Sitges 2021: Poupelle of Chimney town (Japón, 2020)

"Detrás de todo eso humo están las estrellas, confío en mi padre, él las vio"

Director: Yusuke
Guion: Akihiro Nishino.
Reparto: Masataka Kubota, Mana Ashida, Shingo Fujomori

Desde hace muchos años la apuesta por la animación en el festival de Sitges se ha ido haciendo cada vez más y más grande, ofreciéndonos propuestas de todos géneros y países. Desde Mike y sus Chinos tenemos debilidad por el cine de animación japonés y cada vez que llegan las fechas del festival, estamos pendientes de los nuevos estrenos añadidos en la programación.
Hoy os traemos la reseña de Poupelle of Chimney Town, una genial cinta de animación que pudimos disfrutar en un abarrotado Teatro el Prado. Let's go!
 

Chimney Town es una ciudad sucia, superpoblada e infectada de humo, el cual no deja pasar ni un ápice de luz. Aquí es donde vive nuestro pequeño protagonista, Lubicchi. Un deshollinador preocupado por la desaparición hace ya un tiempo de su padre Bruno, el cual afirmaba que detrás de todo ese humo y ceniza estaban las estrellas. El sueño de Lubicchi es encontrar a Bruno y poder verlas juntos. Su vida dará un giro de 180 grados cuando conozca al hombre basura, una criatura rechazada por la sociedad y repudiada por su aspecto. Rápidamente los dos forman lazos de amistad y emprenden juntos está esperenzadora aventura.

 

Poupelle of Chimney Town es una épica aventura sobre dos amigos que buscan la libertad en una sociedad que los rechaza. Una cinta aparentemente infantil que esconde una trama adulta y de transfondo crudo. Las voces de revolución resuenan con fuerza en este film que evoca a romper los muros impuestos que te impiden vivir en libertad y que te entorpecen en tu búsqueda de las estrellas.
 

Una gran historia sobre dos amigos que buscan desesperadamente el amor, una familia y sobre todo aire puro del que respirar sin miedo a ser juzgados.

Visualmente la cinta posee una animación exquisita, de tono clásico pero con ápices de modernidad, algo que le otorga vida a la de por sí ciudad muerta de Chimney Town. Tanto el diseño de personajes como escenarios es de 10. A todo esto hay que añadirle una excelente banda sonora que acompaña a la perfección y realza los momentos de clímax y máxima epicidad.

 

En definitiva, no os dejéis llevar por las apariencias de que Poupelle of Chimney Town pueda llegar a parecer una cinta ultra infantil. Más lejos de la realidad, la trama posee una evolución hacia algo bastante adulto y necesario en los tiempos que nos toca vivir. Dadle una oportunidad si tenéis oportunidad de verla.

Lo mejor: La trama
Sus dos protagonistas principales
Visualmente estupenda

Lo peor: Su apariencia de cinta infantil.

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Sitges 2021: The boy behind the door (EE. UU, 2020)

 "Tengo miedo, pero no te dejaré"

Director: David Charbonier, Justin Powell

Guion: David Charbonier, Justin Powell

Reparto: Lonnie Chavis, Ezra Dewey, Kristin Bauer van Straten, Scoot Michael Foster, Micah Hauptman

Bobby y su mejor amigo, Kevin, son secuestrados y encerrados en una extraña casa en mitad de la nada. Bobby, por suerte, logra escapar, pero cuando tiene la libertad tan cerca escucha los gritos de su amigo. La amistad le puede más que el miedo y da media vuelta para rescatarlo. En ese momento, los dos chicos deberán hacer todo lo posible por sobrevivir. 

 

Pudimos ver The boy behind the door en la 54a edición del Sitges Film Festival y, sinceramente, nos dejó bastante indiferentes. La premisa nos llamó mucho la atención: dos niños secuestrados que hacen todo lo posible por escapar de sus captores. Adrenalina, algún susto que otro y sufrir un poco con los pobres niños mientras intentan huir de su pesadilla. Como decimos, sobre el papel, buena película para tenernos entretenidos, pero la ejecución no fue tan buena. La película es un tanto simple y con algunos errores que saltaban a la vista.

