Sitges 2018: Fortress of skulls (Japón, 2018)

"Soy el legendario vagabundo Sutenosuke"

Director: Hidenori Inoue
Guion: Kazuki Nakashima
Reparto: Kenichi Matsuyama, Osamu Mukai, Rena Tanaka, Jun Hashimoto, Takaya Yamauchi, Yukino Kishii, Katsuhisa Namase.

A principios de 1590, después de la muerte Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi se hizo con el poder absoluto. Un misterioso rebelde llamado "Tenmao" estaba consiguiendo popularidad para iniciar una guerra civil con sus "Skulls corps". Un buen día en las llanuras orientales, un grupo de maleantes y un vagabundo llamado Sutenosuke salvan de la manos de los Skulls corps a una solitaria chica llamada Sagiri. Herida de gravedad es llevada a un burdel en el pequeño pueblo de Mikami, que sirve de ciudad de paso entre la capital y las llanuras orientales. Todo se complicará cuando varios personajes aparezcan en la pequeña villa.

Hace ya algunos unos años que el Festival de Sitges nos viene sorprendiendo con producciones arriesgadas y muy originales dentro de la sección noves Visions. Hoy hablaremos de Fortress of Skulls, una obra de teatro grabada en directo con un laborioso montaje de cámaras. Gekixcine es la productora que hace esto realidad, y nos deleita con una cinta brillante, épica y divertida, manteniendo y respetando la esencia del teatro clásico en su alma.

Una obra que sorprende por su abrumadora producción, cuidada al máximo y con un nivel de detalle milimétrico. Fortress of Skulls es una obra en la que hay miles de espectadores en la sala, y que posee un escenario giratorio de 360 grados para no perderse detalle alguno. Tiene que ser toda una experiencia disfrutarla en directo. Gracias al festival de Sitges pudimos deleitarnos con una adaptación cinematográfica del director Takuji Izumi al cual entrevistamos en la pasada edición del festival (link a la entrevista).

El filme cuenta con una historia muy bien equilibrada, que viaja desde la épica al drama, pasando por la comedia más infantil hasta llegar a fantásticos combates de espadas perfectamente coreografiados. Una cinta que rebosa aventuras y genialidad en sus dos horas y media de metraje, dejándonos maravillados con sus asombrosos decorados y efectos visuales sin ningún tipo de CGI. Toda esta artesanía visual la aporta el teatro, consiguiendo una experiencia única y muy gratificante.

A nivel interpretativo la cinta es excelente y cuenta con un gran número de actores y extras, personajes carismáticos forjados con maestría.

A nivel sonoro Fortress of Skulls es brutal, mezclando una banda sonora clásica junto con temas de Jrock cañero que hará que se nos pongan los pelos de punta en más de una ocasión.

En definitiva, Fortress of Skulls es el claro ejemplo de que una fusión funciona, llevando a las salas de cine la esencia del teatro clásico, y reforzándola con lo mejor del celuloide. Una producción recomendada para todos aquellos que les guste el cine de acción y el de aventuras. Imprescindible.

Lo mejor: Su acción, decorados y vestuarios.
El genial elenco protagonista.

Lo peor: Su duración puede llegar a cansar a más de un espectador.
De momento no hay planes de editarlas en occidente en formato físico.

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Sitges 2018: Buybust (Filipinas, 2018)

"¿Donde está Biggie Chen? contesta! "

Director: Erik Matti
Guion: Erik Matti, Anton C. Santamaria.
Reparto: Anne Curtis, Brandon Vera, Victor Neri, Arjo Atayde, Levi Ignacio, Alex calleja.

Un comando especial antidrogas recibe un chivatazo sobre el jefe de la mafia, Beggie Chen. Automáticamente montan una redada en la localización indicada, un peligroso barrio de chabolas de Manila. Una zona laberíntica en el que el más mínimo error podría desencadenar una masacre. Todo parece marchar sobre ruedas, pero algo sale mal. Al parecer hay un topo que los ha delatado. A partir de aquí quedan encerrados en este cruel  distrito perseguidos por una infinidad de delincuentes. ¿Podrán salir con vida? ¿Quien es el tipo que los delató?

Erik Matti es uno de los directores más importantes de Filipinas en la actualidad. Su cine pasa por muchos géneros, en especial el terror y el cine negro, aunque sus últimas películas han ido evolucionando hacia la crítica social de una manera bastante directa. Hoy hablaremos de su última producción, Buybust, estrenada en Sitges y añadida recientemente al catálogo de Netflix.

Buybust es un violento thriller policíaco, una cinta de ritmo frenético repleta de acción y muertes por doquier. Un laberíntico survival donde sólo los más fuertes sobrevivirán a esta cruel cacería.

Estamos ante una cinta sucia y cruda, de fotografía poco colorista y algo decadente, donde no hay tiempo para el drama, y eso es algo que se agradece, ya que hubiera entorpecido la dinámica del film.

