SITGES 2025: Sham (Japón, 2025)

"Pequeño, no vales para nada, estarías mejor muerto"

Director: Takashi Miike
Guion: Hayashi Mori
Reparto: Gô Ayano, Kô Shibasaki, Kazuya Kamenashi, Fumino Kimura, Kaoru Kobayashi.

Takashi Miike sorprende con Sham, un drama judicial muy clásico que se aleja por completo del estilo desenfrenado al que nos tiene acostumbrados (o no). La película narra la historia de un niño, su madre y su profesor alrededor de un posible caso de acoso escolar.

 

Personalmente, este tipo de historias no suelen convencerme porque, en muchas ocasiones, presentan a un posible agresor como una víctima de una acusación falsa, cuando en la vida real normalmente ocurre lo contrario. Sin embargo, Sham aborda el tema con bastante objetividad y evita caer en ese enfoque.

 

Uno de los mayores aciertos de la cinta es que muestra los acontecimientos desde el punto de vista de cada uno de sus personajes. Cada versión aporta nuevos matices y permite comprender mejor una situación compleja en la que la verdad no resulta tan evidente como parece en un primer momento.

A nivel cinematográfico, Miike apuesta por un lenguaje muy clásico, Todo está narrado con sobriedad y sin artificios, dejando que la historia y las interpretaciones sean las protagonistas.

 

En definitiva, Una película muy recomendable para quienes estén dispuestos a descubrir la faceta más contenida y clásica de Takashi Miike y no esperen encontrarse con el director más salvaje y excéntrico de su filmografía.

Lo mejor 

Las interpretaciones 
Una historia interesante 

Lo peor 

Un Miike más contenido y clásico, esto no gustará a las seguidores más extremos del director 

TRAILER

 

SITGES 2025: Entrevistando a Yuriyan Retriever (Mag Mag) y al productor Takahashi Daisuke

 

En el pasado festival de Sitges tuvimos la oportunidad de entrevistar a la directora y al productor de la estupenda cinta de J-horror Mag Mag. Os dejamos a continuación con la divertida entrevista, enjoy!


Mike y sus chinos: Enhorabuena por Mag Mag. La película es de un género que me gusta muchísimo y la encontré muy original, aun teniendo toques clásicos. Me gustaría preguntaros qué tal está siendo la experiencia en el festival, tanto de organización como de público?

Yuriyan Retriever: Es la primera vez que vengo al festival. Estoy muy contenta y es un orgullo poder estar aquí. En cuanto al público, el ambiente en todo el pueblo de Sitges, es un ambiente cinéfilo. Por ejemplo, la premier mundial de esta película fue en Los Ángeles, y la reacción del público era risa y miedo. Pero el público de aquí, en Sitges, era básicamente risas, y en escenas más psicóticas o más chungas, entonces la gente se emocionaba más. Y esto me impresionó bastante.

MysC: Cómo nació la idea? ¿Cómo te inspiraste para crear esta historia?

YR: Profesionalmente, soy cómica en Japón. Hace 4 años me hicieron una entrevista en televisión. Me preguntaron que me gustaría hacer aparte de ser cómica. Y en plan de coña les dije me gustaba el cine y me gustaría hacer de directora. Esta entrevista la vio Takahashi Daisuke, mi productor. Y al día siguiente llamó a mi manager directamente y me ofreció hacer una película conjuntamente. A mí me gustan las películas de terror. Y el productor dijo, sí, sí, está bien, porque tu existencia, Yuriyan Retriever, ya es de terror (risas). Y a partir de aquí empezamos a trabajar juntos para este proyecto.

MysC: Me gustaría preguntarle a Daisuke cómo fue el proceso de crear Mag Mag, que es una película que tiene ese terror clásico, comedia e incluso un poco un tema social, sobre la mujer, el maltrato y las relaciones de amor.

Takahashi Daisuke: Tal como ha dicho Yuriyan, hace cuatro años vi en la televisión que le gustaría hacer una película como directora. Y ella es la cómica más famosa de Japón. Yo ya había trabajado en películas de género de terror, con Takashi Shimizu, y tuve muchas ganas de trabajar en otro proyecto con Yuriyan.

MysC: Yuriyan, en la proyección comentaste que la película va más allá de una historia de fantasmas, que ahonda en cosas que realmente son un problema en la sociedad, como lo que he comentado antes, o si eres diferente, tienes un cuerpo diferente, que la gente te haga bullying, o en las relaciones amorosas, cuando la otra parte al rechazar no sabe el daño que puede hacer. Eso se ve muy bien reflejado en la película. Quería preguntarte, ¿qué querías transmitir con esa mezcla? Qué querías transmitir al público con esta historia?

YR: Más que transmitir un mensaje, quería transmitir toda mi experiencia vital hasta ahora. Por ejemplo el modelo del fantasma en la película soy yo, también soy Sanae. Es un poco una venganza sobre mis vivencias.

