Sitges 2020: Get the hell out! (Taiwan, 2020)

"Una película incorrecta te hace sufrir durante solo 90 minutos. Un gobierno equivocado te hace sufrir durante cuatro años"

Director: Wang I-fan
Guion:  Shi-Geng Jian, Wang I-fan
Reparto: Hung Bruce, Lai Megan, Lu-Si Bu Bruce, Kao Francesca, Lin He-Hsuan, Chung-hua Tou, Wang Chung-wang  

Si hay algo que no falta nunca en el Sitges Film Festival -aparte del terror y la fantasía- es el humor y los zombies ¡de asiáticos también! Visitaron las costas del Garraf las japonesas Dead sushi (2012) y One Cut of the dead (2018), de Hong Kong Zombiology (2017), la coreana The odd family (2019) y en la 53a edición, la taiwanesa de la que hablaremos, Get the hell out! (2020). Escrita y dirigida por Wang I-fan estuvo en la sección Midnight X-treme, pero por medidas del Covid-19 se pasó por plataforma Online. El director presentaba en la misma edición, dentro del Oficial Fantàstic Competició, Temple of Devil buster (2020), un cortometraje muy visual de luchas entre demonios, premiado en OAFF 2020.

El parlamento de Taiwán inspira por sesiones ridículas que acaban en peleas, lanzamiento de agua y tripas de cerdo. La trama es sencilla: se debate sobre la construcción de una planta química que podría provocar un brote de rabia ¿y qué es lo que pasa? ¡Efectivamente! Provoca un brote de rabia. Los parlamentarios pasan de gritarse a morderse y de morderse a convertirse en muertos vivientes salvajes. En el caos guardas de seguridad, políticos, funcionarios, técnicos y reporteros intentan escapar. Todo tipo de personajes no acostumbrados a colaborar y pensar en el bien ajeno ¿Saldrá alguno vivo? 

 

 

Wang I-Fan satiriza la política en una cuenta atrás sin frenos para la crisis zombi, en medio de un escenario colorido y sangre a borbotones. Para ello no dudará en utilizar todo tipo de efectos visuales propios del anime, el videoclip, fotomontajes, duelos, videojuegos, clown y hasta el karaoke. El director domina diferentes medios cómicos para denunciar los juegos sucios políticos en un guion acelerado. No se queda atrás un reparto de estrellas entregado a la caricaturización. ¡Y también hay muchas artes marciales! El largometraje se llevó el premio a Best action choreography en los Golden Horse award. 

 

 

El cartel no deja dudas sobre la intencionalidad humorística, una vuelta de tuerca taiwanesa a los zombis. Get out the hell out! -el film debut de este director de fotografía y guionista- es una apuesta entretenida entre dardos precisos de crítica social y exageración de géneros cinematográficos. A mí me ganaron esas frases puntiagudas y mordaces que se podían extrapolar a cualquier otro parlamento y sociedad. Considero interesante que la denuncia no esté restringida al cine social y confieso que me dejé morder y contagiar por el resto. Puede que no sea del gusto de todos: es escandalosa, exagerada, extravagante, frenética y estereotipada. 

 

Si os gustan los zombis, las parodias, el humor absurdo mezclado con acción, no sois los típicos snobs que solo ven películas solemnes y pronto haréis una sesión de cine con amigos… Get the hell out! es sin duda vuestra película. 

 

Lo mejor: Leer entre líneas y no solo disfrutar con la crítica de fondo si no también con sus diálogos.

Lo peor: Que se os encalle algún personaje estereotipado. 

 

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Escrito por Magda Inquieta

Sitges 2020: Spiritwalker (Corea del sur, 2020)

"Estoy atrapado, cada doce horas despierto en un cuerpo extraño"

Director: Yoon Jae-geun
Guion: Yoon Jae-geun
Reparto: Yoon Kye-sang, Lim Ji-yeon, Park Yong-woo

Estamos ya muy acostumbrados a que casi todos los thrillers que nos llegan desde Corea del Sur poseen un acabado técnico impecable, y que desde hace ya unos años vienen maravillando al público internacional por sus propuestas. Pero dentro de este género no todo son blockbusters o obras personales de directores ya muy conocidos por la crítica mundial (Park Chan-Wook, Kim Jee-Won, Na Hon-Jin o Yoo Ha), también hay de menor presupuesto que pueden ser interesantes. Porque sí amigos, no todo lo que se produce en la cinematografía coreana son peliculones de calidades estratosféricas y presupuestos desorbitados, también hay hueco para el cine independiente, el softporn y las películas directas a plataformas. Hoy os hablaremos de Spiritwalker, una película humilde, con un reparto no tan estelar, pero que nos pareció la mar de entretenida. Let's go!

Que pasaría si te levantarás un día y hubieras perdido la memoria? Además, para sorpresa tuya, cada doce horas tu cuerpo se reinicia y despierta siendo otra persona totalmente diferente. Por si no fuera poco, una misteriosa mujer afirma que te conoce y una peligrosa organización va detrás de ti.

Estamos ante un thriller policiaco de libro, bien rodado y con un ritmo ágil y dinámico, que se mueve a gusto por el género fantástico de una manera eficaz y coherente. La trama engancha por su fluidez y ejecución, pero cojea un poco al ser un tanto predecible (aunque todo el tema de la posesión de cuerpos le otorga un toque de personalidad propia), algo que a nosotros no nos molestó en absoluto ya que el resto de la cinta está muy bien producida.

El director consigue un notable manejo de la tensión, el misterio y la fantasía en combinación también con los ingredientes que nos gusta ver en las cintas de acción policíaca. Spiritwalker tiene buenos tiroteos, persecuciones y peleas cuerpo a cuerpo (las cuales están bastantes bien rodadas y poseen unas coreografías más que correctas) todo esto acompañado en perfecta armonía con una banda sonora más que resultona que hace de este film una cinta que deben visionar los amantes del género. 

En definitiva, Spiritwalker quizá no consiga sorprender a los amantes más exigentes del género, pero creemos que su curiosa propuesta puede ser un motivo para darle una oportunidad y disfrutar de un buen thriller de acción fantástico.