Nos encanta el manejo de Matti en las cámaras, multitud de planos hacen que no nos perdamos detalle, metiéndonos directamente en la acción casi en primera persona, generando tensión al espectador de una manera eficaz y continúa.

La banda sonora es una maravilla, temas con aire de western acompañan a nuestros protagonistas en este viaje a los infiernos, en donde el punk rock y el hard-core suenan en los momentos más caóticos. Como siempre Matti le da mucha importancia a la música en sus producciones, lo cual realza algunas escenas hasta el éxtasis.

El reparto es uno de los puntos fuertes de la cinta, encabezado por una maravillosa Anne Curtis, que nos regala una gran actuación junto a Brandon Vera y el resto del equipo.

Sonny Sison y Marol Adelan Eugenio hacen un notable trabajo dirigiendo la acción de Buybust, en especial la parte balística, donde los tiroteos y las explosiones se combinan con unas violentas escenas cuerpo a cuerpo. El arte marcial filipino Kali, cobra fuerza en esta producción, con unas coreografías a veces un tanto lentas y no tan cinematográficas pero que funcionan como desgaste del espectador, por su pesadez y violencia continua. Anne Curtis demuestra ser una perfecta heroína, saltando, disparando y rompiendo todos los huesos posibles de los narcos. Love it!

En definitiva, estamos ante una eficaz cinta de acción, y demuestra que el cine filipino poco a poco se acerca a las grandes producciones. Buybust no es perfecta y no revolucionará el género de acción, pero Matti hace un gran esfuerzo para conseguirlo.

Lo mejor: Una cinta de acción sin concesiones, violenta y cruda.
El dúo Anne Curtis y Brandon Vera.
La banda sonora.

Lo peor: Compararla con The raid.
Las escenas de acción no son perfectas, son lentas y a veces surrealistas. 

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Sitges 2018: Entrevistando a Takuji Izumi

A continuación os dejamos con la breve entrevista a Takuji Izumi director de Fortress of Skulls en el Festival de Sitges. Nos hablará un poco de la maravillosa fusión entre el teatro y el cine y de cómo se monta este complicado tinglado de samurais y espadas por doquier.

Mike y sus Chinos: Enhorabuena por tu película y bienvenido al festival por segunda vez. No sé si te quedaste a toda la sesión en el teatro Prado, pero en varias ocasiones hubo aplausos y una ovación al finalizar el pase. ¿Qué te parece el ambiente del festival?

Takuji Izumi: Muchas gracias, es todo un honor ver al público tan entregado con Fortress of Skulls. El festival de Sitges es un lugar que recibe mucha energía, ya que normalmente el público japonés es mucho más calmado y reservado. Aquí la gente muestra más emoción, ríen y aplauden y eso es lo que me fascina del festival.

MysC: ¿Porqué decides hacer este  proyecto?

TI: Cuando hablamos de teatro vemos que es un sitio cerrado y bastante limitado. Mi idea es llevar el teatro al mundo cinematográfico y que pueda verse por todo el mundo.
Mi formación viene del cine, por eso quería ver el teatro desde mi punto de vista, con diferentes planos y secuencias para poder disfrutar la obra en una sala de cine.

MysC: Viendo esta interesante fusión del teatro con el cine ¿Cómo es la producción y preparación de todo esto?

TI: La producción de teatro es lo principal, no hay casi producción de la parte cinematográfica, cogemos las cámaras y grabamos absolutamente todo sin molestar a los actores que están interpretando la historia. Básicamente lo que he hecho a sido grabar una producción teatral para luego montarla en formato película.
Fortress of Skulls es una obra de teatro donde hay público, unas mil trescientas personas aproximadamente, grabamos sus dos actos completos sin ningún corte, durante la mañana y la tarde. Más adelante con todo el material se hace el montaje de la película.

MysC: Sorprende la variedad y espectacularidad de los planos. ¿Como se coordina este monumental trabajo de cámaras?

TI:  Se hace una pre-producción de una o dos semanas con las 20 cámaras que se han utilizado para Fortress of Skulls, esto sirve para conocer bien el equipo, sus funciones y características técnicas principales, así como la colocación de cada una de ellas.

MysC: Para nosotros el formato GEKIxCINE es algo novedoso y sorprendente ¿podrías explicarnos un poco la historia y sus orígenes?

TI: Fui el primero en grabar una obra de teatro con cámara. Desde el año 2003 he grabado unas 17 películas en este mismo formato. En Japón tampoco es muy común este tipo de producciones, es algo nuevo.

MysC: Después de la maravillosa y épica experiencia viendo Fortress of Skulls, queríamos preguntarte por proyectos futuros. ¿Tienes alguno en mente?

TI: Seguiré haciendo este tipo de películas y me encantaría volver el año que viene (risas). Tengo en marcha dos o tres proyectos de GEKIxCINE.

MysC: ¿Has pensado alguna vez rodar una película en formato clásico?

TI: En Japón los presupuestos para hacer una película son muy bajos en comparación a otros países, por ese motivo es difícil dar el salto al formato convencional.