 

Como punto fuerte, podemos destacar la actuación de los dos chicos. Además, el secreto que esconde aquella casa, lo que se practica en ella y la sorpresa con el secuestrador, son elementos que ayudan a mejorar la cinta. 

En definitiva, The boy behind the door, es de aquellas películas que pones un domingo por la tarde para entretenerte pero de la cual no esperas absolutamente nada más. 

Lo mejor: La actuación de los niños.

Lo peor: Si esperas que te sorprenda, esta no es tu película.

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Sitges 2021: The Deep House (Francia, 2021)

 "No sería un lugar secreto si fuese fácil de encontrar ¿no?"

Director: Alexandre Bustillo, Julien Maury 

Guion: Alexandre Bustillo, Julien Maury, Julien David, Rachel Parker 

Reparto: James Jagger, Camille Rowe, Eric Savin, Carolina Massey

Una pareja joven, aficionada a grabar vídeos en lugares poco comunes, viaja a Francia para explorar una casa submarina y compartir los hallazgos con sus seguidores. Una vez allí, un amable lugareño se ofrece para llevarlos al lugar secreto donde se encuentra la casa. Lo que pretendía ser una expedición tranquila, pronto se convertirá en la mayor de sus pesadillas, pues dentro de la casa el mal les está esperando.

Alexandre Bustillo y Julien Maury vuelven a Sitges Film Festival con un relato de casas encantadas. Los directores de A l'intérieur (2007) y Kandisha (2020) nos deleitan esta vez con una historia clásica pero que funciona. Desde el primer momento, y conociendo a los directores, sabes que aquellos personajes no acabarán bien y más adentrándose en las profundidades de un lago francés para inspeccionar una casa sumergida. A la intriga de saber qué se encontrarán en el interior de la vivienda, se le suma la angustia y la tensión de saber que tienen un límite de tiempo y de oxígeno. Pese a que eres consciente de lo que vas a ver, puedes disfrutar con la intriga y la tensión que te genera el largometraje. 

Cabe destacar el inmenso trabajo que ha supuesto rodar toda la película bajo el agua, puesto que a lo largo de la cinta los planos son claros y concisos y únicamente juega con el movimiento de cámara para expresar lo que sienten nuestros protagonistas en momentos puntuales. El vaivén de cámara fija, el dron que llevan los personajes y la pequeña cámara instalada en sus casos de buceo, nos ayuda a adentrarnos en la casa desde otra perspectiva y disfrutar del terror que los directores nos quieren hacer sentir. 

En definitiva, The Deep House es una buena historia de casas encantadas, clásica, predecible por los amantes del género de terror, pero no por ello deja de ser entretenida. Si eres capaz de adentrarte en la historia, la podrás disfrutar de principio a fin. 

Lo mejor: El trabajo de rodar todo el largometraje bajo el agua. 

Lo peor: Si esperas algo nuevo, inesperado y nunca visto puedes llevarte un chasco.

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Sitges 17: The Mole song 2: Hong Kong Capriccio (Japón, 2016)

"Al final siempre gana la justicia!"

Director: Takashi Miike
Guion: Kankurô Kudô
Reparto: Tôma Ikuta, Shinichi Tsutsumi, Eita

El peculiar agente Reiji, regresa en esta secuela con una peligrosa misión que le han asignado directamente desde la familia Yakuza en la que está infiltrado. Tiene que encargarse de unos asuntos turbios en Hong Kong.

Nuestro joven agente no lo tendrá nada fácil, ya que desde asuntos internos están investigando a sus policías infiltrados en busca de encontrar algún indicio de corrupción.

Si hay algo que nos gusta del festival de Sitges es que el bueno de Miike casi siempre está presente en la programación. Sus variadas propuestas despiertan el interés de los espectadores año tras año y asistir a sus proyecciones es casi una tradición entre los más fieles seguidores de este longevo festival.