MysC: Yuriyan, el reparto de protagonistas está muy bien. ¿Cómo fue el trabajar con el elenco de actores y actrices?

YR: Primero, para el personaje de Sanae, pensé en que quería hacerlo yo, protagonista y directora, pero entonces Daisuke comentó que quería a alguien más bonita. 

TD: Eso no lo recuerdo! (risas)

YR: Y entonces él propuso a Minami Sara, ha sido una actriz idónea porque tiene un fondo de terror. Hemos trabajado súper bien. Además me recordaba un poco a los personajes de cuando miraba las películas de terror de pequeña.

MysC: Qué fue lo más difícil y lo más divertido de rodar? 

YR: La parte más divertida fue trabajar con distintas personas a la vez, ya que una película es un conjunto de variedades artísticas comprimidas. Esto es una nueva experiencia ya que como cómica, pienso yo sola los gags, no cuento con otra gente. Esto es un descubrimiento, una nueva experiencia y ha sido divertido. Por el contrario, lo que más me ha costado es elegir lo que yo quería, y poder transmitirlo para que pudiera llegar a otra gente, a otro equipo, como directora.

MysC: Yuriyan, Daisuke, si tuvierais que definir Mag Mag con una sola palabra cual sería?

YR: Los amo! (Yuriyan dice esta frase en castellano)

TD: Los amo! (risas)

MysC: Tenéis alguna anécdota curiosa o surrealista del rodaje?

YR: En la escena del piso compartido que salen estos chicos jóvenes, al chico que Mag Mag le lame la cara, cuando terminó la escena, él empezó a vomitar. Y como el modelo en el que me basé para este personaje, Akihito, es mi expareja que odio, pensé, ¡qué bien! ¡Lo he conseguido!

 

MysC: Qué le dirías al público que todavía no ha visto tu película?

YR: Me gustaría que todas las generaciones vieran la película, niños, adultos y abuelos, y que piensen que hay una directora que ha debutado con esta película. También me gustaría que llegara a las manos de Steven Spielberg. Mag Mag no! La película eh?

Sitges 2025: The Curse (Japón, 2025)

 

"Las maldiciones son bastante reales, al menos aqui en Taiwán"

Director: Ken'ichi Ugana
Guion: Ken'ichi Ugana
Reparto: Yukino Kaizu, Yu Teng Yang, Mimi Shao, Shiho, Yutaka Kyan, Reika Oozeki, Mondo Otani, Hironobu Nomura y Yasukaze Motomiya.


Tras la misteriosa muerte de una amiga después de publicar una serie de inquietantes mensajes en redes sociales, Riko comienza a investigar lo que parece una simple tragedia. Sin embargo, cuanto más profundiza, más descubre la existencia de una antigua maldición que se propaga a través de Internet. Su búsqueda la llevará desde Japón hasta Taiwán, donde deberá enfrentarse a oscuros rituales, brujería ancestral y una fuerza sobrenatural que convierte cada publicación en una posible sentencia de muerte.

¡Qué buen rato nos ha hecho pasar la nueva propuesta del gamberro Ken'ichi Ugana! The Curse arranca como un J-Horror de corte clásico, pero poco a poco va dejando de tomarse en serio a sí misma para abrazar el desenfreno más absoluto. Tenemos maldiciones digitales, rituales, chamanes poseídos y alguna que otra muerte genial. Como amantes del buen horror japonés, da igual que estemos ante una gran producción o una cinta de bajo presupuesto, si la propuesta tiene personalidad, nosotros entramos de cabeza.

 

Quizá una de las cosas que más nos ha gustado es que, lejos de intentar mantener una falso tono serio, en su tramo final se lanza sin complejos hacia el caos más punk. Puede gustar más o menos, pero desde luego personalidad no le falta.

The Curse es una producción modesta, aunque no por ello menos disfrutable. Es una película que entretiene y consigue atraparte gracias a su espíritu gamberro, aun sabiendo que se le ven las costuras por todos los lados. Eso sí, en un festival como Sitges este tipo de producciones siempre encuentran un público dispuesto a perdonar sus limitaciones.

Tampoco destaca especialmente ni por sus interpretaciones ni por un guion demasiado original. Estamos ante una historia que ya hemos visto en numerosas ocasiones, pero que consigue diferenciarse cuando decide lanzarse a la locura en su tramo final, para bien o para mal.

 

En definitiva, The Curse es una cinta que recomendaríamos principalmente a los seguidores más acérrimos del terror japonés underground. Una de esas películas que se disfrutan mucho más viéndolas en compañía, dejándose llevar por su espíritu gamberro.

Lo mejor

Tiene varias escenas muy interesantes.
Su desenfreno en el tramo final.


