Sitges 2020: Entrevistando a Mathieu Turi, Director de Meandre

Mathieu Turi es un director francés que ya nos sorprendió en 2017 con Hostile, una interesantísima producción de ciencia ficción apadrinada por Xavier Gens y que como en ésta, explora las emociones humanas. Después de disfrutar de la magnífica Meandre, hemos tenido oportunidad de hablar con él.

Mathieu Turi, Director de MEANDRE

Mike y sus Chinos: En primer lugar, felicidades por tu fantástica película. Meandre ha sido una brisa de aire fresco (aunque claustrofóbico) en el género de ciencia ficción. Nuestra impresión es que va a ser una de las mejores cintas de ciencia ficción de este año, y será una producción difícil de superar.

Mathieu Turi: ¡Muchas gracias! :)

MysC: Han pasado 3 años desde el estreno de Hostile. ¿Cómo ha sido la escritura y producción de tu nueva película, Meandre?

MT: En realidad, escribí el guion de MEANDRE durante el desarrollo de HOSTILE, y justo después del rodaje, mis productores querían rodarla, así que fue un poco rápido, aunque la palabra "rápido" en este negocio puede significar un año o dos... Así que, en 2019, estábamos listos para filmar y lo hicimos de noviembre de 2019 a enero de 2020, durante 32 días, en un estudio francés cerca de París.

Mathieu Turi, Director de MEANDREítulo

MysC: La película casi comienza con Lisa dentro del tubo, un laberinto lleno de trampas donde debe aprender algo que aún no sabe. ¿Cómo empiezas a escribir esta historia? Parece como algo que has experimentado, metafóricamente hablando.

MT: Yo diría que proviene de diferentes fuentes, pero siempre trato de ponerme dentro, así que hay algo al mismo tiempo personal pero también universal que es la idea de la claustrofobia. No soy claustrofóbico en absoluto, pero recuerdo que, cuando era un niño pequeño, solía ir debajo de nuestra casa, donde tenía que acostarme boca abajo para moverme, y era una sensación espeluznante. Además, en ALIENS de James Cameron, está esa escena en la que Bishop necesita moverse en un tubo estrecho, para ir de un edificio a otro, y yo estaba aterrorizado, esperando que un alien aparecería... pero no pasa nada en la escena, y yo estaba aún más aterrorizado :). Y más en serio, la película trata sobre la pérdida, el luto y el dolor, pero también la esperanza y la determinación que necesitamos para vivir en este mundo, así que supongo que todo el mundo puede poner algo personal en él.

MysC: Continuando con el guion, cuando terminamos la película había muchas teorías sobre lo que le ha pasado a Lisa. La mayoría de la gente estuvo de acuerdo en que era una especie de purgatorio, algo religioso. Nuestra opinión es un poco diferente ya que vemos rastros del budismo en él (el monstruo, el sufrimiento, aprender a aceptar cosas en la vida, el amor, el perdón, y finalmente la ascensión, casi literalmente, a la iluminación). ¿Qué pretendías explicar?

MT: Esta es una pregunta muy interesante, ya que mi idea desde el principio era poner esa religión o /y vibraciones filosóficas alrededor de la historia. No es un truco, está en su núcleo. No voy a spoilear la película, pero realmente quería poner a Lisa en una posición donde ella tenía que pasar por todo el proceso: muerte, amor, perdón, paz, etc... Y para eso, ella necesita luchar física Y emocionalmente. Por lo tanto, esto es realmente importante para mí. También quería mezclar la idea de la ciencia ficción y la religión, y el concepto de fe en general.

Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: A continuación, queremos hablar de la dirección. ¿Qué tan difícil ha sido planear en avanzado, junto con el director de fotografía, todas las secuencias del viaje que hace Lisa? ¿Cómo afectó esto también al departamento de arte?

MT: Fue el reto desde el principio: rodar una película en un espacio muy estrecho, sin olvidar ser significativo en los movimientos de la cámara, las tomas y el ritmo. Así que, como siempre hago, muy temprano en el proceso, dibujo cada toma. CADA toma de la película, así que tengo una idea muy clara de lo que quiero y lo que necesito. Y después de eso, mi Director de Foto y yo, Alain Duplantier, trabajamos en la parte del "¿cómo diablos lograremos eso?". Aquí es donde las ideas van y vienen, y donde el proceso creativo está en su mejor momento, porque todo el mundo trata de encontrar nuevas ideas, mejores conceptos o a veces iluminación en una escena que se convierte en algo nuevo. Trabajamos mucho con nuestro diseñador de producción Thierry Jaulin en los decorados, y fue muy MUY complicado. La razón principal es que no podríamos tener sólo un tubo muy largo, porque habría sido imposible filmar en él. Así que tuvimos que imaginar varias piezas, una para cada trampa, con todos los mecanismos y algunos paneles móviles para filmar a través, y algunas otras porciones largas para todos los momentos "tranquilos" cuando ella simplemente se arrastra. E incluso para eso, tuvimos que crear algunas plataformas locas, como una pequeña jaula sobre ruedas que se ajusta perfectamente al tubo y podía moverse hacia arriba, hacia abajo y hacia adelante. ¡Fue algo experimental!