Hoy os hablaremos del divertidísimo live action The Mole song: Hong Kong capriccio, segunda parte de la trilogía sobre nuestro policía infiltrado favorito. Una cinta para olvidarse de la realidad y hacer volar la fantasía. Let's go!

 

 

Takashi Miike vuelve a deleitarnos con una propuesta fresca, divertida, ácida y tremendamente entretenida, de producción impecable y de ejecución sólida. Una deliciosa locura repleta de humor picante condimentada con una pizca de acción. Hay algo que nos encanta de Miike cuando dirige este tipo de producciones, su fidelidad en recrear casi a la perfección la obra original en la que está basada (a veces llegando necesariamente al ridículo) consiguiendo así ser un director de éxito y muy popular en su tierra natal, Japón.

Estamos ante un film un tanto loco, ágil y sobre todo desenfadado. Una cinta llena de fantasía y humor absurdo que abraza la acción de una manera natural creando así una simbiosis extraña pero a su vez interesante y original.

The Mole song: Hong Kong capriccio posee un reparto excelente y muy variado, gracias a la multitud de personajes secundarios que aparecen en el psicodélico mundo donde se desarrolla la trama. Tôma Ikuta vuelve a ofrecernos una interpretación eléctrica, desenfadada y pasada de vueltas, algo que desde Mike y sus chinos agradecemos ya que somos muy fans del actor y sobre todo de la saga en si.

 

 

En definitiva, The Mole song: Hong Kong capriccio es una cinta divertida, frenética y llena de momentos delirantes que captan muy bien la esencia del manga original y que gracias a unas geniales interpretaciones llenas de frescura gustará al público en general. Si tenéis oportunidad, haced una sesión doble con la primera y la segunda parte, lo pasaréis en grande si os juntáis con unos cuantos amigos. Enjoy!

Lo mejor: Los momentos delirantes nos encantan.
Buenos personajes
Las escenas de acción.

Lo peor: No entrar en su humor picaron y absurdo.
Difícilmente la tendremos disponible fuera de festivales.

 

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Sitges 2021: Eight for Silver (EE.UU, 2021)

Director: Sean Ellis 

Guion: Sean Ellis 

Reparto: Boyd Holbrook, Kelly Reilly, Alistair Petrie

A finales del siglo XVIII, los terratenientes de un pequeño pueblo están teniendo problemas con un clan gitano que se ha instalado en sus tierras e intentan echarlos a toda costa. Finalmente, consiguen que abandonen sus tierras de una manera "poco convencional", pero el pueblo romaní no se quedará de brazos cruzados, sino que lanzará una maldición a todo aquel que habite en el pueblo. Poco después, un joven patólogo llega a la remota aldea para investigar los ataques que están sufriendo sus habitantes de la mano de un animal salvaje. Poco a poco descubrirá que lo que los ataca no es un animal, sino una fuerza mucho mayor y siniestra que tiene a todos los residentes sometidos. La maldición está en marcha y la venganza se cobrará vidas humanas. 

Eight for Silver nos ofrece una historia clásica sobre elementos sobrenaturales que atacan a los pobres habitantes de un pueblo remoto. Muy bien ambientada, la niebla constante y el color grisáceo que impera durante todo el largometraje ayuda a adentrarte en ese halo de misterio que debe envolvernos en este tipo de películas. Pese a tener todos los elementos que pueden gustarnos (buena fotografía, ambientación de finales de siglo XVIII, un pequeño pueblo con un posible monstruo, niños malignos...) la película no acabó de convencernos; tal vez sea por la convencionalidad de la misma, la historia conocida y reconocida por todos o porque al descubrir qué atacaba a los lugareños no nos llegó a gustar. 

En definitiva, Eight for Silver es una clásica historia de terror, sencilla, bien ambientada pero, tal vez, un poco simple. Pese a ello, nos entretuvo y no por ello dejamos de disfrutarla.