Lo peor

Su bajo presupuesto puede echar para atrás a más de uno.
Las interpretaciones son bastante irregulares.
El guion resulta demasiado convencional durante buena parte del metraje.

TRAILER

SITGES 2025: DollHouse (Japón, 2025)

"Ella calmará mi dolor "

Director: Shinobu Yaguchi
Reparto: Masami Nagasawa, Kōji Seto, Tetsushi Tanaka, Ken Yasuda, Jun Fubuki, Totoka Honda y Aoi Ikemura.
Guion: Shinobu Yaguchi

Una familia intenta rehacer su vida después de una tragedia devastadora, pero todo cambia cuando una misteriosa muñeca entra en su hogar. Lo que al principio parece un simple objeto antiguo termina convirtiéndose en el centro de una inquietante serie de sucesos cada vez más perturbadores.

El bueno de Shinobu Yaguchi nos regala a los amantes del J-horror una cinta con aire clásico (sobre todo en su inicio), pero que a medida que avanza su perturbadora historia va dejando trazos de ese humor costumbrista tan característico de su filmografía.

 

Una historia que avanza lentamente, como buena cinta de terror japonés, pero que levanta el tempo gracias a sus curiosas escenas donde las yūrei malvadas y el humor hacen un cóctel muy característico. Todo el tema de la investigación está muy bien llevado, manteniendo la atención del espectador en todo momento gracias al trasfondo misterioso que rebosa Doll House.

Masami Nagasawa está increíble en su papel, sosteniendo el peso emocional de la historia con una interpretación muy convincente, transmitiendo el dolor, la angustia y la desesperación. Su actuación ayuda a que el componente sobrenatural resulte aún más inquietante y creíble.

 

En definitiva, Doll House es una propuesta que recupera la esencia del J-horror más clásico, pero sin renunciar a la personalidad de Yaguchi, ofreciendo una combinación de terror, misterio y pequeñas dosis de humor que ha nosotros nos ha funcionado a la perfección.

Lo mejor
La ambientación 
Masami Nagasawa
La esencia de J-Horror clásico que rebosa la cinta.

Lo peor 
Si no eres fan del género puede que te parezca un tanto lenta.

 

TRAILER

 

 

Sitges 2025: Blazing Fists (Japón, 2025)

“La rabia puede destruirte… o convertirte en alguien imposible de derribar”

Director: Takashi Miike
Guion: Shin Kibayashi (algunas bases de datos mencionan también a Yuya Aoki)
Reparto: Danhi Kinoshita, Kaname Yoshizawa, Gackt, Anna Tsuchiya, Wataru Ichinose y Nobuaki Kaneko.

 

 

 

 

 

 

 Un grupo de jóvenes problemáticos intenta encontrar su lugar en un entorno marcado por la violencia, la amistad y los códigos no escritos de la calle. Entre peleas, momentos de humor y conflictos personales, los protagonistas deberán decidir qué tipo de personas quieren ser… y hasta dónde están dispuestos a llegar.

 

Blazing Fists supone el regreso de Takashi Miike con una nueva producción que apuesta por el drama juvenil con toques de acción, y que, sinceramente, nos ha gustado bastante.

Estamos ante una cinta que se mueve más por las inquietudes de sus protagonistas que por ofrecer espectaculares escenas de acción al más puro estilo de la saga Crows Zero. De hecho, la película deja claro —gracias a varios cameos— que está ambientada en ese mismo universo, un guiño muy disfrutable para los fans.

Blazing Fists se cuece a fuego lento, con un equilibrio bastante acertado entre humor, drama y pequeñas dosis de acción. Poco a poco iremos empatizando con los personajes principales, pero también con los secundarios (mención especial para las madres de los protas, que dejan momentos bastante memorables).

A nivel visual, la cinta luce muy bien, con ese aire de live action macarra que tanto nos gusta y que Miike sabe manejar a la perfección. Todo esto acompañado por una banda sonora muy acertada que refuerza el tono juvenil y gamberro de la historia.

 

En definitiva, estamos ante una película que gustará a los amantes del drama juvenil y de las historias de delincuentes japoneses. Una propuesta muy disfrutable para pasar un buen rato sin complicaciones.

Lo mejor:
El dúo protagonista (muy buena química)
Su banda sonora
Los cameos del universo Crows


Lo peor:
No esperes acción non-stop
Una historia bastante juvenil que no conectará con todo el mundo

TRAILER

 

 

EL KWOON DE MEDIA TARDE: Charlando sobre BABANBA BANBAN VAMPIRE de Shinji Hamasaki

 

 

 

El Kwoon es un lugar de práctica y entrenamiento de las artes marciales chinas, aunque tiene muchas acepciones, incluida la de un lugar donde se realizan actividades culturales. En nuestro Kwoon de media tarde podrás venir cuando quieras a tomarte un té y charlar un rato sobre cine. 