MysC: Es muy interesante cómo las luces y la monotonía de color, contrastan con las alertas en el brazalete de Lisa y los colores de las pruebas. ¿Cómo te imaginaste todas las escenas? ¿Por qué estos colores?

MT: La idea que tuvimos con Alain, el Director de Foto, era ser muy experimental con los colores. Primero, tuvo la loca idea de iluminar apenas exclusivamente con la luz del brazalete. Tuvimos que encontrar un sistema led muy caro, que pudiéramos transformar a un brazalete (en realidad cuatro de ellos), y que pudiera cambiar de color, ser sólido, etc... También necesitábamos esconder un cable en el traje, que contenía baterías para que funcionara. Entonces, decidimos jugar con los colores y los contrastes, principalmente el azul oscuro/gris del tubo contra el brazalete amarillo/oro/verde. La idea era que la frialdad del tubo, que representaba a la muerte, era iluminada por el calor y la esperanza representada por ese oro. Como un destello en la noche. Luego, para las trampas, trabajamos en luces procedentes del tubo esta vez, con colores agresivos, verde ácido, rojo sangre, naranja fuego, etc...

Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: En cuanto a los actores, sólo hay 4 de ellos en la película. Gaïa Weiss tiene todo el peso en el film. ¿Fue difícil elegir el personaje de Lisa? ¿Cómo fue la preparación para su papel?

MT: El casting no fue fácil, pero tuve la suerte de que Gaïa aceptara el papel, ¡y vamos si lo clavó! Era complicado, no sólo por estar sola en el tubo, sino porque tenía que estar siempre en su mejor momento físico e interpretativo. Y ella está en CADA toma más o menos. Estoy agradecido de haber tenido la oportunidad de trabajar con ella, tenía la película completamente sobre sus hombros y lo dio todo. Peter Franzen también fue increíble. Realmente quería trabajar con él y es tan amable, como profesional, siempre tratando de dar más. Fue un sueño trabajar con él.

MysC: ¿Nos puedes contra alguna anécdota del rodaje?

MT: Podría escribir una novela con anécdotas ^^. Pero yo diría que uno en particular es el día en que pusimos el tubo en llamas. No quería filmar completamente con VFX, así que básicamente... ¡prendimos fuego al tubo! Lo hicimos el último día (obviamente), en exteriores, por la noche. Fue bastante divertido, con todo el equipo viendo a los tipos de SFX trabajando. Y la idea era poner algo de fuego en él, durante tal vez uno o dos segundos, para evitar que el set se desperdiciara por completo. Pusimos dos cámaras, enviamos el fuego... ¡pero no podíamos detener el fuego! Era seguro para el equipo, ya que las cámaras fueron pilotadas desde la distancia, pero casi todo el set fue destruido en la toma uno. Tuvimos suerte de que la filmación fue INCREÍBLE durante los 10 segundos que necesitábamos, y pudimos filmar toma 2 y 3 en alguna otra parte del tubo. Pero el 90% de la filmación son de esa toma. A veces tienes suerte... ¡Esto es magia de cine!

Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: Y por último, cuéntanos sobre futuros proyectos, si puedes. ¿Qué sigue en tu mente?

MT: Tengo TONELADAS de proyectos, pero ya sabes, en este negocio, tienes que trabajar en varios proyectos para hacer uno de ellos real. Algunos de los que no puedo hablar, pero también estoy trabajando en una gran película medieval, adaptada de un famoso cómic francés (no puedo hablar de ello, o me matarán :)). Me encantaría que fuera mi próximo proyecto, pero es tan grande que creo que tendré tiempo de rodar otra película antes de eso... Todo lo que puedo decir es que no será una comedia ;)

Sitges 2020: Interviewing Mathieu Turi, Director of Meandre

Mathieu Turi is a French director who surprised us in 2017 with Hostile, an interesting sci-fi production supported by Xavier Gens and which, as in this one, explores human emotions. After enjoying the amazing Meandre, we had a chance to talk to him.

Matheiu Turi, Director of MEANDRE

Mike y sus Chinos: First of all, congratulations for your terrific movie. Meandre has been a breeze of fresh air (although claustrophobic) in the sci-fi genre. Our impression is that it's going to be one of the best sci-fi films of this year, and it will be a tough movie to beat.