Lo mejor: La buena ambientación de finales del siglo XVIII, tanto el lugar como el vestuario y la fotografía son de admirar.

Lo peor: Si esperas ver una película que te sorprenda, te aterrorice y disfrutes de principio a fin, esta no es tu película.

Sitges 2021: Belle (Japón, 2021)

"Bienvenida al mundo de U"

Director: Mamoru Hosoda
Guion: Mamoru Hosoda
Reparto: Kaho Nakamura, Tina Tamashiro, Ahora Sometani, Ikura, Ryo Narita

Mamoru Hosoda regresa al festival de Sitges con una de sus mejores películas, Belle. En esta cinta el director vuelve a interconectar el mundo real con el virtual de una manera sublime y de gran impacto emocional gracias a una puesta en escena que eriza la piel (el inicio de Belle en el Auditori fue épico). Además, será editada por A contracorriente films en España.

Suzu es una estudiante de secundaria que vive en un pequeño pueblo de Japón con su padre. Nadie sabe que lleva una doble vida en “U”, un mundo virtual donde su avatar, Belle, es mundialmente famosa por sus canciones. Sin embargo, cuando una misteriosa criatura aparece en el mundo de “U”, las dos identidades de Suzu entrarán en conflicto, cambiando su vida para siempre.

 

Como ya nos mostró en Summer Wars y en otros de sus films, el director hace incapie en la cosas cotidianas como el amor, la familia o la falta de confianza durante la adolescencia. Belle nos ofrece una fábula digital que coquetea con el clásico La Bella y la Bestia, pero Hosoda poco a poco se lo lleva a su terreno casi sin que nos demos cuenta y va evolucionando la ya de por sí estupenda trama en algo impactante que no os desvelaremos en esta reseña. Una cinta agradable, épica y dura por momentos pero sobre todo hecha con mucho sentimiento y maestria. Su animación está a otro nivel, colorida, impactante y poderosa, poder disfrutarla en pantalla grande fue toda una experiencia. 

 

 

En definitiva, Belle rebosa espectacularidad y amor por el cine por todos los lados, una historia de amor y empatía armonizada con una magistral banda sonora que os llegará hasta lo más profundo de vuestro ser.

Lo mejor: Su animación
La Banda sonora y el repertorio de canciones de Belle
Una interesante trama
La fusión del mundo real y el digital

Lo peor: Que te la pierdas

 

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Sitges 2021: Beyond the infinite two minutes (Japon, 2020)

 

“Soy tú dos minutos en el futuro”
 

Director: Junta Yamaguchi

Guion: Makoto Ueda

Reparto: Kazunari Tosa, Riko Fujitani, Gôta Ishida, Masashi Suwa

Kato acaba la jornada en el café de su propidad, cierra y sube al piso superior, donde está su vivienda. Quiere tocar la guitarra un rato, pero no encuentra la púa. De repente una voz en la habitación, “eh tú”, se gira hacia el televisor y se ve a si mismo, “me hablas a mí?”, “sí, a ti”, “quién eres?”, “soy tú dos minutos en el futuro”. Así arranca una de las mejores comedias de 2021. Kato emprende un viaje estrambótico entre su vivienda y su café, subiendo y bajando escaleras para escuchar lo que dice su yo futuro y decir lo que ha escuchado a su yo del pasado. Parece complicado verdad? Nada más lejos. Beyond the infinite two minutes es una auténtica obra maestra de lo surrealista, la ciencia ficción y la comedia.

 

Creo que este tipo de películas son difíciles de escribir. Cuando hay saltos en el tiempo, paradojas espacio temporales y humanos la cosa se complica para que resulte más o menos creíble (aún siendo ciencia ficción). Beyond the infinite two minutes lo hace de manera espectacular. Cada segundo está milimetrado. No he tenido el gusto de ver el guion, pero para una película que dura 70 minutos debe ser bastante grueso.