MysC: Muchas gracias por tu tiempo, esperemos que el año que viene regreses con otra genial producción.

TI: Gracias a vosotros.

 

http://www.geki-cine.jp/en/

Sitges 2018: Entrevistando a Khavn de la cruz

Khavn de la cruz es una interesante figura del arte en Filipinas, es poeta, director, escritor, pianista, cantante y compositor. También es el creador y director del festival de cine, música y literatura .MOV. Puede presumir de ser el padre del cine digital en su país, con más de 47 películas y cientos de cortos en su currículum.
Tuvimos la suerte de hablar un rato con él. Un gran tipo.

Mike y sus Chinos: Bienvenido al Festival, ¿Qué te parece el ambiente y el público de Sitges?

Khavn de la cruz: Pues no puedo decirte demasiado porque llegué hace dos días y con la lluvia no hemos salido apenas del hotel, ayer incluso, nos quedamos atrapados en el supermercado, porque me apetecía comer más shushi y cayó el diluvio universal (risas). En las dos películas que he podido ver hoy, el público era apasionado y enérgico, supongo que dependerá de la película también (risas). La conexión con el público me recuerda mucho como se vive el cine en Bollywood, con producciones como Gangs of Wasseypur, cuando hay escenas gore o violentas la reacción del público es automática y apasionada.
Me hubiera gustado poder ver la reacción del público en mi película Bamboo dogs, ya que me ha sido imposible quedarme a ver todo el pase.
Normalmente la audiencia en otros festivales suele ser más pasiva, les guste o no, siguen igual (risas).

MysC:  Comentarte que en la escena post-créditos la gente sí que ha reaccionado con risas e incluso algunas palmadas (risas)

MysC: ¿Por qué decides hacer Bamboo dogs? ¿Qué te llevó a interesarte por una historia real?

Kdl: Fue un suceso muy importante que nunca se resolvió, pero lo peor de todo es que hay muchos crímenes y asesinatos todavía en la misma condición. Lo peor de todo, es que ni siquiera tienen la intención de resolverlos.
El problema es que cuando un crimen nuevo ocurre, el anterior se olvida. De hecho, los testigos todavía siguen desaparecidos a día de hoy, y lo seguirán estando. Esto es algo que ocurre hoy en día y pasará en el futuro también, ya que las cosas van a peor.

MysC: ¿Por qué decides hacer todo el film dentro de una camioneta? 

Kdl: Quería mostrar y profundizar en las emociones de los personajes en su última noche de vida, intentar adaptar lo mejor posible lo que ocurrió. Bamboo Dogs son 80 minutos casi sin interrupciones, acompañando a los personajes en este viaje oscuro, ya que ninguno de ellos pensaba que acabarían de esa manera. Además, esto le podría pasar a cualquier ciudadano, no solamente a criminales.

MysC: Eres un artista polifacético, en tu currículum observamos que eres poeta, pianista, productor, escritor y director. ¿Con que disfrutas más?

Kvl: Sin duda el cine, a nivel creativo lo tiene todo: música, diseño, e incluso comida, es como la vida. Es una respuesta trampa (risas).
También disfruto de los solos de piano improvisados, son abstractos y no tienen tantos puntos a seguir como en una película. Me gusta porque es mucho más libre, y no estás atado a la convención del cine.

MysC: ¿Tienes algún proyecto nuevo en mente?

Kvl: Si, muchos (risas). Por fin puedo crear un proyecto del que llevo obsesionado hace muchos años. He hecho muchos films donde sale gente enana, en casi todas mis producciones hay alguno en el casting, incluso hice un mockumentary sobre ellos, de hecho, en Bamboo Dogs, uno de los policías lo es. Pero quería ir más allá, y además me gustaría presentarla el año que viene en Sitges, el título provisional es Attack of the 100 midgets zombie cannibals, pasaría todo en una isla (risas).

MysC: Gracias y disfruta del festival.

Kvl: A vosotros.

Sitges 2018: Throw down (Hong Kong, 2004)

"No hay vuelta atrás"

Director: Johnnie To
Guion: Yau Nai-Hoi, Yip Ting-shing, Au Kin-Yee.
Reparto: Louis Koo, Aron Kwok, Cherry Ying, Tony Leung Ka Fai.

Un Judoca que viaja por el mundo retando a la gente, una chica que sueña con ser Idol del pop en Japón, y un ex campeón de Judo que dejó todo para ahogarse en alcohol, en un nightclub de Jazz del cual es el dueño. Tres historias que se cruzarán para volver a descubrir la amistad, el amor y la pasión por la vida. 

Throw down de Johnnie To es posiblemente una de sus obras más perfectas y personales, una historia sobre la motivación y los sueños no cumplidos, las segundas oportunidades, el respeto y la aceptación. La pérdida en la vida hace que a veces tomemos caminos equivocados y busquemos salidas donde hay muros. To nos muestra a tres personajes increíbles: el Judoca motivado que ha encontrado su camino, la chica que desea ser idol del pop en Japón y el ex judoca atrapado en su propio infierno, esperando que se habrán puertas donde sólo hay piedra.