Mathieu Turi: Thank you so much! :)

MysC: It's been 3 years since the premiere of Hostile. How’s it been the writing and production of your new film, Meandre?

MT: Actually, I wrote the script for MEANDRE during the development of HOSTILE, and just after the shoot, my producers wanted to do it, so it was kind of quick, even if the word “quick” in this business can mean a year or two… So in 2019, we were ready to shoot and we did from November 2019 to January 2020, during 32 days, in a French studio near Paris.

Matheiu Turi, Director of MEANDRE

MysC: The movie almost starts with Lisa inside the tube, a labyrinth full of traps where she must learn something she still doesn't know. How do you start writing this story? It feels like something you have experienced, metaphorically speaking.

MT: I would say it comes from different sources, but I always try to put myself in, so there is something at the same time personal but also universal which is the idea of claustrophobia. I’m not claustrophobic at all, but I remember that, when I was a little boy, I used to go under our house, where I had to lie on my stomach to move, and It was a creepy feeling. Also, in ALIENS by James Cameron, there is that scene where Bishop needs to travel in a narrow tube, to go from a building to another, and I was terrified, being sure an alien would pop up… but nothing happens in the scene, and I was even more terrified :). And more seriously, the movie is about loss, mourn and pain, but also hope and the determination we need to live in this world, so I guess everybody can put something personal on it.

MysC: Continuing with the script, when we finished the movie there were a lot of theories about what has happened to Lisa. Most people agreed it was some kind of purgatory, something religious. Our opinion it's a little different since we see traces of Buddhism in it (the monster, the suffering, learning to accept things in life, the love, the forgiveness, and finally the ascension, almost literally, to the enlightenment). What did you intend to explain?

MT: This is a very interesting question, as my idea from the start was to put that religion or/and philosophical vibes around the story. It’s not a gimmick, it’s at its core. I won’t spoil the movie, but I really wanted to put Lisa in a position where she had to go through all the process: death, love, forgiveness, peace, etc… And for that, she needs to fight physically AND emotionally. So, this is indeed important to me. I also wanted to mix the idea of science-fiction and religion, and the concept of faith in general.

Still of MEANDRE with Gaïa Weiss

MysC: Next, we want to talk about the direction. How difficult has been to plan in advanced, together with the director of photography, all the sequences of the journey that Lisa does?
How did this affect to the art department too?

MT: That was the challenge from the start: shooting a movie in a very narrow space, without forgetting to be meaningful in the camera movements, the shots and the rhythm. So, as I always do, very early in the process, I draw every shot. EVERY shot of the movie, so I have a very clear idea of what I want and what I need. And after that, me and my DOP, Alain Duplantier, we worked on the “how the hell we will achieve that? “part. This is where ideas come and go, and where the creative process is at its best, because everybody try to find new ideas, better concepts or sometimes illumination on a scene that become something new. We worked also a lot with our Production Designer Thierry Jaulin on the sets, and it was very VERY complicated. The main reason is that we couldn’t have just one very long tube, because it would have been impossible to shoot in it. So, we had to imagine several pieces of it, one for each trap, with all the mechanisms and some movable panels to shoot through it, and some other long portions to all the “calm” moments when she just crawls. And even for that, we had to create some crazy rigs, like a little cage on wheels that fit perfectly to the tube and could move up, down, ahead and forward. It was kind of experimental!

MysC: It's very interesting how the lights and monotony of colour, contrast with the high alerts on Lisa's bracelet and the colours of the tests. How did you imagine all the scenes? Why these colours?

MT: The idea we had with Alain, the DOP, was to be very experimental with the colours. First, he had the crazy idea to light barely exclusively with the light from the bracelet. We had to find a very expensive led system, which we could morph to a bracelet (actually four of them), and who could change colours, be solid, etc… We also needed to hide a cable in the suit, which contained batteries for it to work. Then, we decided to play with the colours and the contrasts, mainly the dark blue/grey of the tube going against the yellow/gold/green bracelet. The idea was that the coldness of the tube, representing death, was enlighten by the warm and the hope represented by that gold. Like a sparkle in the night. Then, for the traps, we worked on lights coming from the tube this time, with aggressive colours, acid green, blood red, fire orange, etc… 

Still of MEANDRE with Gaïa Weiss

MysC: Regarding the actors, there are only 4 of them in the movie. Gaïa Weiss has all the weight in the film. Was it difficult to choose the character of Lisa?
How was the preparation for her role?

MT: Casting was not easy, but I was lucky enough to have Gaïa accepting the part, and boy she nailed it! It was complicated, not only about being alone in the tube, but because she had to be always at her best physically AND in her interpretation. And she is in EVERY shot or so. I’m grateful I had the chance to work with her, she completely had the movie on her shoulders, and she gave everything. Peter Franzen was awesome too. I really wanted to work with him, and he’s as kind as he is professional, always trying to push the envelope and doing more. It was a dream to work with him.