Lo mejor: Las escenas de acción.
El ritmo al que avanza la trama.
Una producción la mar de entretenida.
Su duración.

Lo peor: Aunque el toque fantástico le da personalidad, quizás le falte algo más para destacar entre este género tan trillado en Corea del Sur. 

 

Sitges 2020: Impetigore (Indonesia, 2019)

"Es el trabajo del diablo y de los humanos débiles"

Director: Joko Anwar
Guion: Joko Anwar
Reparto:  Tara Barso, Marissa Anita, Asmara Abigail, Arswendi Nasution, Ario Bayu y Christine Hakim

¡Nos gustan las pelis asiáticas y también pasar miedo! Para que vamos a disimular. Suerte tenemos con el Sitges Film Festival y su resistente apuesta por traer las propuestas más lúgubres del sud este asiático. Slashers, maldiciones y folk horror a la indonesia con Joko Anwar como director asiduo: The forbidden door (2009), Modus anomali (2012) y Impetigore (2020). ¿Os atrevéis a entrar con Anwar y su equipo en un bosque javanés?

Perempuan Tanah Jahanam o Impetigore o La mujer del Infierno (Joko Anwar, 2019) es un filme indonesio de folk horror, suspense, sobrenatural y humor negro. Una película de terror rural escrita y dirigida por Joko Anwar (1976). Si os gustan las historias sobre magia negra, maldiciones, fantasmas, sacrificios, aldeanos huraños, creencias populares, un poco de gore y herencias malrolleras no os la podéis perder. Dejad de lado que son temas típicos del terror y adentraos sin prejuicios.

El guion original tardó 10 años en rodarse mientras buscaba productora, ubicaciones perfectas, sortear la pandemia y superar el contagio por dengue del director el primer día de rodaje. Se estrenó en varios festivales el 2020 donde ganó varios premios (8th Annual Maya, 3rd Tempo, Bandung, Bucheon y 40th Citra). Aquí llegó en la 53a edición del Sitges Film Festival.

Tremendos los primeros siete minutos de la película, de 0 a 100. Anwar nos lleva de lo más cotidiano al terror más crudo. Nos reponemos en los créditos iniciales para después acompañar a dos amigas inseparables en el umbral de la pobreza, Maya y Dini, al pueblo originario de Maya para reencontrarse con sus orígenes que quizás preferirán no conocer y reclamar una posible herencia que quizás no querrán. Promete, ¿a que sí? 

 

 

El guion sostiene muy buen ritmo; sucesión de misterios, personajes estrambóticos y elementos inquietantes. Una narración que solo se acelera hacia el final con un par de “visiones” a modo de clímax, cuando se revelan secretos del pasado. ¿Y crees que Joko Anwar se quedaría solo ahí? Aun reserva una sorpresa final.

Los actores habituales de Joko Anwar hacen un gran trabajo de caracterización. Maya (Tara Barso) y Dini (Marissa Anita) tienen muy buena química y se suman las actuaciones de altura de Asmara Abigail, Arswendi Nasution, Ario Bayu y Christine Hakim. De hecho Hakim ganó dos premios como actriz de reparto, difícil olvidarla y si no lo veis así ¡ya me contáis como lo hicisteis!

El equipo técnico no queda atrás, 106 minutos que cuentan con el diseño de producción de Frans XR Paat, el director de fotografía Ical Tanjung y la editora Dinda Amanda. La cámara se mueve sugiriendo un peligro acechando, manejando los diferentes espacios y una constante atmósfera enrarecida, de misterio y poco acogedora. Sobresalen los bosques frondosos a plena luz o con neblina. El equipo de sonido acentuó el toque siniestro y se sumó en extrañeza una banda sonora con toques de música indonesia de los 60 a cargo del dúo The Spouse (Aimee Saras y Tony Merle).

Les llevó 3 meses dar con los exteriores, desperdigados en 5 regiones diferentes de Java Oriental. La aldea destartalada y aislada eran casas de antiguos trabajadores de las plantaciones colonialistas holandesas. Hizo falta construir infraestructuras, caminos y la casa grande del plató principal que, al finalizar el rodaje legaron y donde suministraron libros para que fuera la biblioteca local.

Otro punto en el que destaca Impetigore es como integra al film el marco folklorico javanés de los wayang kulit, títeres de teatro de sombra hechos con piel. Las sombras sirven como recurso narrativo y estilístico; la misma historia se escribe sobre las sombras de un pueblo lleno de silencios y reglas morales estrictas con el titiritero como jefe. A la vez utilizan en varias escenas llamas de fuego como único punto de luz, proyectando penumbras y simulando un gran teatro de sombras. Al trasfondo de los Wayang se añaden temas recurrentes en la filmografía de Joko Anwar; los conflictos familiares, la precariedad económica y la paternidad. 

 

 

Impetigore, la octava película de Joko Anwar, es una pesadilla indonesia en toda regla y en el buen término del terror. Atrapa no solo a los personajes sino también a los espectadores. Meditada, hecha con gran detalle y llena de sombras que ocultan las piezas de las narraciones interpersonales, como las mismas representaciones del teatro de títeres Wayang. Inquieta el bosque, lo sobrenatural, las venganzas en las aldeas y hasta qué punto estas se pueden llevar. Tememos lo desconocido, los secretos compartidos en estructuras jerárquicas de las que somos ajenos y sobre todo si son en espacios naturales recónditos. Joko Anwar consigue siempre crear universos muy particulares, ficciones que van de mal en peor y, aunque nos hace pasar un mal rato, ¡en realidad lo pasamos bien!

Lo mejor: la secuencia inicial, los amuletos subcutáneos, el vestuario y el conjunto musical de los Wayang y el cariño que le pone todo el equipo técnico y artístico, ¡que se nota!

Lo peor: Lo peor no son los fantasmas sino los vivos. ¡Témelos más! 

 

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Escrito por Magda Inquieta

Sitges 2020: Slaxx (Canadá, 2020)

"Estos sorprendentes pantalones se adaptan automáticamente a tu cuerpo!"