Como siempre, el maestro Hongkonés no necesita demasiadas localizaciones para crear una joya cinematográfica (Véase P. T. U. interpretada por uno de sus actores fetiches, Simon Yam). Johnnie To nos regala una obra local, agradable y de ligero sentido del humor, en combinación con un brillante trabajo de fotografía, de corte clásico, poco colorista y mimada al máximo. Cheng Siu-Keng se encarga de ella, un fiel ayudante que acompaña al director desde hace ya unas décadas, dejando su sello personal en casi todas sus mejores producciones. 

Peter Kam (compositor de casi toda la filmografía de Pang ho Cheung) se encarga de componer la fantástica banda sonora, elegante, agradable y con regusto clásico.

Johnnie To usa el Judo con respeto y delicadeza, mostrándonos la pasión, el respeto y dedicación que conllevan las artes marciales. Sanshiro de Akira Kurosawa está muy presente en Throw down a modo de homenaje, su banda sonora y espíritu están reflejados en uno de los personajes secundarios, así como en su soberbio clímax final. 

El reparto de esta historia Hongkonesa es alucinante, repleto de caras conocidas y con tres protagonistas que dan un poco de luz al grisáceo tono urbano. Louis Koo, Aron Kwok y Cherry Ying, interpretan a tres personajes carismáticos de una manera natural y realista.

En definitiva, Throw Down es cine en estado puro, una cinta que va más allá de los géneros, rodada con maestría y de milimétrica ejecución, otra joya en la filmografía del maestro To. Imprescindible.

Lo mejor: Absolutamente todo, si amas el cine, debes verla.

Lo peor: Creerte que Johnnie To solo hace cine de triadas y policíaco. En Throw Down no encontrarás lo que buscas.

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Sitges 2018: The blood of wolves (Japón, 2018)

"Hiroshima está infectado de lobos"
 
Director: Kazuya Shiraishi
Guion: Yuko Yuzuki
Reparto: Koji Yakuso, Junko Abe, Yosuke Eguchi

Hiroshima 1988, las calles están plagadas de Yakuzas que controlan los suburbios y crean el caos con su lucha territorial. Shogo Ogami (Koji Yakusho) es el policía encargado de controlar el mundo del ampa, pero desde jefatura hay rumores de que es casi igual de corrupto que los propios Yakuzas.
El detective principiante Hioka Shuichi (Tori Matsuzaka) recibirá un baño de realidad, cuando junto con Ogami, y siguiendo las pistas de un caso sobre unas desapariciones, se verán en medio del fuego cruzado entre dos despiadadas bandas de Yakuzas.

Basada en la novela Korou no Chi escrita por Yuko Yuzuki, The blood of wolves es una excelente producción con un reparto de lujo. Violenta, desgarradora, con una historia clásica, Kazuya Shiraishi sabe darle un toque de frescura a un guion que ya hemos visto en otras ocasiones. Aunque el director comentara que su mayor Influencia es la saga Battles without honor and humanity, esto sólo se ve reflejado en la presentación inicial de algunos personajes y de una forma totalmente superficial. Ni el ritmo, ni la crudeza caótica de Kinji Fukasaku está por ninguna parte. Una cinta que se acerca más al Yakuza eiga de los 80, más cercana al estilo de Hideo Gosha.

Una historia policíaca de regusto clásico, que muestra la corrupción y métodos poco ortodoxos de nuestro protagonista, en un mundo donde la violencia predomina sobre las palabras. Una cinta muy cuidada en fotografía, de imagen cruda y poco colorista, que se aparta de la calidad de algunas producciones Japonesas actuales que rozan el nivel visual de TV movie. La ambientación es perfecta, decorados, localizaciones y vestuario conviven en armonía con el violento trasfondo del mundo Yakuza.

The blood of wolves presume de tener un reparto de alto nivel, Koji Yakusho, Junko Abe, Yosuke Eguchi, Goro Ibuki. Un elenco de calidad que rebosa carisma y profesionalidad. Aunque el tándem protagonista está muy bien, el peso de la cinta recae en Koji Yakusho, una interpretación sólida y elegante, demostrando que es uno de los mejores actores japoneses actuales. La naturalidad y frialdad con la que desarrolla el personaje es simplemente brillante.

En definitiva, un excelente thriller policíaco que recuerda en esencia a las Yakuza eiga de hace unas décadas, violenta, despiadada y de producción impecable.

Lo mejor: En conjunto es una cinta excelente, pero sus variopintos personajes son lo mejor.
Koji Yakusho nos regala un papel imponente y muy personal.
Aun siendo la típica historia de mafiosos y policías, el guion guarda alguna que otra sorpresa.

Lo peor: No poder disfrutarla en formato físico o en salas fuera de los festivales. Esperemos que alguien se anime a editarla para poder tenerla en la colección.