MysC: Can you tell us some anecdote from the shooting?

MT: I could write a novel with anecdotes from it ^^. But I would say that one in particular is the day we put the tube on fire. I didn’t want full VFX fire shots, so we basically… send fire in the tube! We did it the last day (obviously), on an outside lot, by night. It was kind of friendly, with all the crew watching the SFX fire guys working. And the idea was to put some fire in it, for maybe one or two seconds, to avoid the set to be completely wasted. We put two cameras on it, sending the fire… but the fire guy couldn’t stop the fire! It was safe for the crew, as the cameras were piloted from distance, but the entire part of the set was destroyed on take one. We were lucky that the shots were AMAZING for the 10 seconds we needed, and we were able to do take 2 and 3 or some other part of the tube. But 90% of the fire shots are from that take. Sometimes you got just lucky… This is movie magic!

Still of MEANDRE with Gaïa Weiss

MysC: And finally, tell us about future projects, if you can. What's next on your mind?

MT: I have TONS of projects, but you know, in this business, you have to work on several projects to make one of them real. Some I can’t talk about, but I’m also working on a big medieval film, adapted from a famous French comic book (can’t talk about it, or I’ll get killed :)).  I would love it to be my next project, but it’s so big that I think I’ll have the time to shoot another movie before that… All I can say is that it won’t be a comedy ;)

Sitges 2020: Becky (USA, 2020)

"Había una vez una pequeña niña. Cuando era buena era muy buena, pero cuando era mala, era horrible"
 
Director: Jonathan Milott, Cary Murnion
Guion: Nick Morris, Ruckus Skye, Lane Skye
Reparto: Lulu Wilson, Kevin James, Joel McHale, Robert Maillet, Amanda Brugel, Isaiah Rockcliffe

Becky (Lulu Wilson) es una adolescente enfadada con el mundo tras la muerte de su madre, pero especialmente con su padre (Joel McHale), que insiste en que la vida debe seguir hacia adelante. Cuando ambos llegan a la cabaña del bosque donde han pasado tan buenos momentos, la sopresa para Becky será encontrar allí a Kayla (Amanda Brugel), novia de su padre, y a su hijo Ty (Isaiah Rockcliffe). Enfurecida por la noticia que su padre y Kayla han decidido casarse, Becky buscará refugio en su pequeño bunker en mitad de la nada, donde recordará todos los momentos que ha vivido con su madre. Mientras la familia se queda en la casa pensando en como hacer entrar en razón a Becky, picarán a la puerta un conjunto de escoria humana fascista, dispuestos a todo para encontrar la (literal) llave que les abrirá las puertas hacia un nuevo orden racial. Es entonces cuando Becky decidirá hacer uso de su furia interior para ayudar a la familia a escapar.

Si habéis seguido la estela de los directores de Becky, Jonathan Milott y Cary Murnion, veréis que sus películas tienen algo en común: en ellas hay niños o adolescentes expuestos a temas tabú para ellos por culpa de los adultos, siendo sus films de género no realista. Ya en Cooties apuntaban maneras convirtiendo a niños en zombies, en Bushwick haciendo que Britanny Snow tuviera que luchar por su vida durante la guerra y vuelven a hacerlo en Becky, transformando a la pequeña Lulu Wilson en una psicópata. Es un tema delicado, el hacer de una adorable pre-adolescente una perturbada. Normalmente cuando se presentan este tipo de personajes suelen ser poseídos por demonios o similar, no porque la vida les obligue a ello. Sin embargo Becky debe ser una psicópata para sobrevivir y esto hace que la película tenga ese punto original no visto demasiadas veces (no contamos aquí retratos más hiper realistas de niños en guerras). Becky sobre todo, es un film de género, bastante gore, donde una niña hace lo posible para matar todo aquello que se interpone en su camino. Un guion bien desarrollado que falla un poco en algunos aspectos.

Así como la dirección en general es correcta creando buenos momentos de tensión, la dirección de actores e incluso el cásting son un poco irregulares. No hay demasiada química ni en el núcleo familiar, ni en el núcleo fascista, aunque por si solos los actores lleguen a niveles adecuados.

La fotografía y efectos especiales también son apropiados, creo que no arriesgando demasiado. Aun así, los momentos de sangre se agradecen y son de buen ver, especialmente la primera muerte a manos de Becky.

En definitiva, si sois curiosos de la mente humana en niñas y pre-adolescentes, os gusta el gore y los survivals no os podéis perder Becky.

Lo mejor: Ver las muertes que deja Becky a su paso.