Y cuando te planteas lo difícil que ha debido ser de escribir, te das cuenta de lo extremo que ha debido ser el rodaje (ojo al final post-créditos donde nos enseñan parte de la grabación). Grabada con smartphones, planos secuencia, multiplicación de pantallas, estas son las dificultades a las que se ha enfrentado el equipo de rodaje. Aún así, el resultado es muy bueno.

 

Y lo que hace redonda la película es el pequeño gran elenco de actores. Profesionalidad, credibilidad y atención al detalle. La confusión, extravagancia, comicidad y sí, locura a veces, atraviesa completamente la pantalla y nos llega de una manera muy especial.

Un must que seguro podremos ver en breve en alguna plataforma, ya que distribuye Third Window.
 

Lo mejor: una historia super loca que funciona.

Lo peor: tener que esperar para verla otra vez.

 

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Sword of the stranger (Japón, 2007)

“Si quieres ser alguien en la vida, tienes que dejar de depender de los demás”

Director: Masahiro Ando 

Guion: Fumihiko Takayama 

Reparto: Tomoya Nagase, Yuri Chinen, Naoto Takenaka, Kōichi Yamadera, Unshō Ishizuka,

Es poco frecuente ver películas de animación japonesa de temática samurái realizadas expresamente para cine y mucho menos que lleguen a nuestro país. Desarrollada por el estudio de animación Bones, y editada en España por Selecta Vision, Sword of the Stranger (El samurái sin nombre) es una cinta poco conocida en general pese a su gran calidad.

 El film nos trae la historia de Kotaro, un niño que está siendo perseguido por un grupo de soltados chinos leales al emperador Ming. El dirigente chino piensa que este niño posee el último ingrediente necesario para la creación de un brebaje que concede la inmortalidad, por lo que ha enviado a sus mejores guerreros a capturarle, entre ellos al temible Luo Lan. Escondido en Japón, Kotaro y su perro sobreviven como pueden mientras huyen de los soldados. 

 

Un día, se topa con un ronin que decidió  hace años dejar de lado la espada, y vagabundea por todo el país sin la responsabilidad de servir a ningún señor. Kotaro, desesperado al ver que los guerreros Ming le están pisando los talones, le pedirá al ronin que lo escolte hasta un templo donde podrá estar a salvo. Al final, se convertirán en compañeros de viaje donde irán limando asperezas y estrechando vínculos. 

 

Uno de los factores principales de la cinta es la animación, y es que las peleas y las escenas de acción están maravillosamente animadas. En lo que el guión se refiere, no aporta nada nuevo y puede pecar de poco original, pero funciona para el tipo de historia que cuenta.  

La banda sonora es otro de los factores que brillan en este film, unas melodías que acompañan maravillosamente a cada escena de la película y que puede llegar hasta emocionar a más de un espectador.

Una curiosidad es que la cinta muestra el estilo de lucha no solo de los samuráis, sino de los guerreros chinos, donde podemos llegar a distinguir la diferencia entre ambos, algo que quizás podrían haber explotado un poco más.

Sword of stranger nos ofrece una historia de acción, peleas y mucha sangre que hará las delicias de los amantes del género y quizás a los que no lo son tanto pero que deseen visionar una película entretenida. Quizás para muchos pueda pecar de tener una duración algo extensa o que no profundiza en ciertos personajes secundarios e interesantes (poniendo de ejemplo al guerrero Luo Lan), siendo el eje central siempre los dos personajes principales. 

 

En definitiva, estamos ante un film que no ha tenido la repercusión que debería tener pero que seguramente con el tiempo se le dé la importancia que se merece.

Lo mejor: La animación. 

Las escenas de pelea. 

La banda sonora. 

Luo Lan.

Lo peor: No profundizar más en ciertos personajes.

Ritmo algo lento. 

 

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Escrito por Fayna Castro.