Sitges 2018: One cut of the dead (Japón, 2018)

"Este lugar está maldito"

Director: Shinichiro Ueda

Guion: Shinichiro Ueda

Reparto: Yuzuki Akiyama, Takuya Fujimura, Ayana Gôda, Takayuki Hamatsu, Manabu Hosoi

Un equipo de rodaje decide filmar una película de zombies en una fábrica abandonada. Durante el rodaje todo empieza a coger un aire misterioso y comienzan a pasar sucesos extraños... ¡están ante un ataque real de zombies!... O no. 

Pudimos disfrutar de esta cinta en el Festival de Sitges donde se llevó una gran ovación por parte del público. Si bien es verdad que nos veinte primeros minutos nadie entendía qué narices estaba viendo (la película no tenía sentido, había silencios donde no tocaba, los actores no actuaban bien...) el film dio un giro a todo y nos dejó enganchados completamente.

La fotografía es fiel a su idea: un corto grabado con poco presupuesto; pero es algo que realmente te hace adentrarte más en la idea de película de zombies grabada cámara en mano. 

No podemos contar mucho sobre el argumento ya que es algo que debéis descubrir por vosotros mismos, pero os la recomendamos 100% ya que disfrutaréis y os reiréis mucho. 

Cabe destacar el gran trabajo tanto del director Shinichiro Ueda como del reparto por hacer una cinta tan buena y divertida con un bajo presupuesto. Esto nos recuerda que para que una película sea buena no necesita millones detrás suyo. 

En definitiva, One cut of the dead fue la revelación de este Sitges y realmente dejó al público encantado. 

Lo mejor: Si queréis ver algo divertido, diferente y auténtico esta película es para ti. 

Lo peor: Si esperas efectos especiales impresionantes y un gran presupuesto puede que te decepcione. 

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Sitges 2018: Apocalipsis Voodoo (España, 2018)

Director: Vasni Ramos 
Guion: José J. Ramallo, Sergio G. Ramos 
Reparto: Sergio G. Ramos, Domingo Efegé, Jesús Santana 

Apocalipsis voodoo es, como muy bien dijeron su director, Vasni Ramos, y su productor y protagonista, José J. Ramallo, al presentarla en el pasado festival de Sitges “Una película de la que no hay que esperar ningún mensaje, porque no lo tiene… solo queríamos pasarlo bien y que el público también se divirtiese al verla”. Y lo consiguen con creces.

Un policía caído en desgracia debe regresar al cuerpo para, junto a su nuevo compañero, enfrentarse a Papa Voodoo, un súper villano cuyo plan para dominar el mundo consiste en transformar en zombis a todos aquellos que escuchan la música de su grupo funk. Por supuesto, nuestros (anti)héroes deben hacer cuanto esté en su mano para evitar que eso ocurra, utilizando si es necesario técnicas de pelea que van desde la lucha libre mexicana hasta las artes marciales, o recurriendo a los conocimientos de un cura experto en el uso de la katana.

Bromas escatológicas, un típico jefe de policía estadounidense que habla y gesticula como si presentase una teletienda, mucho descaro y una estética retro maravillosa, todo ello narrado en un excelente y exagerado inglés aprendido en la escuela pública canaria, hacen de Apocalipsis Voodoo una cinta entrañable, entretenida y muy, muy divertida que destaca por su sinceridad y su humildad que hay que disfrutar con la mente abierta y dejándose llevar.

Lo mejor: El ritmo de la locura narrativa de Apocalipsis Voodoo va in crescendo… cuando piensas que no puede llegar a más, lo hace.
La batalla final entre héroes y villanos a ritmo de funk.

Lo peor: Nada, si el espectador es MUY consciente de lo que va a ver.

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Reseña escrita por Sonia Arroyuelo 

Sitges 2018: Beast (United Kingdom, 2018)

"Lo he olido desde lejos"

 

Director: Michael Pearce
Guion: Michael Pearce
Reparto: Johnny Flynn, Jessie Buckley, Geraldine James

Moll vive atrapada en una comunidad que no la comprende. A los 15 años un grave incidente en la escuela hizo que desde entonces su madre se ocupara de su educación, así que el único contacto humano que recibe es el de su casa y el de su congregación. El día de su cumpleaños decide salir a explorar el mundo y es entonces cuando conocerá al enigmático Pascal, principal sospechoso de varios crímenes cometidos en la zona. Su deseo y sus ganas de salir al mundo harán que dé la espalda a su familia y amigos para empezar una nueva vida junto a Pascal.

Michael Pearce nos ofrece un producto extremadamente cuidado con Beast. No solo nos mima con un increíble cásting (Jessie Buckley es una soberbia elección como protagonista), sino que también nos regala una asombrosa puesta en escena y una magnífica dirección. Es interesante ver el tratamiento que Pearce hace del espacio y como éste interpreta, junto con Buckley, la mayor parte de los sentimientos y emociones que vivimos mientras vemos el film. También es atractivo ver el contraste entre el pretendido desequilibro e imperfección de Moll, impuestos por un pasado turbulento, y el irreal equilibro y perfección de su familia. Especialmente cuando Pascal, interpretado por Johnny Flynn, entra en escena, desbocando la contención que la familia de Moll había impuesto.