Lo peor: No le habría venido mal un mejor cásting.

 

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Sitges 2020: Black water: Abyss (Australia/USA, 2020)

"Podemos morir comidos o ahogados. Que decides?"

Director: Andrew Traucki
Guion: John Ridley, Sarah Smith
Reparto: Jessica McNamee, Luke Mitchell, Amali Golden, Benjamin Hoetjes, Anthony J. Sharpe

Cinco amigos deciden hacer una expedición por la jungla en el norte de Australia para explorar una cueva que ha encontrado uno de ellos mientras buscaba a unos turistas desaparecidos. Al principio todo es hermoso y excitante hasta que al final de la gruta descubren un enorme cocodrilo. Por si las cosas no estuvieran ya mal, una tormenta empieza a inundar la cueva. Podrían ir peor las cosas?

Andrew Traucki no es nuevo dirigiendo monster movies. En esta ocasión vuelve a sus inicios en el cine introduciendo de nuevo a cocodrilos (aunque de título similar Black water y Black water: Abyss tienen únicamente en común la persecución incansable de cocodrilos a personas. En ningún momento es una segunda parte). La dirección de Traucki no es mala, pero quizás todavía inexperta en según qué momentos, especialmente en cuanto a crear tensión se refiere. Y es que si de algo malo peca la película es de no reforzar la tensión en los momentos adecuados y alargar demasiado el film.

El guion, de por si simple, siendo ésta una monster movie, deja escapar algunos momentos interesantes a mi parecer y alarga innecesariamente momentos dramáticos que poco tienen que ofrecer a la historia. Quizás el background de ambos guionistas está más dirigido a la televisión que al cine.

El reparto es lo más destacable de esta película. Los 5 actores principales están correctos durante el desarrollo del film, especialmente la protagonista, Jessica McNamee, que ofrece una actuación notable.

En definitiva, Black water: Abyss, no nos va a cambiar la vida, y si hubiera recortado algunos momentos de la historia hubiera sido un mejor producto. Aun así, es un buen entretenimiento.

Lo mejor: el reparto.

Lo peor: un guion un poco flojo y una duración demasiado larga.

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Sitges 2020: Peninsula (Corea, 2020)

"2 millones y medio de dólares... Si volvéis con vida"

Director: Yeon Sang-ho
Guion: Yeon Sang-ho, Ryu Yong-jae
Reparto: Gang Dong-Won, Lee Jung-hyun, Kim Do-Yoon, Kwon Hae-hyo, Lee Re, Lee Ye-Won, Kim Min-Jae, Koo Gyo-hwan

Jung Seok (Gang Dong-Won) es un soldado que consigue escapar por los pelos con su única familia justo cuando una epidemia zombie ataca la península de Corea. En el barco donde escapan, no toda la familia conseguirá sobrevivir. Desde ese momento se convertirán en refugiados y escoria de la sociedad. Cuando un gangster de poca monta convence a Jung Seok y Chul Min (Kim Do-Yoon), cuñado de Jung Seok, para que vuelvan a Corea con la promesa de 10 millones de dólares, poco tendrán ambos que pensar con la promesa del dinero. Lo que no saben es que no solo quedan zombies en Corea...

 

Peninsula es el cierre de la trilogía que nos trae Sang-ho Yeon: la película de animación Seul Station y el film Train to Busan. Es una película redonda para acabar la trilogía, ya que cada una de las tres películas ofrece diferentes visiones y subgéneros. Sang-ho se luce otra vez en la dirección, ofreciendo más en todo, más acción, más drama y más sangre.

La historia es muy entretenida para ser del género zombie, recordando en algunos momentos a 1997 Rescate en NY. Un guion bien construido y elaborado.

La película en lo que más se luce es en el cásting. El elenco tiene una química increíble, especialmente con las niñas protagonistas. Gang Dong-Won como conductor de la historia está espectacular y Jung-hyun Lee como madre coraje ofrece ese punto dramático para conducir a un final tenso y estremecedor.

 

En definitiva, Peninsula no deja de ser una película de zombies, aunque nos introduce pequeños elementos que la hacen muy disfrutable.

Lo mejor: El gran elenco de actores.

Lo peor: No te va a cambiar la vida, es una peli de zombies.

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Creatures Family Days (Taiwán/Japón, 2018)

“No somos normales, ¿Y qué?”

Director: Wei Tianxing
Guion: Zhiheng Cai (Manhua: Yanai)
Reparto: Ning Yang, Shuang Wang, Nianru Shen, Cheng Xue, Souma Kouichi, Sugiyama Riho

Creatures Family Days (conocida también como Frankenstein Family) es un cómic taiwanés escrito por Yanai. En Japón fue publicado por la revista manga Monthly Comic el 21 de octubre de 2017 y la adaptación a serie de animación se estrenó el 9 de abril de 2018.