 

 

 

 

 

 El Kwoon no es un podcast, no pretende ser un programa con secciones definidas o un guion preparado, el Kwoon es una charla a la salida del cine, una conversación en una cafetería, una llamada de Whatsapp improvisada que comienza con un “Hey ¿Cómo estas?” y no sabes como termina. El Kwoon tiene su sentido en la charla sin pretensiones, en el buen ambiente, en la pasión por el cine y en la participación y el feedback del directo.

Jorge Asiateca

Hablar de cine japonés suele ser sinónimo de hablar de live actions, y después de referirlo en el último Kwoon nos ha apetecido reirnos un rato con esta adaptación en donde un vampiro, que vive con una familia en unos baños públicos, hará lo imposible por preservar la virginidad de un chico al que pretende chuparle la sangre cuando cumpla los 18. Loquísimo todo.

En el Kwoon de media tarde hablamos de todo tipo de cine asiático en directo, para pasar el rato con lo que más nos gusta.

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Sitges 2025: MagMag (Japón,2025)

“Los amo”

 
Directora: Yuriyan Retriever
Guion: Yuriyan Retriever, Kana Matsumoto
Reparto: Yuriyan Retriever, Rena Takeda, Eiji Okuda

Después de que su amado sea asesinado por el espíritu Mag Mag, la protagonista, Sanae, jura vengarse. Sin embargo, a medida que se adentra en la búsqueda de justicia, descubre que la verdadera identidad de la persona a la que realmente debe enfrentar no es quien ella esperaba.

 

 

La ópera prima de Yuriyan Retriever en la dirección no podría estar mejor. Mag Mag no busca asustar al estilo clásico (aunque en su primera parte y sobretodo en esencia adopte la forma del J-horror tradicional) no es la típica historia de yūreis, sino una película que busca incomodar y provocar. Una mezcla genial de terror y momentos absurdos.

 

Retriever, más conocida por su faceta cómica (es toda una idol en su país), usa el humor de una manera eficaz y muy bien implementada, con una puesta en escena que por momentos roza lo teatral, como si de una sucesión de gags se tratase. 

 

 Mag Mag funciona como crítica a la superficialidad y a la obsesión por destacar en una sociedad vacía y cruel, además de leerse como una venganza contra los hombres que la hirieron en su pasado (algo que podréis leer en la entrevista que le hicimos en el festival de Sitges)

En definitiva, Mag Mag no es para todos, pero si disfrutas del J-horror, del cine sin complejos y con un potente mensaje sobre el maltrato y el abuso, esta es tu película.


Lo mejor

-Su mezcla de géneros funciona a la perfección.
-Una historia que engancha de principio a fin.
-Los ruiditos que hace MagMag antes de atacar.


Lo peor

-Que esté inspirada en la vida de la directora, entristece pensar por lo que tuvo que pasar en el pasado.

-Es probable que la cinta no llegue a estrenarse fuera del circuito de festivales.

TRAILER

 

 

Sitges 2025: Entrevistando a Yûta Shimotsu director de New Group

 

Mike y sus Chinos: Empezar por darle la enhorabuena por su película. Qué tal está siendo la experiencia en el festival, tanto de público como de organización?

Yûta Shimotsu: Como creador de la película, estoy muy contento de poder estar aquí, porque la reacción del público es muy interesante. Donde hay risas, la gente ríe. Y donde hay que reaccionar, reaccionan. Antes de venir a Sitges, estuve en distintos festivales en Asia, pero la reacción es más contenida. Y en cambio, aquí es muy divertido. También estoy muy contento porque hace dos años estuve con otra película, y el mismo público ha venido otra vez.

MysC: Vemos que New Group tiene un concepto impactante en el desarrollo de la acción y lo que ocurre. Cómo llega la idea de hacer esta película?

YS: En primer lugar, leí el libro “La sociedad social”. En el libro dice que está formada por distintos grupos, la familia, la escuela, la empresa, el país... Y me di cuenta de que el comportamiento grupal podía tratarse como terror. Por ejemplo, los zombis, que es como un grupo sin ley, esto da miedo, pero también grupos ordenados, estrictos, y que tienen forma de secta, pues también da miedo. En el libro, se comenta que hay un problema social en Japón. En Japón, la presión de la opinión, la posibilidad de atraer la atención de la gente, resulta en que hay muchas personas que se han quedado sin pensar en sus propias ideas porque pertenecen al mismo grupo. Y en el libro, dice que hay que levantarse y pensar por ti mismo.

MysC: La siguiente pregunta ya me la has respondido un poco, ¿querías transmitir ese mensaje? Porque realmente, no solamente en Japón, sino yo creo que es un problema mundial que la gente sigue una idea o sigue algo y van, como comentas, un poco como zombies.

