. Gracias a esta película pude ser invitado a Cannes, lo que me abrió muchísimas puertas en otros países del mercado.
 
MysC / FdP: En Confession of Murder, que es su anterior película, vimos el punto de vista del policía que persigue al asesino y en The Villainess es desde el punto de vista de la asesina. Sabemos que te gusta Nikita, pero porque no empezar por The Villainess en lugar de por Confession of Murder?
 
JB-G: No sé qué decir, en realidad son películas diferentes, lo que es cierto es que en Confession of Murder comienza desde el pasado, en cambio en The Villainess comienza desde el presente. No sé si os sirve como respuesta.
 
MysC / FdP: Hemos visto que la acción es intrépida y con las cámaras hay planos secuencia imposibles. ¿Nos puedes explicar cómo ha sido? ¿Los retos que has tenido que superar para hacer estos planos y la acción grabada para la película?
 
JB-G: Me gustan los retos, además antes de entrar al rodaje no me parecía difícil y luego, como ya he dicho, me gusta mucho el futbol, antes de hacer estas escenas de acción imaginé algo así como una pelota con una cámara encima o en la parte frontal y como vería el público el partido si lo grabáramos desde esa perspectiva. Me parece que la escena de acción más importante de esta película es la de las motos, en el resto de escenas alguien que se dedica a esto de manera profesional sabría cómo las hemos rodado, pero justamente la escena de las motos hasta los profesionales me preguntan como la hemos rodado.
 
MysC / FdP: ¿¡Justo en la escena de las motos cuando pasa la cámara por debajo de la moto, querríamos saber cómo ha hecho ese plano!?
 
JB-G: (Nos enseña con imágenes del plano explicándonos que el cámara tuvo que pasar el brazo por debajo de la moto para tomar esos planos) No fue un cámara cualquiera sino un especialista por lo que pudiera pasar, no era peligroso, bueno a lo mejor un poco sí. Aunque no lo parezca la velocidad de las motos era bastante lenta, pero gracias al ángulo de la cámara engaña.
 
MysC / FdP: ¿A parte de la preparación de su equipo de cámaras y realización, cómo fue la preparación de la propia actriz en ese tipo de escenas?
 
JB-G: No se preparó nada (risas), es broma. Fue a una escuela de artes marciales durante tres meses.
 
MysC / FdP: ¿Por curiosidad cuantas veces se tuviste que rodar la escena de plano secuencia en primera persona?
 
JB-G: No lo recuerdo, pero no fue solo una toma, tuvimos que rodar durante cuatro días para completar esta escena, quien actuó en realidad fue un doble no ella. Esa escena en realidad era más larga, unos 40 segundos más, pero la recorté, la escena de la pistola era más larga.
 
MysC / FdP: ¿Hay escenas con ese estilo de pelota de futbol, a la que te refería anteriormente, y luego hay escenas donde la cámara es muy fija, clásica, es por algún motivo?
 
JB-G: Si todas las escenas fueran frenéticas, no sería divertido, si hay luz tiene que haber sombra, para que algo destaque tiene que haber un opuesto, es cuestión de tempo.
 
MysC / FdP: ¿Cuáles son sus futuros proyectos?
 
JB-G: Aún no he decidido nada todavía, estoy barajando varias opciones, podría ser una película coreana o de Estados Unidos, podría ser una serie o una película de Netflix. Si escogiera hacer una película americana sería una versión de The Villainess y si fuese una película coreana sería de ciencia-ficción.
 
Nos despedimos todos y le agradecemos poder hacerle la entrevista, no sin antes hacernos una foto con Jung Byun-Gil (la cual se ha perdido en un momento torpe con el móbil).

Sitges 2017: Strangled (Hungría, 2016)

 "En este pueblo no hay asesinos en serie, ¿está claro?"


Director: Árpárd Sopsits
Guión: Árpárd Sopsits
Reparto: Károly Hajduk, Gábor Jászberényi, Zsolt Anger


Strangled, de Árpád Sopsits, es un asfixiante thriller basado en hechos reales que nos sitúa en la Hungría de los años 60, donde la corrupción política y policial estaban a la orden del día. En el pequeño pueblo industrial de Martfü, un violador y asesino en serie siembra el pánico entre las mujeres. Ante la presión social y de sus superiores, el fiscal encarcela al presunto culpable y da por zanjado el asunto hasta que, unos años después, aparecen nuevas víctimas, lo que le lleva a cuestionar su decisión y a la reapertura del caso. 

Ambiciosa y humilde a la vez, Strangled convence, sobre todo por su ambientación, por su fotografía desoladora, que pone de manifiesto lo duro de la situación, y por su banda sonora en la que, paradójicamente, lo que más destaca son los silencios, intensos, densos, que dan al espectador la oportunidad de “masticar” la tensión y la rabia por la injusticia de lo que ve. Cruda y directa, Strangled muestra sin tapujos escenas de violación y necrofilia, y es como una bofetada que demuestra que, en determinados países, épocas y circunstancias, la vida no deja lugar a los finales (aparentemente) felices.

Lo mejor: El lineal ritmo de la historia engancha desde el principio y ayuda a mantener el interés hasta el último segundo. Los filtros y la fotografía.
 
Lo peor: Hay momentos en los que puede resultar desagradable, en especial para aquel público acostumbrado al edulcorado cine comercial.

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