 

Director: Elza Kephart

Guion: Patricia Gomez, Elza Kephart

Reparto: Romane Denis, Brett Donahue, Kenny Wong, Sehar Bhojani

Disparatada, loca, cutre, absurda y divertida son algunos de los adjetivos que podrían utilizarse para describir Slaxx.

Poco se imaginaba la entusiasta e idealista Libby que su primer turno de trabajo en una de las tiendas de la famosa marca de ropa Canadian Cotton Clothiers se convertiría en un baño de sangre. Y es que la noche en la que dicha marca prepara el lanzamiento de su nuevo producto estrella, los Super Shapers, unos tejanos que captan el calor corporal de quien los lleva, adaptándose así perfectamente a su cuerpo, se transforma en una masacre perpetrada por dichos vaqueros que, sedientos de sangre, van acabando poco a poco con el personal del establecimiento en una vorágine de muertes a cada cual más increíble e imaginativa a la vez que ridícula.  

 

 

Con la simple premisa de unos “tejanos asesinos”, la directora canadiense Elza Kephart nos ofrece un más que correcto slasher en el cual el típico asesino enmascarado es sustituido por una prenda de moda y que, además de entretener, incluye una crítica a la hipocresía de la industria textil, a las marcas de moda “supuestamente” sostenibles y a la explotación laboral, crítica que, si bien está presente, no arruina la diversión ni deja mal sabor de boca.

Su duración más que acertada (77 minutos son suficientes para una película sobre unos vaqueros causantes de un baño de sangre en un centro comercial) y sus efectos especiales, que podrían considerarse “vintage”, permiten al espectador disfrutar de cada minuto del metraje, preguntándose quién será el próximo personaje en morir y cómo se las apañará el pantalón maldito para continuar con su matanza.  

En resumen, una película para pasar un buen rato y reírse sin dar vueltas a complicados argumentos o giros de guion… Sencilla, honesta y directa: lo que te venden es lo que hay, sin más. Ideal para desconectar en los tiempos que corren.  

 

Lo mejor: Las escenas de los pantalones perpetrando las muertes, cada cual más loca e inverosímil.

Lo peor: Puede resultar demasiado “simple” para algunos aficionados al género de terror. 

 

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Sitges 2020: Spree (Usa, 2020)

"Para toda esa gente que no me conoce, estad preparados"

Director: Eugene Kotlyarenko

Guion: Eugene Kotlyarenko, Gene McHugh

Reparto: Joe Keery, Sasheer Zamata, David Arquette, Kyle Mooney

¿Hasta dónde serías capaz de llegar para conseguir más seguidores en las redes sociales? ¿Qué vale más, una vida humana o un “Like”? El conductor de Spree (una aplicación similar a Uber) Kurt Kunkle lo tiene muy claro: Ser viral en Internet es su principal objetivo en la vida... y para ello no duda en idear un plan tan desesperado como mortal.

Cuando equipar su coche con cámaras que emiten en streaming su día a día no le aporta la popularidad esperada, la frustración lleva a Kurt a pasar al siguiente nivel, a ofrecer ese “algo más” que puede convertirlo en el rey de las redes: hacer a sus seguidores testigos de las muertes de aquellos pasajeros que tienen la desgracia de que él sea el vehículo que acude a su llamada. 

 

El director y co-guionista ucraniano Eugene Kotlyarenko nos embarca en un intenso viaje en el que el actor de Stranger Things Joe Ferry va al volante. Un viaje que mezcla el terror, el thriller y la comedia, y que nos muestra las dos caras del protagonista, un amable conductor y un despiadado asesino en serie capaz de intercambiar estas dos personalidades en cuestión de segundos con la única finalidad de convertirse en trending topic. Un viaje que no solo es entretenido, sino que da pie al espectador primero, a empatizar con toda la rabia y frustración del protagonista al no conseguir lo que desea, y segundo, a reflexionar sobre la sociedad actual, sobre cómo las redes sociales nos han hecho cambiar la perspectiva de la vida y nuestras prioridades, ser conscientes de las nuevas adicciones y ver cómo la búsqueda de la adoración y admiración de desconocidos puede hacernos actuar de forma impensable, sacando lo peor de nosotros y ocultando nuestra esencia tras las pantallas de los dispositivos que nos rodean. 

 

 

Spree en una película con muchas capas y facetas de la que cada espectador puede extraer y disfrutar la que le apetezca: La comedia, la moraleja, la reflexión, el slasher o el thriller. Solo hay que abrocharse el cinturón y dejarse llevar.

Lo mejor: Ver como, poco apoco, la situación se le va yendo de las manos hasta convertir cada viaje de sus pasajeros en un baño de sangre. Disfrutar de las apariciones de David Arquette o Mischa Barton.

Lo peor: Puede resultar agobiante en algunos momentos, por el modo en el que está grabada (muchas partes simulan un directo de Instagram o cualquier red social similar). Si se la toma demasiado en serio, el espectador puede sufrir  una pequeña crisis existencial y social. 

 

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Sitges 2020: Comrade Drakulich (Hungría, 2019)

 "Vive de noche, no envejece y chupa la sangre de bellas damas"

Director: Márk Bodzsár

Guion: Márk Bodzsár

Reparto: Lili Walters, Ervin Nagy, Zsolt Nagy, Alexandra Borbély

 

Hungría, años 70. Tras 20 años exiliado en Cuba para participar en la revolución junto a Castro y el Che Guevara, el héroe nacional (o “camarada”) Fabián regresa a casa en representación de la Cruz Roja para liderar una campaña de donación de sangre destinada a Vietnam. Sin embargo, hay algo raro en él: No ha envejecido ni un día desde la última vez que se le vio, conduce un coche rojo más propio de un playboy que de un héroe del Régimen y tiene hábitos un tanto extraños. A pesar de la alegría por su regreso, todo esto no pasa inadvertido a los servicios secretos del país, que encargan el seguimiento y vigilancia de Fabián a María y a Laszlo, dos agentes que además de compartir profesión, comparten cama, lo que da lugar a un siempre interesante triángulo amoroso con el recién llegado camarada.