YS: Cuando estuve estudiando “La Sociedad Social” me di cuenta que en occidente dentro del grupo hay gente que quiere destacar, predomina el individualismo. En cambio en Asia, sobre todo en Japón, hay colectivismo, la gente se siente bien en el grupo sin tener que pensar en nada. 

Después de la Segunda Guerra Mundial, en Japón, la gente tiene alergia a hablar sobre economía, dinero, religión y política. Creo que es debido a la mala educación que se ha aplicado después de la Segunda Guerra Mundial.

MysC: Aparte del libro, en qué te inspiraste visual o narrativamente durante el proceso?

YS: Cuando estamos hablando de un grupo ordenado, es semejante a una pirámide humana. En la pirámide humana, si falla alguien, se cae. Esto tiene una cierta comparación con la jerarquía humana.

MysC: Nos han gustado mucho las actrices actores principales. Como fue la experiencia con el reparto?

YS: Los protagonistas se llaman I (Ai) y U (You). Y esto es un juego de palabras I de yo y U de tú. Esto quiere simbolizar nuestra historia. Así que elegí a alguien muy común. Los personajes son personajes cotidianos que nos podemos encontrar en cualquier sitio.

MysC: Hubo alguna escena especialmente difícil o divertida de rodar?

YS: Lo que ha sido más difícil, es que el rodaje duró únicamente 2 semanas (13 días) y rodar la pirámide humana. 

MysC: Si tuvieras que definir la película en una sola palabra, ¿cuál sería?

YS: Pues, despierta o abre los ojos.

 

MysC: Tienes alguna anécdota surrealista o curiosa del rodaje?

YS: El día 3 o 4, caí enfermo, pero me recuperé con la fuerza del grupo. También hay muchas escenas con movimientos grupales, esto ha sido posible gracias a la colaboración de la Universidad de Gimnasia de Japón. Los alumnos de esta universidad les han enseñado los movimientos. 
Con la película no estoy diciendo que esté en contra de los grupos, si no que la gente que está en esos grupos despierte y piense por si misma. 

MysC: Y la última pregunta. Qué le dirías al público que todavía no ha visto tu película?

YS: Es una película muy extraña. Pero seguramente la gente que la vea y le guste es que son un poco raros también (risas). Vamos a gritar todos juntos PO!

Sitges 2025: Entrevistando a Genki Kawamura director de Exit 8

Estuvimos entrevistando a Genki Kawamura director de la interesante cinta japonesa Exit 8 junto a los amigos de MagaZinema en el pasado festival de Sitges. 

Os advertimos que la entrevista contiene spoilers. 

 

Mike y sus Chinos: ¿Qué tal está siendo la experiencia en el festival con el público y con la organización?

Genki Kawamura: Es un festival con un público muy fanático del cine y estoy súper contento de poder estar aquí. Con mi película debut, A hundred Flowers, gané la Concha de Plata en San Sebastián, y espero que obtenga buenas noticias aquí también en Sitges. 

 

MagaZinema ¿Cómo ha sido el proceso de adaptación de un videojuego que es bastante famoso, sobre todo entre el público muy joven, a la pantalla, teniendo en cuenta que se ha respetado muchísimo el videojuego en sí?

Gk: En este caso, en el videojuego no existe ninguna historia. He tenido que crear una historia nueva y esto me ha servido como experiencia profesional como novelista. 

Normalmente la adaptación de videojuegos al cine acaba fracasando. Lo que he querido hacer es crear un espacio entre videojuego y cine, y al crear este espacio, crear también una nueva experiencia para mí.
 

Mysc: ¿Qué buscabas al elegir a los actores principales? ¿Y qué tal fue la experiencia con el reparto?
 

Gk: Ninomiya (el hombre perdido) es un buen actor para no mostrar sus sentimientos, es un actor que puede funcionar como NPC (non-player character). Le di instrucciones para que fuera un actor pero a la vez un test player de este videojuego. El guion es la programación
del juego. Y si fallaba alguna cosa hacíamos un debug, reescribíamos el guion y volvíamos a grabar.

 

 

Mysc: ¿Hay algún motivo por el que no le hayas dado nombre a ninguno de los personajes?
 

Gk: Porque todos los personajes son NPC players. Son una metáfora de todos los que vivimos en un bucle durante nuestra vida. Todo el mundo creía que era un NPC, así que pensé que no necesitaba nombre. El señor que va andando en la película no es CGI, pero está interpretado por una persona real que se llama Kochi Yamato. Le di instrucciones para que sus movimientos fueran como de CGI e IA.
 

Mza: Sobre el bucle que estamos hablando, se repite un grabado del artista holandés Escher. Se introdujo desde el guion en el videojuego?
 