Este pretendido thriller, nos llega como una excusa para hablar de la perfección: familiar, religiosa, amorosa y emocional. Mientras el director nos muestra un crimen en una comunidad aparentemente normal, nos adentra en el oscuro mundo de la locura que pretende ser la perfección. Un juego entre la perfección obsesiva, la aceptación de la imperfección, la sinceridad con uno mismo y el encuentro con nuestro monstruo interno.

También incluye un debate interesante entre la decisión de amar ciegamente a tu familia o a tu pareja. Un amor que en ninguno de los casos beneficiará a Moll.

Lo mejor: Sin duda alguna un gran thriller.

Lo peor: Una lentitud que puede hacer desesperar a los espectadores que esperan un thriller clásico. 

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Sitges 2018: El Santo contra el cerebro del mal (Méjico, 1961)

Director: Joselito Rodríguez 
Guion: Fernando Osés, Enrique Zambrano
Reparto: Joaquín Cordero, Norma Suárez, Enrique Zambrano

En la última edición del Festival de Sitges pudimos ver la versión restaurada de El Santo contra Cerebro del Mal, la película dirigida por Joselito Rodríguez que se estrenó en 1961 y que, tras rodarse durante la Revolución Cubana, tuvo que ser sacada del país oculta en un ataúd días antes de que Fidel Castro llegase al poder.

En la cinta, que marcó los inicios del cine de ciencia ficción en el que participaron luchadores mexicanos, el espectador ve como El Santo es secuestrado por el malvado doctor Campos quien, mediante un artilugio de su invención y unas peligrosas inyecciones, somete la voluntad de nuestro héroe, obligándole a participar en todas sus fechorías… hasta que otro enmascarado, El Incógnito, acude en su ayuda.

Sin duda, El Santo contra Cerebro del Mal hace las delicias de todos los aficionados a la lucha libre mexicana, de los amantes del cine en blanco y negro y de los nostálgicos a los que les gusta que los “malos” fumen y lleven bigote, que los golpes en las peleas sean exageradísimos, y que los heridos de bala, aunque agonicen a causa de sus heridas, no sangren ni una gota.

Un más que entretenido viaje al pasado.

Lo mejor: Darse cuenta de lo sencillo que, hace unos años, era para el mundo del cine, entretener al espectador.

Lo peor: Pues darse cuenta de lo sencillo que, hace unos años, era para el mundo del cine, entretener al espectador… y ver como, en la actualidad, la industria se complica a veces la existencia y alarga las cosas de forma innecesaria.

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1. Reseña escrita por Sonia Arroyuelo

Sitges 2018: Entrevistando a Lee Hae-young, director de Believer

Os traemos otra interesante entrevista, esta vez le toca el turno a Lee Hae-Young, director que regresa a Sitges con su nuevo film, Believer, ni más ni menos que un remake de la brutal Drug war de Johnnie To. Echadle un ojo porque este director promete. 

Mike y sus chinos: Bienvenido de nuevo al festival. ¿Qué se siente al volver a presentar una película en Sitges?

Lee Hae young: Sinceramente, no puedo comparar con otros festivales ya que no he sido invitado a muchos, pero lo que veo en Sitges es que la energía del público, es impresionante, algo magnífico. Cuando presenté mi anterior película, pensé en que tenía que volver ¡sí o sí! (Risas). Es un gran honor estar otra vez en este festival, y espero de corazón que a los espectadores les guste Believer.

MysC: ¿Cómo y cuándo, decides hacer este proyecto? Siendo un remake de Drug war de Johnnie To.

LHY: Esta es la primera vez que ruedo un remake, y antes de responderte, debería explicar una historia un tanto triste. Mis tres anteriores películas hasta The silenced no tuvieron éxito comercial, con lo cual en mi cuarta cinta tenía que tener éxito sí o sí como cineasta. También desde hace tiempo, yo tenía en mente hacer una película de género. Necesitaba poner toda la carne en el asador para poder hacer esta producción, en ello dependía mi vida cinematográfica. Y al mismo tiempo era mi ambición. No creo que haya elegido a Believer, si no que ella, me eligió a mí. Fue un golpe de suerte, pero también creo que era mi destino.

MysC: Nos ha gustado muchísimo Believer, y lo que más nos llama la atención, es que no es una copia exacta de la obra de To. ¿Costó mucha adaptar esta historia? Ya que tiene la esencia del cine hongkonés con lo mejor del coreano.