El director húngaro Márk Bodzsár nos ofrece una entretenida comedia que mezcla momentos de humor relacionados con los “básicos” del cine de vampiros (personajes con ristras de ajos alrededor del cuello, crucifijos, etc.) con pinceladas de crítica política, algo de comedia romántica y un toque muy, muy leve de feminismo.  

 

 

Además de la historia, cabe destacar también el interesante despliegue de personajes que acompañan al seductor vampiro y a los agentes encargados de descubrir el secreto de su eterna juventud, con los que nos podemos identificar fácilmente como, por ejemplo, los cotillas vecinos de Mária (porque todos hemos sido o tenido vecinos curiosos en algún momento de nuestra vida), o las chicas del taller, que caen rendidas a los encantos de Fabián como si de una estrella del rock se tratase (¿quién no ha suspirado al tener a su ídolo delante?). En definitiva, un conjunto de personajes complementarios que dan mucho juego, entretienen, y ayudan con los matices cómicos de la película. 

 

 

La verdad es que Comrade Drakulich no es una gran superproducción que dejará ojiplático a quien la vea. Ni falta que hace. Es una película sencilla, directa, perfectamente ambientada y con una banda sonora excepcional que ayuda al espectador a meterse de lleno en la trama. Un espectador que, para disfrutarla, solo debe dejar que el seductor héroe le coja de la mano y le lleve por las calles del Budapest de hace unas décadas. Eso sí, siempre con un crucifijo encima y sin perder de vista la botella de bebida roja… por si acaso.  

Lo mejor: Que es una película de vampiros sin ser “una película de vampiros”. Algunas escenas en las que intervienen los vecinos chismosos de Mária.

Lo peor: A veces, el humor puede resultar algo simple. 

 

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Sitges 2020: The Queen of black magic (Indonesia, 2020)

"Os haré vivir vuestro propio infierno"

Director: Kimo Stamboel
Guion: Joko Anwar
Reparto: Hannah Al Rashid, Ario Bayu, Adhisty Zara.

Desde hace ya algunos años el terror Indonesio es muy querido entre el público internacional, por su sucia puesta en escena, la crudeza de sus imágenes y una cuidada gestión de la tensión en sus producciones. Las últimas cintas de Timo Tjahjanto y Kimo Stamboel (cuando trabajan juntos tienen el sobrenombre de The Mo Brothers) o Joko Anwar (Impetigore, Gundala, Satan's Slave) son aclamadas y esperadas dentro de los festivales fantásticos y de terror de todo el mundo por su imaginario y buen hacer en este popular género. Hoy hablaremos de la última historia que nos regala el director Kimo Stamboel, The Queen of black magic. Un remake de la cinta indonesia de 1981 que mantiene incluso el mismo nombre y que pudimos disfrutar en pantalla grande gracias al Festival  de Sitges. Sin más dilación, comenzamos!

Un grupo de amigos con sus respectivas familias viajan al antiguo orfanato que los acogió. El motivo de tal reencuentro es el estado de salud del hombre que los educó y les dio cobijo, su querido Mr. Bandi. Todo parece ir según lo previsto, pero algunos extraños sucesos empiezan a ocurrir sin motivo alguno. Oscuros secretos saldrán a la luz y nuestros protagonistas se verán envueltos en un vórtice de violencia dentro de su propio infierno terrenal.

The Queen of black Magic es una excelente propuesta de terror puro, repleto de escenas impactantes y sangrientas que harán las delicias de los amantes del género. Una propuesta muy bien realizada que rebosa amor hacia el horror más clásico de los años ochenta, gracias a sus impactantes y violentas escenas en combinación de un magnífico trabajo de maquillaje y efectos especiales clásicos (quizás el CGI flojee un poco, pero no ensucia demasiado el acabado de este genial film).

La ambientación que Kimo Stamboel crea es sublime, jugando magistralmente con la tensión y el misterio en la primera mitad de la cinta, generando en el espectador una sensación de intranquilidad y en ocasiones hasta de angustia, para desembocar finalmente en una sangrienta locura hacia la parte final de esta tortuosa historia sobre magia negra.

La grandeza de la película reside en usar un guion ya visto en múltiples ocasiones e inyectarle esa adrenalina visual que ya nos tienen acostumbrados algunas producciones de terror indonesio y que cada vez gusta más al público internacional. Una muy buena creación de personajes e interpretaciones encabezados por Hannah Al Rashid (Gundala, Dreadout, The night come for us) y Ario Bayu (Impetigore, Gundala, Headshot) hace todavía más interesante esta visceral propuesta.
 
Siempre es interesante conocer el folklore de otros países y en The Queen of black Magic el director nos da algunas pinceladas sobre brujería y maldiciones que los fans del tema degustamos como si se tratara de un delicioso dulce.

En definitiva, The Queen of black Magic es una excelente cinta de terror clásico que todo amante del género debería al menos darle una oportunidad. Una historia desgarradora que se cuece a fuego lento con unos exquisitos e impactantes ingredientes para gozo del consumidor. Love It!

Lo mejor: La ambientación.
Una gran creación de personajes.
Las set pieces de terror, brutales!

Lo peor: El CGI en ocasiones ensucia un poco el impacto de alguna escena.

 

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Sitges 2020: Kandisha (Francia, 2019)

"Ella renacerá y se llevará la vida de seis hombres"

Director: Alexandre Bustillo, Julien Maury
Guion: Alexandre Bustillo, Julien Maury
Reparto: Mathilde Lamusse, Susy Bemba, Samarcande Saadi

Los directores Alexandre Bustillo y Julien Maury (A l'intérieur, Livide, Among the living) son viejos conocidos del festival de Sitges, sus producciones y propuestas gustan y atraen al público internacional. Hoy os hablaremos sobre su nueva película, Kandisha, una perturbadora historia de terror clásico basado en la mujer demonio de la mitología marroquí.

Amélie, Morjana y Bintou disfrutan de las vacaciones de verano junto con su grupo de amigos. Aprovechan el tiempo libre bebiendo, bailando, pintando grafitis y contando alguna que otra historia de terror. Ya entrada la noche Amélie decide volver a casa, pero es atacada y herida por su ex. La chica furiosa y atemorizada decide invocar a Aisha Kandisha, un demonio vengador del folklore marroquí que sus amigas habían mencionado anteriormente durante una de sus historias. Al día siguiente, el ex muere repentinamente, haciendo sospechar a las tres amigas que el demonio ha despertado y busca venganza. 