Gk: En el videojuego no está el póster. He introducido elementos artísticos como la música de Bolero (de Ravel) o a Escher para para explicar el espacio. Utilizo estos elementos para poder explicar el espacio de la espiritualidad y el bucle sin explicarlo verbalmente.
 

Mza: Escher no es conocido en Europa si no estudias arte, así que es una referencia compleja de reconocer. Como has manejado que se entienda la limitación del plano?
 

Por supuesto me gusta la pintura de Escher y a través del proyecto he conocido el Bolero (de Ravel). Creo que en un espacio como el cine existen los críticos de Cannes, pero también pueden venir niños pequeños. He creado en este espacio un lugar para la coexistencia de distintas edades y caracteres de las personas, esto es lo que más quería y lo más óptimo.
 

Mysc: Técnicamente, el trabajo de cámaras me ha parecido muy lucido, muy trabajado. ¿Cómo se organizó todo ese proceso?

Gk: Las instrucciones que le di al cámara es que él tenía que grabar como si fuera un rendering de un videojuego. Evidentemente los personajes son importantes pero también di instrucciones de que el pasillo es un personaje más. También el cartel de salida número 8,
que va apareciendo varias veces, es importante, ya que esto podría ser como un personaje divino, un dios, un demonio, etc.

Mza: Sobre el personaje del niño, él parece ser el más observador de todos. ¿Se busca la diferenciación como observan y se mueven los niños a los adultos?
 

Gk: En el momento de crear la película estuve observando y analizando cómo jugaban los jugadores de este videojuego, las reacciones, porque cada jugador tiene su estilo, su vida, y todas son distintas en cada persona. Y observé que cuando jugaba el niño era distinto, las reacciones eran distintas de cuando jugaban los adultos. Y de alguna forma quería marcar esta diferencia entre hombres adultos y niños. Y los pequeños, quizás, cuando nacen, pues tienen una mirada más pura, más inocente.

 

 

Mysc: ¿Nos explicas alguna anécdota curiosa, divertida o surrealista que te haya pasado durante el rodaje?
 

Gk: Se rodó en un espacio tan único, tan solo una localización que no sabía dónde estaba, o qué hacía. Básicamente me perdía. Entonces pusimos nombres a las partes del pasillo. Esta parte es Kubrick, esta parte es Hitchcock.
 

 

 

 

Mza: ¿Cuánto tiempo crees que te hubiese llevado salir de ese laberinto? Creo que yo no saldría en mucho tiempo.
 

Gk: Creo que yo tampoco saldría en mucho tiempo. Creo que empezaría a grabar un documental con mi smartphone.
 

Mysc: ¿Cómo definiría su película en una sola palabra?
 

Gk: Nueva experiencia. Creo que la relación entre el juego y la película es muy ambigua. Es un espacio nuevo entre el juego y el cine, entre el CGI y la IA y lo real. Así que nueva experiencia.
 

Mza: En la última escena de la película el protagonista sale del bucle y vuelve a su día a día, justo donde había bajado del metro, se reinicia. Se busca un final abierto?
 

Gk: Mi deseo es que el personaje se mueva hacia el futuro, que no quede en el bucle.

Sitges 2025: Labyrinth (Japón, 2025)

"Ahora estás atrapada en este laberinto"
 

Director: Shōji Kawamori
Guion: Taichi Hashimoto
Diseño de personajes: Risa Ebata
Reparto: Suzuka, Taizō Harada, Takuto Teranishi, Show Hayami, Aoi Itō, Jun Saito, Maaya Sakamoto, Tomokazu Sugita

Shiori es una joven estudiante obsesionada con convertirse en una estrella en las redes sociales. Pero todo cambiará cuando la pantalla de su smartphone se agriete y una versión digital de ella misma, SHIORI, consiga escapar del mundo virtual y ocupar su lugar en el mundo real.

Mientras su doble comienza a convertirse en una auténtica estrella de Internet, Shiori queda atrapada dentro de su propio teléfono, en un extraño universo digital poblado por personajes y criaturas de lo más peculiares. Allí conocerá a Komori, un misterioso hombre con aspecto de conejo que la ayudará a recorrer un laberinto cibernético en busca de una salida que le permita recuperar su vida.


El creador de Macross nos regala una propuesta tan extraña como fascinante, que mezcla ciencia ficción, aventura, fantasía y una buena dosis de crítica al mundo de las redes sociales.

 

Labyrinth nos mete literalmente dentro de un smartphone para construir un universo digital absolutamente delirante, lleno de colores, criaturas imposibles y situaciones que parecen sacadas de una pesadilla tecnológica. Una auténtica locura visual que funciona especialmente bien cuando la película se deja llevar y nos introduce cada vez más en este particular laberinto.