La historia nos cuenta como un matrimonio de científicos locos ha experimentado con sus propios hijos convirtiéndolos en híbridos de plantas y animales con poderes especiales. El hijo menor, considerado un genio, fue el único que no sufrió estos experimentos y es actualmente un niño normal. Los problemas llegan cuando sus padres son detenidos por realizar esta serie de investigaciones y experimentos y ahora los hermanos deben enfrentarse al mundo real fuera del laboratorio donde se criaron.

Creatures Family Days es una serie muy divertida con toques de drama, donde vemos los esfuerzos del hermano menor Tanis, al intentar tener una relación más normal con sus hermanos y que estos sepan comportarse en sociedad. La dificultad reside no solo en este aspecto, sino que muchos de ellos no tienen ningún interés en integrarse.  Los genes del hermano mayor, Snow están fusionados con los de un perro y tiene tres formas: humano, medio perro y perro completo. Esto hace que tenga una personalidad complaciente e intente ayudar en lo que pueda. 

Otro caso diferente es el de su hermana Aisley, que lleva genes de araña y como tal, le salen patas de araña de la espalda. Ella acepta que no son personas normales y que nunca serán aceptados en el barrio, molestándose con Tanis cada vez que niega la evidencia. Ashise, tiene genes de planta y no le hace falta comer, con tomar el sol le es suficiente y por último la solitaria y taciturna Suishi, que puede leer las mentes de los demás.

 

 

Tanis, aunque es el menor de los hermanos, decide tomar el puesto de tutor o guía, ya que es el único que sabe como funciona el mundo. Aun así, es solo un niño y a veces la presión le pasará factura.

Estamos ante una serie agradable, entretenida y gracias a sus 12 capítulos no se hace larga en absoluto. Su punto fuerte es como evoluciona la relación entre los hermanos y como el apoyo mutuo será necesario para salir de todos los problemas mientras Tanis va aceptando poco a poco a sus hermanos mayores tal y como son.

Lo mejor: La historia y como evoluciona.

Lo peor: Argumento potente que podría haber dado más de sí.

 

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FEFF22: Exit (Corea del sur, 2019)

"El gas liberado en la ciudad, puede matarnos en varios minutos"

Director: Lee Sang-Geun.
Guion: Lee Sang-Geun.
Reparto: Jo Jung-suk, Yoona, Ko Du-shim, Park In-hwan.
 
El festival Far East Film nos propone en esta edición una espectacular y variada programación en un año tan complicado e inusual, demostrando que con ganas y esfuerzo se pueden conseguir cosas maravillosas aún en los peores tiempos. La diversidad de producciones y géneros es brillante y nos obsequia con una excelente experiencia online.

La película de la que hablaremos hoy, es un claro ejemplo de que en tiempos oscuros siempre hay lugar para el amor y las risas, pero sobre todo de aprender de la experiencia y salir mejor persona. Sin más dilación, comenzamos! Let's go! 

Young-Nam no tiene una vida muy interesante, aún vive con sus padres y lleva mucho tiempo desempleado, además, su experiencia como escalador tampoco es que le sirve demasiado. En el cumpleaños de su madre se reencuentra con su gran amor universitario, la preciosa Eui-ju. Después de una conversación un tanto incómoda entre los dos antiguos compañeros de clase, Seúl es atacado por terroristas liberando un peligroso gas por toda la ciudad.
A Young-Nam no le quedará más remedio que usar sus dotes de escalador para intentar salvar a su familia y sobre todo demostrarle a Eui-ji que es un héroe.

Exit es la ópera prima del director y guionista Lee Sang- Geun, un entretenidísimo survival de ejecución impecable repleto de acción, tensión y romance. Un producto aparentemente ligero que sorprenderá a más de un espectador por su endiablado ritmo y desenfadada puesta en escena gracias aún fresco y ágil guion.

La trama es sencilla y posee pocas sorpresas, pero funciona a la perfección en su totalidad. El uso y mezcla de géneros es exquisito, ofreciéndonos momentos agradables y de tensión por partes iguales, pero nunca dejando de lado la peligrosidad de los sucesos a los que tienen que enfrentarse nuestros carismáticos protagonistas durante su accidentado recorrido por la supervivencia.

El reparto es variado y bastante divertido (sobre todo los familiares y amigos de nuestro peculiar héroe) con unas buenas interpretaciones que ofrecen en ocasiones momentos bastante delirantes. Jo Jung-suk y Yoona (Im Yoon-ah) nos regalan una buena dosis de carisma y química como pareja protagonista en esta peculiar historia de amor, gracias a sus sólidas interpretaciones durante la variedad de situaciones que les tocará vivir sobre la ciudad de Seúl. Maravillosos. 