 

 

Kandisha es una entretenida propuesta de terror con aire clásico que se desenvuelve en un entorno callejero muy creíble, y que gracias a su corta duración, personajes y guion fácil de llevar, consigue ser disfrutable de principio a fin.

Estamos ante una cinta de horror multicultural con esencia clásica, protagonizada por chicas que deben buscarse la vida en un ambiente un tanto hostil y que debido a las circunstancias del día a día, recurren a métodos poco ortodoxos para combatir las injusticias que padecen.

En el primer tramo de Kandisha, veremos las inquietudes y motivaciones de los jóvenes personajes que habitan en este barrio francés, todo en un ambiente casi de cinta juvenil con aire social para más tarde evolucionar hacia un vórtice de violencia paranormal.

La cinta posee un presupuesto ajustado y se precipita demasiado hacia su tramo final, perdiendo cierta tensión y misterio, pero creemos que juega muy bien sus cartas y no pretende ser algo que no es (aunque sí que es verdad que en alguna ocasión se le ven las costuras al film). Pero gracias al aire clásico que adorna la trama (un terror que recuerda al de los años 80, tanto por su ejecución como por la producción) no empaña para nada la experiencia global (a destacar sobre todo las explícitas y violentas muertes de algunos de los afectados).

 

 

En definitiva, Kandisha quizás no sea la mejor película del tándem francés, pero no por ello deja de ser una cinta de terror muy disfrutable. Buen ritmo, duración adecuada y unos personajes femeninos geniales. Dadle una oportunidad si tenéis ocasión.

Lo mejor: Las tres protagonistas.
Las muertes.
Trama fácil y entretenida.
Su duración.

Lo peor: Una película inferior en la filmografía de los directores.
Aunque el guion no está mal, se precipita demasiado hacia el final de la trama.

 

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Sitges 2020: Interview with Ryo Katayama, Director of Roar

First of all, congratulations on your film, Roar, we really enjoyed it at the last Sitges festival.

Ryo Katayama, Director of Roar

Mike y sus Chinos: Japanese independent cinema is something that comes very rarely to our country, but thanks to festivals like Sitges we can enjoy some interesting productions. Is it difficult to film an independent movie like Roar in Japan? How is the health of this kind of cinema in the Japanese industry?

Ryo Katayama: Thank you for watching my film. It is very precious that we get response from people overseas watching the film like this. Regarding filming an independent movie here, it is tough considering the budget. “Roar” was shot in 7days. In that perspective, I would say it’s in very harsh environment. However, the absence of sponsors makes it possible to realize what the director wants to do without caring the balance of power. So, I believe that we can expect high quality of works in those kinds.

MysC: The film moves around the experiences of various main characters and the palpable desperation to try to keep going. A tough story about today’s society. How does this project get into your hands? And why do you decide to film Roar?


RK: This story is set in Fukui, my hometown, but I used to hate there. I hated the people who cannot get away from the indigenous blood. However, as I grow up, I started to realize the fact that the people I hate are also trying hard to live their lives. So, I thought that depicting the people trying hard to live where I used to hate may turn out to be an overwhelming hope instead. That’s the reason I decided to make this film.

Still of Roar

MysC: Watching your film, we are surprised by the crushing spontaneity of some scenes and how the viewers get involved in them.  -What motivated you to explain such a raw story and such brutal realism? Is it based on any personal or close experiences?

RK: You can see my personal experiences in various scenes. I believe that they’re adding
the realism to the film. I’ve been also an actor since before I started filming. As an actor, I’ve always acted just by “living the character,” and I asked these casts to focus on “living the character” in my film as well.

MysC: What are your references when creating a movie?

RK: I refer to my own memory.

MysC: The interpretative level in the film is excellent, both for the main and secondary characters.
How was the process of casting? And how was the experience of working with them during filming?

RK: I’m really happy to have such feedback. Maybe because I’m an actor myself. I expect the casts for a lot of things, but the bottom line is that I like “a person who doesn’t lie,” or an honest person, in other words. Acting is a “lie,” and thus we need the casts to do with their “real” emotion to turn this “lie” into a reality. During filming, we discussed over and over again how we create the “real.” I was happy surrounded by these wonderful casts.

Still of Roar

MysC: Could you explain some anecdote or curious filming facts?

RK: We shot this film in about 7 days, but had 110 scenes in total. The schedule was like hell every day. So, especially the latter half was full of funny accidents;
For instance, the scene with the main character, Makoto and the tramp had basically no conversation, and only three of us, Mr. Anraku as Makoto, Mr. Fukaya as Cinematographer, and the director Katayama as the tramp, were there. We were recording with a fixed microphone. Two of us actually fell asleep during the scene supposed to wake up and the laughter of Mr. Fukaya woke us up. It happened a lot. In a sense, it might be a moment that we were playing the “real.”

MysC: What did you enjoy the most and what was most difficult when shooting the film?

RK: I’m afraid that there was no room for finding enjoyment. It’s the story about the rock bottom. Instead, there were so many difficulties. As I said above, the crew member was only Mr. Fukaya, the cinematographer. Mr. Anraku, the main cast, was the only person who could help on the set. There were some people who helped us on the location, of course, but they all had their own daily jobs. So, it was very tough to manage the shooting just by three of us. At the same time, I felt an extreme sense of unity among us. Maybe that is the reason I’ve never thought of changing the cinematographer when I film.

MysC: After watching your movie, we are very interested to know about your future projects. Could you tell us about any of them?

RK: I filmed my latest project in my hometown Fukui again. The title is “Icchorai” (English title: TBD). It’s in post-production. It’s about a man who runs a Ramen noodle shop on the shopping street, which appeared in “Roar” as well. The man had a dream to go to Tokyo, but caring his dad forced him to stay. He had no choice but clinging to the past. It’s the story about such man. Here is a teaser, so please take a look. Thank you.