Pero detrás de toda esta explosión visual hay una historia bastante más interesante de lo que puede parecer a simple vista. Kawamori utiliza el mundo virtual para hablar de nuestra obsesión por las redes sociales, de la necesidad constante de conseguir aprobación y de esa búsqueda enfermiza de convertirnos en una versión perfecta de nosotros mismos para los demás. Con todo el peligro que eso conlleva.

La protagonista tendrá que enfrentarse literalmente a su propio reflejo digital, mientras descubre que detrás de los likes, los seguidores y la fama también existe un vacío enorme. Una idea que puede parecer sencilla, pero que la película lleva a terrenos bastante más oscuros y perturbadores.

Visualmente Labyrinth es espectacular. La animación 3D de SANZIGEN consigue crear un mundo digital muy original, con diseños de personajes y escenarios que se alejan bastante de la animación japonesa más convencional. Kawamori vuelve a demostrar su enorme imaginación para construir mundos imposibles y, especialmente, para combinar espectáculo y ciencia ficción con una estética muy marcada.

A nivel sonoro, la música tiene un peso importante dentro de la película, algo que tampoco sorprende viniendo del responsable de Macross. La presencia de de nuestra querida Suzuka, integrante de la girl band Atarashii Gakko!, aporta un componente musical que encaja perfectamente con la historia y con esa obsesión por convertirse en una estrella.

 

 

No estamos ante una producción que quiera ponértelo todo fácil, sino ante una experiencia que te invita a perderte junto a Shiori dentro de este extraño universo digital.

En definitiva, Labyrinth es una cinta visualmente espectacular y con un transfondo bastante más oscuro de lo que aparenta. Una aventura de ciencia ficción que utiliza los mundos virtuales, las redes sociales y la obsesión por la fama para hablarnos de algo tan humano como la necesidad de sentirnos aceptados.

Lo mejor

Visualmente apabullante 
Suzuka pone la voz a la protagonista 

Lo peor

Una historia que aunque su mensaje queda claro, puede llegar a parecer un tanto extraña para el público en general

 

TRAILER 

 

 

Swimming in a sand pool (Japon, 2024)

 

"Yo tampoco quiero trabajar cuando tengo el periodo"

 

Director: Nobuhiro Yamashita
Guion: Yumuka Nakada
Reparto: Sakiaki Hamao, Reia Nakayoshi, Mikuri Kiyota

Cuatro chicas adolescentes son obligadas a limpiar la piscina del instituto, que lleva tiempo vacía y cubierta de arena por culpa del equipo de béisbol. Lo que empieza como una tarea absurda y repetitiva se convierte en el escenario perfecto para que hablen de lo que realmente sienten, sus miedos, sus frustraciones, sus dudas y sobre el futuro y la presión de crecer demasiado rápido.

 

La piscina funciona como un espacio simbólico, vacía, silenciosa y llena de arena, igual que las inseguridades que cada una guarda en interior. No hay grandes giros de guion ni explosiones dramáticas. La historia se centra en ese momento delicado entre adolescencia y adultez, donde todo es frágil, intenso y lleno de incertidumbre, como si la vida fuera un libro en blanco a punto de escribirse.

Swimming in a Sand Pool es cine minimalista cargado de sentimientos y emociones, un retrato costumbrista donde Yamashita vuelve a demostrar que sabe transformar lo simple en algo profundamente humano. Los personajes, aparentemente sencillos, están construidos con una honestidad que les da una sorprendente profundidad. Las actrices protagonistas lo llevan todo con naturalidad, atrapando al espectador en esta conversación íntima sobre lo que significa crecer.

 

En definitiva, Swimming in a sand pool no es una película para cualquiera. Su tempo pausado y la ausencia de giros narrativos pueden aburrir a quienes buscan más acción. Pero si entras en el juego, lo que encuentras es una cinta honesta, delicada y hasta bonita, capaz de devolverte por un rato a esos años de adolescencia en los que todo parecía posible y a la vez aterrador.

 

Lo mejor

- El reparto, simplemente espectacular

- Una historia agradable, sencilla pero bastante profunda 

 

Lo peor

- Una película sin giros de guion ni tramas espectaculares

- Si el tema de la adolescencia no te interesa esta película no es para ti  

TRAILER 

 

 

Let´s Go Karaoke (2024, Japón)

"¿Vamos al karaoke?"

Director: Nobuhiro Yamashita
Guion: Akiko Nogi
Reparto: Go Ayano, Jun Saito, Kazuki Kitamura, Kyoko Yoshine, Kyosuke Yabe

Un yakuza desesperado por mejorar su técnica en el karaoke decide pedir ayuda a un joven cantante de un coro escolar, ya que sin su apoyo no podrá conseguir el primer puesto en el concurso anual que organiza su jefe. El problema es que, si pierde, como castigo su jefe les tatúa diseños horribles en partes visibles del cuerpo.