LHY: Yo también soy un gran fan de Johnnie To y del cine de Hong Kong, cintas como Hardboiled o Exiled me encantan y creo que puedo hacer una película tan masculina como la suya. Yo quería hacer algo diferente, ya que el cine del maestro To es crudo y muy vivo. Quería cambiar la estética y añadir más componentes cinematográficos, creo que me he esforzado mucho para conseguir todos estos elementos. Al final no deja de ser una interpretación personal de la historia y personajes

MysC: Podemos observar que Believer está protagonizada por dos grandes actores, con unas interpretaciones poderosas. ¿Cómo fue el proceso de creación de estos personajes?

LHY: El papel de Cho Jin-Woong es el del detective Won-ho. Pero antes quería hablar de cómo es él en la vida real. Cho Jin-Woong tiene una atracción especial, muy humana, y el personaje es todo lo contrario, un policía que se droga y que está siempre al límite de la ley. De alguna manera yo quería que el espectador no rechazara el personaje de Won-ho, por eso la humanidad del actor era un componente muy importante en la creación de la figura del detective.

Por otro lado tenemos el papel que interpreta  Ryu Jun-yeol que se llama Rak. Ryu, tiene una cara muy limpia, normalmente no demuestra ningún sentimiento, además de ser una persona muy conocida en Corea. Siempre habla en un tono muy bajo, y en Corea no es el prototipo de hombre perfecto, pero creo, que tiene una atracción muy mágica y una cara muy moderna, y aparte es bastante guapo. Pero por encima de todo lo que os he comentado antes, creo que Ryu Jun-Yeol es el mejor actor de su generación. Por eso pensé que este papel era para él.

MysC: Y ya para finalizar ¿Tienes algún proyecto futuro en mente?

LHY: Todavía no he decidido nada, aunque tengo varios proyectos, y creo que puedo ser más elástico a la hora de elegir. Ya he rodado algunas películas de género y me siento a gusto con este tipo de producciones, pero me gustaría mejorar, hacer alguna película más madura y con un sello propio. También me encantaría volver a presentar otra película en el Festival de Sitges.

MysC: Un placer volver a entrevistarte, esperamos verte pronto por aquí con tus nuevos proyectos.

LHY: Muchas gracias.

Sitges 2018: The Outlaws ( 2017, Corea del sur)

“Vamos a por Jang esta noche, no quiero errores”


Director: Kang Yoon-Seong
Guion: Kang Yoon-Seong
Reparto: Don Lee, Yoon Kye-Sang, Jo Jae-yun


Una historia basada en un hecho real ocurrido en 2007, entre el barrio de Guro en Corea del Sur y el de Yanbian en China. La trama trata sobre la guerra entre las dos pandillas y como la policía intenta frenar la oleada de violencia. En esta adaptación, nuestro protagonista, el policía Mak Seok-do (Don Lee) se enfrentará al jefe chino Jang cheng (Yoon Kye-Sang), el cual está intentando asesinar a los demás capos del distrito coreano de Guro.


The outlaws es la ópera prima de Kang Yoon-Seong, una historia cruda y directa en las calles de Corea. Don Lee se pone en la piel de un duro policía con unos métodos un tanto “especiales”, el cual nos alegrará las dos horas que dura el metraje con mamporros por doquier. 

La cinta está llena de personajes un tanto estrambóticos, pero con mucho carisma, aunque casi todo el peso de la trama recae en nuestros dos protagonistas, interpretados a la perfección por Dong Lee y Yoon Kye-sang. Dos almas fuera de la ley pero con valores morales muy diferentes.

El ritmo de la cinta es trepidante, repleto de acción barrio bajera y escenas graciosas con algún que otro fulano mafioso, dotando al filme de ese aire hortera que tanto nos gusta ver en una cinta sobre gánsters coreanos.
Si es cierto que su historia puede ser típica, pero su ejecución es excelente, mezclando la comedia, acción y las escenas violentas de una manera dinámica y lógica, generando un interés continuo en el espectador.

En definitiva, The outlaws es un producto que busca entretener sin más pretensiones, y lo consigue con creces, una cinta sincera que va directa a lo que explica, pero que con su gran ejecución y producción la hacen un producto más que notable.


Lo mejor: Don Lee está tremendo en este papel. Las escenas de acción son crudas y violentas.
Su banda sonora acompaña muy bien en los momentos de clímax.
Poder verla en pantallas grande gracias al festival de cine fantástico y terror de Sitges.


Lo peor: No sorprende en absoluto, pero es un gran entretenimiento para los fans del género.
Que la gente se espere grandes coreografías de acción, y se encuentren al señor Don Lee dando ostias al estilo Bud Spencer.