El apartado técnico está muy bien, todo bastante cuidado y visualmente notable como ya nos tienen acostumbrados los coreanos en este tipo de producciones. La banda sonora es cañera y potente, alzando los momentos de clímax para goce del personal, pero esto no es de extrañar ya que tenemos al gran compositor Mowg (I Saw the devil, Burning, The outlaws, Hwayi: a monster boy) detrás de todo el asunto y eso ya es símbolo de calidad.

En definitiva, Exit es el claro ejemplo de que la calidad y el entretenimiento puro pueden ir de la mano. Un producto fresco de género que os alegrará el día si le dais una oportunidad. Sobrevivir a una catástrofe nunca ha sido tan divertido.

Lo mejor: Su ritmo.
El dúo protagonista.
El gran uso de la tensión durante casi todo el metraje.

Lo peor: Como siempre pasa con muchas de estas películas, es difícil poder verlas fuera de festivales.

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Goyo: The Boy General (Filipinas, 2018)

“Los soldados a los que has matado y a los que matarás son fieles a un principio”

Director: Jerrold Tarog
Guion: Jerrold Tarog, Rody Vera
Reparto: Paulo Avelino, Mon Confiado, Jeffrey Quizon, Benjamin Alves, Leo Martinez, Alvin Anson, Carlo Aquino, Gwen Zamora, Empress Schuck, Rafa Siguion-Reyna.

Como ya se decía hacía unos días, Netflix no solo sorprende con catálogo asiático proveniente de Corea, Japón o China. Cada vez es más frecuente ver producciones asiáticas procedentes de Tailandia, Malasia o Filipinas.

Goyo:The boy General es una producción filipina que podemos disfrutar en su plataforma y que cuenta una parte de la vida de Gregorio del Pilar, un joven general que luchó durante la guerra filipino-estadounidense.

El film es una producción histórica donde cuentan el conflicto filipino-estadounidense,  acontecido desde el 4 de febrero de 1899 hasta el 16 de abril de 1902. Ahí nos relatan como los americanos ayudaron a los rebeldes filipinos a expulsar a los españoles para posteriormente declarar la independencia. Lo que no se esperaban es que EEUU no tuviera nunca intención de marcharse.

Tras la derrota de España, los Estados Unidos se volvieron contra los filipinos, se apoderaron de las Filipinas y la convirtieron en colonia estadounidense. En concreto, la película hace hincapié en la vida personal del general y en su última misión: cubrir la retaguardia de Emilio Aguinaldo, general en jefe del Ejército filipino en el llamado Paso del Tirad.

La película está bastante bien rodada, incluyendo las escasas escenas de batalla que ofrece. Tiene un buen diseño de producción y unas grandes interpretaciones que sorprenderán a más de uno para bien. 

Tanto papeles protagonistas como secundarios hacen un trabajo extraordinario y el actor Paulo Avelino en el papel de Goyo rebosa carisma en todas las escenas. Es un gran film histórico que a los amantes de la historia y los que quieran conocer un poco más sobre esta figura y Filipinas encontrarán apasionante.

Lo mejor: Las interpretaciones.

Lo peor: Centrarse en ciertas partes en la vida amorosa del personaje.

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FEFF22: Beasts Clawing at Straws (Corea del Sur, 2020)

"Le encanta comer intestinos, si no pagas, irás al infierno"

Director: Kim Yong-Hoon.
Guion: Kim Yong-Hoon.
Reparto: Jeon Do-youn, Jung Woo-sung, Bae Seong-su.

En Corea del Sur, como en casi cualquier cinematografía, se producen películas de géneros variados, pero cabe destacar que en el thriller es algo en lo que tienen nombre (al menos internacionalmente) gracias a que la gran mayoría poseen una buena producción y puesta en escena, haciendo este tipo de productos muy exportables para el público occidental y siendo habituales en bastantes festivales de cine importantes. Hoy os hablaremos de una estupenda cinta que nos ha maravillado por su buen hacer y se pone en nuestro Top de lo mejor del año. Let's go.

Jung-man apenas se las arregla trabajando en una sauna y cuidando a su madre enferma de Alzheimer, mientras la relación con su mujer e hija empeora. Tae-young está en problemas después de que su novia se diera a la fuga, dejando una gran deuda con la mafia local. Mi-ran vive un infierno entre su marido que la maltrata y un trabajo sin futuro como acompañante en un bar musical. Estás tres almas perdidas encontrarán algo que les cambiará la vida para siempre. 