TEASER "Icchorai"

Sitges 2020: Entrevista a Ryo Katayama, Director de Roar

Ante todo, felicidades por tu película, Roar, la hemos disfrutado mucho en el último festival de Sitges.

Ryo Katayama, Director de Roar

Mike y sus Chinos: El cine independiente japonés es algo que nos llega con cuenta gotas a nuestro país, pero gracias a festivales como el de Sitges podemos disfrutar de algunas producciones interesantes.
¿Es complicado rodar en Japón una cinta independiente como Roar? ¿Como está de salud este tipo de cine en la industria japonesa?

Ryo Katayama: Gracias por ver mi película. Es muy valioso para mí que recibamos respuesta de gente en el extranjero que ha visto la película.
En cuanto a filmar una película independiente aquí, es difícil teniendo en cuenta el presupuesto. Rodamos "Roar" en 7 días. Con esta perspectiva, yo diría que el cine indie está en un ambiente muy duro. Sin embargo, con la ausencia de patrocinadores te das cuenta de lo que el director quiere hacer sin tener que preocuparse por el equilibrio de poder. Por lo tanto, creo que podemos esperar una alta calidad en ese tipo de obras.

MysC: La película se mueve alrededor de las experiencias de varios personajes principales y la palpable desesperación por intentar salir adelante. Una dura historia sobre la sociedad actual. ¿Como llega este proyecto a tus manos? ¿Y porque decides hacer Roar?

RK: Esta historia está ambientada en Fukui, mi ciudad natal, pero solía odiar estar allí. Odiaba a la gente que no puede escapar de la sangre nativa. Sin embargo, a medida que crecí, comencé a darme cuenta del hecho de que las personas que odio también se esfuerzan por vivir sus vidas. Así que pensé que representar a la gente que se esfuerza por vivir donde yo odiaba podría resultar ser una esperanza abrumadora en su lugar. Por eso decidí hacer esta película.

Fotograma de Roar

MysC: Viendo tu película, nos sorprende la naturalidad aplastante de algunas escenas y como el espectador se hace participe de ellas.
¿Qué es lo que te motivó para explicarnos una historia tan cruda y de un realismo tan brutal? ¿Se basa en alguna experiencia personal o cercana?

RK: Puedes ver mis experiencias personales en varias escenas. Creo que añaden el realismo a la película. También he sido actor desde antes de empezar a filmar. Como actor, siempre he actuado con sólo "vivir el personaje", y les pedí a los actores que se centraran en "vivir el personaje" en mi película también.

MysC: ¿Cuáles son tus referencias a la hora de crear una película?

RK: Hago referencia a mi propia memoria.

MysC: A nivel interpretativo la cinta es excelente, tanto por los personajes principales como secundarios. ¿Como fue el proceso de selección de actores? ¿Y qué tal fue la experiencia al trabajar con ellos durante el rodaje?

RK: Estoy muy feliz de tener tales comentarios. Tal vez porque yo también soy actor. Espero muchas cosas de los actores, pero la conclusión es que me gusta "una persona que no miente", o una persona honesta, en otras palabras. Actuar es una "mentira", y por lo tanto necesitamos que los actores se hagan con su emoción "real" para convertir esta "mentira" en una realidad. Durante el rodaje, hablamos una y otra vez cómo creamos lo "real". Me encantó estar rodeado de estos maravillosos actores.

Fotograma de Roar

MysC: ¿Podrías explicarnos alguna anécdota o dato curioso del rodaje?

RK: Rodamos esta película en unos 7 días, pero tuvimos 110 escenas en total. El horario era un infierno todos los días. Así que, especialmente la segunda mitad del rodaje estuvo llena de accidentes divertidos;
Por ejemplo, la escena con el personaje principal, Makoto y el vagabundo. Básicamente no había diálogo, y sólo tres de nosotros, el Sr. Anraku como Makoto, el Sr. Fukaya como Cinematógrafo, y yo mismo, Katayama, como el vagabundo, estábamos allí. Grabábamos con un micrófono fijo. El Sr. Anraku y yo nos quedamos dormidos durante una escena en la que debíamos despertarnos, pero fueron las risas del Sr. Fukaya lo que nos despertó al ver que nos habíamos quedado dormidos realmente. Sucedió mucho. En cierto sentido, podría ser un momento en que estábamos jugando lo "real".

MysC: ¿Qué es lo que más disfrutaste y lo que fue más difícil al rodar la película?

RK: Me temo que no hubo lugar para encontrar el disfrute. Es una historia sobre tocar fondo. En cambio, hubo muchas dificultades. Como dije anteriormente, el único miembro del equipo era el Sr. Fukaya, el Cinematógrafo. El Sr. Anraku, el protagonista, era la única persona que podía ayudar en el set. Había algunas personas que nos ayudaron en las localizaciones, por supuesto, pero todos tenían sus propios trabajos diarios. Así que fue muy difícil manejar el rodaje únicamente por tres personas. Al mismo tiempo, hubo un sentido extremo de unidad entre nosotros. Tal vez esa es la razón por la que nunca he pensado en cambiar al cinematógrafo cuando filmo.

MysC: Después de ver tu película, estamos muy interesados en saber sobre tus proyectos futuros. ¿Nos podrías hablar de alguno de ellos?

RK: Filmé mi último proyecto de nuevo en Fukui, mi ciudad natal. El título es "Icchorai" (título en inglés: por determinar). Está en postproducción. Trata sobre un hombre que dirige una tienda de fideos Ramen en la calle comercial, que también apareció en "Roar". El hombre sueña con ir a Tokio, pero cuidar de su padre lo obliga a quedarse. No tiene más remedio que aferrarse al pasado. Aquí tenéis el teaser, así que por favor echadle un vistazo. Gracias. 

TEASER "Icchorai"

Sitges 2020: May the devil take you too (2020, Indonesia)

"Solo yo tengo el permiso para reclamar tu alma."

Director: Timo Tjahjanto.
Guion: Timo Tjahjanto.
Reparto: Chelsea Islan, Widika Sidmore, Baskara Mahendra, Hadijah Shahab.