Trailer

Sitges 2018: Ghostland (Francia/Canadá, 2018)

"Por mucho que quieras, no llores"

Director: Pascal Laugier
Guion: Pascal Laugier
Reparto: Crystal Reed, Mylène Farmer, Anastasia Phillips, Emilia Jones, Taylor Hickson

Pauline (Mylène Farmer), Beth (Crystal Reed de adulta y Emilia Jones de adolescente) y Vera (Anastasia Phillips de adulta y Taylor Hickson de adolescente) son una familia que se dirige a vivir a la casa que han heredado de su tía. En el camino, la rebelde Vera, será un poco mal educada con unos desconocidos conduciendo un camión de helados, provocando que, cuando lleguen a la casa en mitad de la nada, ambos desconocidos las estén esperando. Pronto las 3 mujeres descubrirán lo que significa el verdadero horror. Dieciséis años después del incidente, Beth, convertida en escritora de terror de éxito, recibe una llamada de su hermana Vera diciéndole que los intrusos han vuelto a la casa. Beth emprenderá entonces un viaje oscuro y terrorífico a las entrañas de su pasado.

El enfant terrible del terror francés vuelve a la carga con una película más sutil, aunque igualmente aturdidora. Si (para mi gusto) en Martyrs se pasó tres pueblos con las torturas, y en Tallman quizás se quedó un poco corto en terror, en Ghostland lo ha equilibrado perfectamente. Esta cinta de terror nos explica la carga emocional de las víctimas de la violencia (¿contra las mujeres?) de una manera sutil y elegante.

El juego del gato y el ratón entre las niñas, el ogro y la bruja, dibujan un interesante camino al principio, para desembocar en la locura visceral de unas asustadas adultas, trastornadas e inseguras. Ghostland, da un paso más allá intentando explicar las locuras de la mente tras un trastorno de estrés post traumático. Es interesante ver que, más allá de una violencia contenida y no explícita, Laugier nos transmite puro terror simplemente enseñándonos cómo funcionan los mecanismos de defensa de la mente.

Si a esta superba dirección, le sumamos una dirección artística y musical fantástica y unas actrices indudablemente creíbles, el resultado es una película que no deja indiferente y finaliza con una sensación de malestar incontenible.

Pascal nos confesó en la entrevista que le hicimos que esta película fue para sacarle de un apuro económico. La escribió y rodó en muy poco tiempo. Aun así, la maestría con la que está rodada aparta cualquier duda sobre su valor.

Lo mejor: Lo siento por el spoiler, pero sale H.P Lovecraft, no puede haber nada mejor. Y un lado femenino muy interesante y poco descrito en las películas de terror.

Lo peor: Creer que vas a ver Martyrs. Eso ya pasó, no volverá a suceder, gracias.

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Sitges 2018: May the devil take you (Indonesia, 2018)

“La riqueza de paga con almas”

Director: Timo Tjahjanto
Guion: Timo Tjahjanto
Reparto: Chelsea Islan, Pevita Pearce, Ray Sahetapy, Karina Suwandhi, Samo Rafael

Alfie (Chelsea Islan) es una chica solitaria, casi sin familia, su madre murió en un extraño suceso y su padre la tiene apartada, el cual  se convirtió en un empresario famoso y se casó con una conocida actriz. 
Un buen día su padre cae enfermo de un misterioso virus, y Alfie, comienza a tener extrañas visiones sobre una mujer que la persigue. Pronto los hermanastros y la madrastra de nuestra protagonista, decidirán visitar la antigua villa donde vivía Alfie y su familia, con el fin de encontrar algo de valor. Nunca se imaginarían el infierno que les esperaba.

No podemos negar que Timo es uno de los  directores asiáticos del momento, solamente con dos producciones, ya ha puesto al cine indonesio de acción en boca de todos. 
Después de la excelente y sangrienta The night comes for us, regresa con una cinta de terror clásico, May the devil take you. Horror artesanal de la vieja escuela, muy en la línea de Evil dead (de hecho, hay más de un homenaje), sangrienta y enérgica, pausada y perturbadora por momentos. 
Timo sabe cómo mover la cámara, como si de un personaje más se tratara (solo hay que ver la fabulosa escena de la apertura del sótano), generando tensión y poniendo al espectador al pie del cañón. Sin abusar ni caer en el susto fácil, la cinta recrea la típica historia sobre satanismo y maldiciones varias, con un desarrollo dinámico que mezcla el drama y el terror de una manera sutil.

El reparto es correcto, con unas actuaciones muy buenas, en especial nuestra protagonista Alfie, que nos regala una interpretación poderosa y creíble.

Hay momentos realmente espectaculares, gracias a su enérgica cámara y banda sonora, que se fusionan con el ambiente enfermizo de la "Villa maldita", y que acompañados de un maquillaje excelente junto con un efectos especiales clásicos, consiguen recrear ese regusto a cinta de terror pura.

En definitiva, Timo nos deleita con otro gran producto de género este año, una cinta de terror clásico, cañera y por momentos visceral. Una historia que ningún amante del género debe perderse. Estamos deseando ver cuál es el siguiente proyecto del director indonesio. Great!

Lo mejor: La ambientación, el movimiento de cámaras, su banda sonora y su buen hacer aun teniendo poco presupuesto.


Lo peor: Una historia que no sorprende por su guion.
Algún momento extraño de CGI que ensucia el trabajo artesanal de la cinta. 

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