Beasts clawing at straws es una ópera prima espectacular, un thriller sólido y brillante en todos sus aspectos. El director Kim Yong-Hoon nos deleita con una inteligente, violenta y negrísima historia que en ocasiones se pasea por la comedia de una manera sublime y eficaz.

Basada en la novela de Keisuke Sone, el director y guionista nos plantea una trama separada por capítulos donde nos presenta a tres personajes y sus complicadas situaciones en una primera mitad desconcertante, pero a la vez misteriosa e hipnótica y de una cinematografía clásica rodada con pulso firme, para desembocar en una impactante segunda mitad que hará las delicias de los amantes del género.

Su ritmo es ágil, gracias a un gran trabajo de guion, que consigue una dinámica narrativa que nos engancha gracias a la incertidumbre que nos generan los diferentes giros y caminos que va cogiendo la historia, manteniéndonos atentos durante sus casi dos horas de duración.

"Mi marido también era un maltratador, siempre que necesites ayuda allí estaré"

A nivel interpretativo la cinta, aunque nos obsequia con tres grandes interpretaciones de Jeon Do-youn, Jun Woo-sung y Bae Seong-su, posee un excelente reparto de secundarios que dan vida y credibilidad a la hostil y cruel sociedad a la que se enfrentan nuestros protagonistas. Personajes que parecen salidos del mejor cine negro y que contribuyen al explosivo mix cinematográfico que nos plantea el director. Una gozada en todos sus aspectos.

Otro plato fuerte es el gran trabajo de Nene Kang (Time to sale, Hair vs Hair, Unstoppable, The Witch part 1) en el apartado sonoro, que adorna este peculiar thriller con una banda sonora de tono clásico y un tanto perturbadora que enriquece aún más los momentos de clímax del film.

En definitiva, podríamos estar hablando mucho más sobre esta excelente cinta que tanto hemos disfrutado dentro de la programación del Far East Film festival (esta vez en formato online), pero creemos que lo mejor será que la veáis y disfrutéis de esta magnífica producción que nos llega desde Corea del Sur y que reafirma la buena salud que sigue teniendo el género thriller dentro de su cinematografía comercial. Enjoy!

Lo mejor: Absolutamente todo.

Lo peor: Quizá la primera mitad pueda desconcertar a más de un espectador, pero hacednos caso, tened paciencia que vale la pena.
No poder disfrutarla fuera de festivales, al menos de momento.

TRAILER 

Detective Dee Solitary Skies Killer (China, 2020)

“Hoy es el momento de pagar con tu sangre”

Director: Francis Nam
Guion: Shuang Guo
Reparto: Mark Du (John Do), Shu Yang, Vincent Zhao

El detective Dee es una franquicia que poco a poco se ha hecho muy famosa para los amantes del género y del popular personaje. Cada año en China sacan varias películas sobre Dee y desgraciadamente pocas podemos disfrutar en nuestro país. En este caso gracias a la plataforma de cine Iqiyi (que hace unos meses nos sorprendió incluyendo el español en casi todos sus contenidos) podemos disfrutar de Detective Dee Solitary Skies Killer, una producción modesta pero muy entretenida donde nuestro juez y detective chino favorito deberá enfrentarse de nuevo a un misterioso caso.

Esta vez repite el papel de Dee el actor Mark Du, donde anteriormente ya pudimos verle en la precuela Detection Of Di Renjie (2020).

Este film relata un nuevo caso donde deberá investigar una serie de asesinatos donde parece estar siempre implicada la misma joven, conocida por todos como “la Estrella del desastre”, ya que las personas que tienen un trato muy cercano con ella terminan muriendo en extrañas circunstancias. Nuestro detective, que no cree en supersticiones, da por sentado que hay una explicación lógica y hará todo lo posible para exculpar a la chica y encontrar al verdadero culpable. A la vez, deberá lidiar con el problema de que su joven amada ha caído en un coma profundo y tendrá que conseguir la cura antes de que sea demasiado tarde.

Estamos ante una producción sencilla y modesta sin casi CGI, lo cual es de agradecer incluso. La acción, aunque es justita, tiene unas coreografías curiosas y muy entretenidas. En cuanto al guion, es bastante simple y sencillo, pero funciona para hacerte pasar una hora y media de decente entretenimiento. El carismático Mark Du lo hace bien en el papel de Dee, plasmando de manera correcta al personaje aunque quizás se luce menos que en la anterior entrega. El resto del reparto consiguen unas interpretaciones decentes y bastante sólidas.

En definitiva, estamos ante una producción con un presupuesto modesto pero que no dejará de gustarle a los fans del personaje ni del género wuxia.

La tenéis disponible en la plataforma digital Iqiyi.

Lo mejor: Mark Du. 
Las coreografías.

Lo peor: Quizás no sea una película de Dee tan impresionante como otras producciones.

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