Let´s go Karaoke! es una propuesta bonita, divertida y sencilla, que retrata con encanto el renacer de la adolescencia bajo la dirección del gran Nobuhiro Yamashita. Cine casi costumbrista con toques de humor delirante y alguna pincelada de drama, vamos, como la vida misma. Una cinta agradable y, a veces pausada, que juega con el carisma de sus dos personajes para llegarte al corazón con momentos realmente conmovedores.

 

 La dirección de Yamashita, como ya nos tiene acostumbrados, es excelente, pausada y ligera, llena de planos silenciosos de los protagonistas que aportan mucha más profundidad que unas cuantas líneas de guion. Go Ayano y Jin Saito están fantásticos en sus roles principales, te atrapan con sus situaciones, miradas y conversaciones, pero sobre todo con una química increíble que rebosa calidez.

 

En definitiva, Nobuhiro Yamashita consigue sacarnos una sonrisa y alegrarnos el día con esta película. Cine de buen rollo, sin malicia y tremendamente bien rodado. Una agradable sorpresa.

Lo mejor

-Todo lo relacionado con el karaoke.
-Los dos protagonistas, opuestos, pero perfectamente complementarios.
-Una feel good movie de principio a fin.


Lo peor

-Difícilmente podrá verse fuera de festivales (aunque siempre queda la opción de la importación).

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EL KWOON DE MEDIA TARDE: Charlando sobre BULLET TRAIN EXPLOSION de Shinji Higuchi

El Kwoon es un lugar de práctica y entrenamiento de las artes marciales chinas, aunque tiene muchas acepciones, incluida la de un lugar donde se realizan actividades culturales. En nuestro Kwoon de media tarde podrás venir cuando quieras a tomarte un té y charlar un rato sobre cine. 

El Kwoon no es un podcast, no pretende ser un programa con secciones definidas o un guion preparado, el Kwoon es una charla a la salida del cine, una conversación en una cafetería, una llamada de Whatsapp improvisada que comienza con un “Hey ¿Cómo estas?” y no sabes como termina. El Kwoon tiene su sentido en la charla sin pretensiones, en el buen ambiente, en la pasión por el cine y en la participación y el feedback del directo.

Jorge Asiateca

Seguimos con películas recientemente añadidas a Netflix y este domingo viajamos a Japón para ver BULLET TRAIN EXPLOSION del siempre interesante Shinji Higuchi, revisión de la película de 1975 protagonizada por Ken Takakura.

 

En el Kwoon de media tarde hablamos de todo tipo de cine asiático en directo, para pasar el rato con lo que más nos gusta.

PROGRAMA

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Sitges 2024: Cloud (Japón, 2024)

 "Así es como vas al infierno"

Director: Kiyoshi Kurosawa
Guion: Kiyoshi kurosawa
Reparto: Masaki Suda, Daiken Okudaira, Kotone Furukawa

Ryosuke Yoshii es un trabajador de una fábrica aparentemente normal, aunque tiene un trabajo de horario completo, por las noches se dedica a la venta online de todo tipo de productos. Después de una beneficiosa venta y de rechazar un aumento en la fábrica, él y su novia deciden dejarlo todo e irse a vivir a la montaña para dedicarse al cien por cien a la venta online. A partir de este momento las cosas en la casa se volverán un poco extrañas al sentir una presencia que los acecha.

 

 ¿Habrá valido la pena dejarlo todo por conseguir algo más de dinero?

Kiyoshi kurosawa nos vuelve a incomodar con una perturbadora historia está vez sobre vendedores online, de esos que compran barato y venden caro. Un claro reflejo de los peligros de internet y como los pecados más escondidos pueden regresar para acabar contigo.

 

 

Estamos ante una cinta que recuerda mucho a algunas producciones de cine de los noventa japones. Cruda directa pero también con ritmo pausado que se toma su tiempo para crear a los personajes y sus inquietudes. Cloud es el claro reflejo de como el dinero y la avaricia puede llevarte por senderos tenebrosos de los cuales quizás no regreses.

El reparto esta muy bien en sus roles principales tanto como en los secundarios dotando a la cinta de una carga dramática bastante interesante. Algo que siempre nos gusta del cine de Kurosawa es el reflejo social de la cultura japonesa que tienen algunos de sus filmes  y como expone muchos de sus problemas de una manera casi costumbrista.

 

 

En definitiva, estamos ante una cinta que va de menos a más con una escalada lenta pero lógica hasta llegar al clímax final. Kiyoshi kurosawa demuestra una vez más que sabe crear ambientes perturbadores en la vida cotidiana y mostrando los horrores que nos pueden afectar en el día a día. Love it!

Lo mejor: Su guion
Una cinta cruda y que evoluciona por momentos
Su elenco protagonista
La maestría con la que el director gestiona la tensión

Lo peor: Su ritmo puede no gustar a todo el mundo

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