El terror Indonesio a pegado muy fuerte este año en el Festival de Sitges, ofreciéndonos tres excelentes propuestas llenas de Folklore, terror y gore, remarcando así, el gran estado de salud actual que posee este género en su país. Frescura, mala leche y reinvención son las palabras que nos vienen a la mente después de ver lo que nos han ofrecido Timo Tjahjanto, Kimo stamboel y Joko Anwar con sus terroríficas producciones.

Hoy hablaremos sobre la segunda parte de la cañera May the devil take you (cinta que tenéis disponible en netflix) dirigida por el gran Timo Tjahjanto (The night come for us, Darah, Killers) y que para nosotros supera a su antecesora. Sin más dilación, comenzamos!
 

 

Dos años después de los hechos ocurridos con el cruel demonio, Alfie y Nara intentan seguir adelante con sus vidas, afrontando los traumas y miedos del pasado aun sufriendo por parte de Alfie terroríficas alucinaciones llegadas desde el mismísimo infierno. Desde las sombras, el poderoso demonio reclama las almas a toda costa. Sus vidas darán un giro de 180 grados cuando un grupo de jóvenes obliguen a Alfie a participar en un rito satánico con tal de liberar al ente que los atemoriza.

Timo Thjanto regresa con May the devil take you too al terror más puro y visceral, repitiendo y mejorando la fórmula que tan buenas críticas recibió con su primera parte. De nuevo nos adentra con maestría y desenfado en un vórtice de violencia sobrenatural repleto de homenajes a sagas tan conocidas como Evil dead, La maldición o incluso a El exorcista, pero siempre con ese respeto y buen gusto por los clásicos. 

El ritmo de la cinta es ágil como los demonios que persiguen a nuestras protagonistas, no dando ni un respiro al espectador y consiguiendo generar esa sensación de malestar e inquietud que tanto nos gusta a los fans del género. Una historia cañera y con muy mala leche.

A nivel técnico la cinta es excelente, posee una buena fotografía, banda sonora y un gran trabajo de cámaras como ya nos tiene acostumbrados el director. Tanto el maquillaje como los efectos especiales también están a un gran nivel, combinando a la perfección lo clásico con el CGI para alegrarnos la vista con todo tipo de posesiones sanguinarias y demás criaturas salidas desde el mismísimo infierno.
 

En el apartado interpretativo el film cumple con creces, pero sin llegar a ser una maravilla, Alfie está estupenda en el papel protagonista pero el elenco de secundarios es un tanto plano.

En definitiva, May the devil take you too es otra genial cinta que nos llega de la mano de Timo Tjahjanto, con su puesta en escena cañera y su ritmo endiablado no podemos hacer otra cosa que recomendarla a todos los fans del buen terror, especialmente del asiático.

Lo mejor: La puesta en escena y el terror visceral.
La ambientación y los efectos especiales.

Lo peor: No sorprende por su guion, si estáis buscando algo nuevo, esta no es vuestra película.
No poder tenerla en formato físico en nuestra colección de cine asiático. 

 

TRAILER

 

Sitges 2020: The Silencing (Canada/USA, 2020)

“Nunca dejaría que un animal sufriera”

Director: Robin Pront
Guion: Micah Ranum
Reparto: Nikolaj Coster-Waldau, Annabelle Wallis, Zahn McClarnon  

Rayburn (Nikolaj Coster-Waldau) es un solitario y amargado alcohólico que vive y cuida de su propio santuario para animales en Echo Falls, un frío pueblo al norte de Estados Unidos, desde que su hija desapareció. Cuando una adolescente aparece asesinada a orillas del río, los caminos de Rayburn y la sheriff Gustafson (Annabelle Wallis) se cruzarán, dando paso a un peligroso juego del gato y el ratón entre ellos y el asesino.

The Silencing es el segundo largo de Robin Pront, un frío y tenebroso thriller rodado con gran astucia y eficacia. Los puntos fuertes sin duda son un guion sólido, una fotografía espectacular y un reparto brillante.

El guion, a cargo de Micah Ranum, contiene todo lo que cabe esperar de un buen thriller policiaco: un asesino en serie desgarrador y visceral, un alma rota en busca de redención y una policía provincial que hace lo que puede bajo las circunstancias que se le presentan. Una mezcla ideal para presentar el thriller idílico. Ranum adorna a estos tres personajes con un cuarto, el bosque: frío, frondoso, grisáceo y tenebroso. Un bosque donde ningún cazador puede matar, donde todos los animales están a salvo de los humanos, usado, sin embargo, para cazar a chicas adolescentes.

Manuel Dacosse, director de fotografía, es el afortunado de transformar ese bosque en sombras y luces. Dacosse disfruta y hace disfrutar de los parajes recónditos, de la caza y de los pocos colores chillones que tiene el film.

A la cabeza del film encontramos a Nikolaj Coster-Waldau, apoteósico en su papel de padre alcohólico aletargado. El film se apoya en su carismática actuación para dejar que el espectador saboree todo lo que Coster-Waldau tiene que ofrecer. Sin olvidar a la grande Annabelle Wallis, la sheriff de Echo Falls, inmersa en sus propios demonios y demasiado ocupada para darse cuenta de lo que la rodea.

En definitiva, si os gustan los thrillers policiacos, The Silencing es el vuestro, no os defraudará.

Lo mejor: Nikolaj Coster-Waldau se crece en este papel.

Lo peor: No inventa nada nuevo.

Sitges 2020: Seven days war (Japón, 2019)

"30 años después de la guerra de los siete días, comienza una nueva guerra"

Director: Yūta Murano
Guion: Ichiro Okouchi
Reparto: Rie Miyazama, Takumi Kitamura, Kyôko Yoshine, Tatsuhisa

Si algo nos gusta del Festival de Sitges son las buenas propuestas de animación que nos ofrecen cada año. Variadas, de temática diferente y sobre todo que tenga algo de chispa que las hace únicas. Hoy hablaremos de Seven days war, una preciosa y emotiva cinta basada en la novela de mismo nombre escrita por Osamu Sôda y que bajo su simplicidad a simple vista esconde múltiples e interesantes capas sociales. Sin más dilación comenzamos.

Poco antes de comenzar las vacaciones de verano, el joven Mamoru descubre que su vecina y amor platónico Aya, va a mudarse por culpa de la carrera política de su padre. En un arrebato de valentía propone a Aya y a sus amigos a esconderse durante una semana y disfrutar de los últimos momentos que van a estar todos juntos. Todo se complicará cuando en la vieja fábrica se den cuenta de que realmente hay alguien más viviendo allí.

 

 

La cinta nos ofrece una agradable trama juvenil con todo lo que ello conlleva, pero profundizando en temas actuales bastante importantes como es la homosexualidad, las redes sociales o la perdida de la verdadera identidad por culpa (en este caso) de lo que quieren los adultos. La sociedad actual nos empuja a veces hacia la frialdad, la prisa y la falta de empatía, haciéndonos olvidar de valores realmente importantes para ser feliz, como es el amor, la amistad y el respeto hacia los demás. En Seven days war viviremos todo esto acompañando a nuestros maravillosos protagonistas en un viaje para encontrarse a sí mismos en una cinta agradable y valiente.

Una propuesta de duración comedida, de trama simple pero profunda que gracias a su eficaz construcción de personajes nos hará vibrar en más de una ocasión y endulzará nuestras pupilas con su vistosa animación. Poco más os queremos decir sobre esta maravillosa historia, simplemente que le deis una oportunidad, que disfrutéis de la vida y sobre todo seáis vosotros mismos. Enjoy!

 

 

En definitiva, Seven days war es una excelente historia sobre la amistad, el amor y de cómo la sociedad (especialmente la vida adulta) hacen muy difícil el descubrir quién eres en realidad en estos tiempos que nos tocan vivir. Una obra agradable que gustará a los que disfrutan del buen anime, especialmente a los que aman vivir. Love It!

Lo mejor: El elenco de protagonistas.
La maravillosa escena final.
La valentía con la que trata algunos temas.
Las referencias a la novela y a su Live-action.

Lo peor: Realmente nos ha gustado de principio a fin, no encontramos nada malo XD  

 

TRAILER

 

 

Sitges 2020: Beauty water (Corea del sur, 2020)

"El agua milagrosa que ofrece resultados de cirugía plástica aplicándose como un cosmético"

Director: Cho Kyung-hun
Guion: Lee Han-bin
Reparto: Moon Nam-sook, Jang Min-hyeok, Jo Hyeon-jeong, Kim Bo-young-II, Choi Seung-hoon

Cuando hablamos de animación (en especial sobre la que nos llega desde Asia) siempre nos viene a la cabeza Japón, pero más allá de la realidad existen otras cinematografías repletas de buenas producciones, por ejemplo las que nos llegan de China o Corea del Sur.

 

Desde el blog Mike y sus chinos, y sobre todo gracias a nuestra redactora Fayna (que nos deleita con muchísimas reseñas de animación de todos los países), queremos dar visibilidad a este tipo de animaciones que se salen fuera de lo que conocemos el público internacional.

 
El festival de Sitges siempre ha apostado por traernos alguna que otra obra de animación que se sale fuera de los cánones más comunes (The fake, King of Pigs, White snake). Hoy os hablaremos de la genial Beauty Water, un thriller de terror basado en el web toon de Oh Sung Dae que nos llega desde Corea del Sur y que hemos podido disfrutar en todo su esplendor en pantalla grande en la pasada edición del Sitges festival.

 

 

Yaeji es una joven que odia su vida, no le gusta su trabajo y además recibe menosprecio debido a su aspecto físico. Un buen día y por casualidad, descubre el nuevo y revolucionario producto de belleza Beauty Water, el cual promete que podrás esculpir tu propio cuerpo al gusto del consumidor. Yaeji sin dudarlo acepta y se dispone rápidamente a probar el tratamiento, sin saber el infierno que le tocará vivir a cambio.

Beauty Water es un excelente thriller que evoluciona hacia una obra de body horror puro donde la sensación de perturbación se apodera del espectador. Una cinta con un poderoso mensaje social sobre cómo la sociedad (en este caso la coreana pero que desgraciadamente es aplicable a cualquiera) puede despreciar a personas por no estar dentro de las características perfectas de esta cruel, ofensiva y perfeccionista manera de ver la normalidad. La cinta nos habla de la desesperación que produce la soledad al estar apartado de todas las cosas que la gente "normal" tiene derecho a hacer gracias a su físico o estatus social.  Un grito al cambio, pero también a que la gente abra los ojos sobre el infierno que pueden llegar a sufrir las personas a las que esta demoníaca soledad las persigue día y noche. Una injusticia que en la película, se correrá un reguero de sangre, muerte y desesperación.

Dejando a un lado todo el mensaje social, la cinta funciona muy bien como thriller de terror, combinando a la perfección las obsesiones de nuestra protagonista con el asesino en serie que acecha las frías noches de Seúl. Una mezcla exquisita que funciona bastante bien gracias a su elaborado y eficaz guion y que gustará tanto a los seguidores del buen thriller como del terror.

Beauty Water posee un buen elenco de personajes bien creados e implementados en la trama y que ayudan a que el mundo que quiere mostrarnos el director no está tan lejos de la realidad. La evolución y el cambio de nuestra protagonista es simplemente genial y nos muestra claramente el mimo con el que han querido mostrarnos esta oscura historia sobre la belleza superflua.

A nivel visual la cinta nos ofrece una animación en 3D (cell shading) muy cuidada, aunque quizás podríamos echarle en cara la captura de movimientos, siendo en general un tanto robóticos y poco naturales. No sabemos si esto es algo de diseño o simplemente una falta de presupuesto, pero claramente no empaña en absoluto la experiencia de este estupendo thriller coreano.

 

 

En definitiva, la ópera prima del director Cho Kyung-hun no podría ser mejor, un excelente thriller de terror que perturbará al público gracias a su puesta en escena y una trama digna del mejor body horror clásico. Si tenéis la oportunidad echadle un ojo.

Lo mejor: Su trama.
Una ambientación muy bien creada.
Un ritmo ágil acompañado de un montaje eficaz.

Lo peor: La captura de movimiento de los personajes es algo robótica.

 

TRAILER