Sitges 2021: The trip (Noruega, 2021)

“No quiero meterme, pero parece que tenéis problemas maritales”

Director: Tommy Wirkola
Guion: Tommy Wirkola, Nick Ball, John Niven
Reparto: Noomi Rapace, Aksel Hennie, Atle Antonsen, Christian Rubeck, André Eriksen,

Lisa y Lars deciden hacer una escapada a la cabaña del padre de Lars para volver a conectar. Llevan años odiándose y creen que les irá bien un par de días en las montañas. Su viaje no empieza bien, con gritos en el coche e ignorándose todo lo que pueden. Lisa no sabe que secretamente Lars ha estado preparando el viaje para acabar con ella. Cuando finalmente coge el martillo algo inesperado sucede…

 

The trip es una comedia negrísima. El humor y la violencia se van entremezclando con un gran saber hacer, y es que si de algo sabe mucho el director, Tommy Wirkola, es de eso mismo. Escoge a unos actores con gran carisma y los introduce en una situación límite, tan límite, que es hilarante. La historia es sencilla, pero muy efectiva. Aun así, el guion está muy bien trabajado, mezclando la comedia slapstick con la snowball. También hay momentos bastante duros que ofrecen un mayor conocimiento sobre los protagonistas.

En la dirección, Wirkola es una genialidad. Sabe como dirigir a sus actores, sabe lo que quiere de su equipo y sabe como hacer que la historia funcione a las mil maravillas.

 

Poco más puedo decir de este genio que nos trajo hace unos años Dead Snow, partes 1 y 2, más que os sentéis, cojáis la palomitas, y la veáis en Netflix.

 

Se me olvidaba, como bonus, aquí tenéis a la maravillosa Noomi en la presentación de la película, por si no teníais suficiente!

 

Lo mejor: La extraordinaria aparición del padre de Lars.

Lo peor: Algunos momentos de insinuación de violencia sexual fueron duros de ver.

 

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Sitges 2021: Lamb (Islandia, 2021)

 "¿Qué coño es eso? - La felicidad"

 

Director: Valdimar Jóhansson

Guion: Sjón Sigurdsson, Valdimar Jóhansson

Reparto: Noomi Rapace, Björn Hlynur Haraldsson, Hilmir Snær Guðnason, Ester Bibi.æææææ

 

Maria (Noomi Rapace) e Igvar (Hilmir Snær Guðnason) son una pareja sin hijos que vive en una granja aislada en Islandia. Un día, mientras cuidan de su rebaño, son testigos del nacimiento de una peculiar cordera. Abrumados por la situación, deciden cuidar de la recién nacida y adoptarla como su hija. Este hecho llenará a la familia de felicidad, algo que les faltaba. La alegría que inunda a la familia no les permitirá ver que, tal vez, ese bebé no sea una bendición.

 

Ovacionada y galardonada por la crítica en la 54a edición del Sitges Film Festival, Lamb nos ofrece una historia de maternidad, de dolor y de duelo, con un trasfondo mítico. Durante la primera parte de la película, nos vamos adentrando en la vida cotidiana del matrimonio: infeliz, silencioso, acostumbrado a la soledad y el aislamiento de las tierras islandesas. Con el nacimiento de esa cordera la situación cambia: la felicidad en la pareja, el diálogo se hace más intenso, incluso en clima y el paisaje son más luminosos. Pero la oscuridad vuelve a aparecer -tanto visual como metafóricamente- al final de la cinta, donde nos muestra que, tal vez, esa cordera no era un milagro como la pareja pensaba.  

 

 

Jóhansson nos trae una historia basada en la mitología y en la Biblia, donde nos habla del instinto maternal y de hasta dónde puede llegar dicho instinto. Poco a poco, vas adentrándote en la historia y entendiendo el dolor de la familia, su infelicidad (no haremos spoiler del porqué) y encariñándote de esa corderita adorable. Pero, como ya hemos dicho, no todo es felicidad, puesto que el director nos recuerda cuál es el lugar y el cometido de los humanos y que no debemos traspasar esos límites.

 

La fotografía es espectacular, ya no solo por poder ver los paisajes de Islandia sino también, como hemos dicho ya, porque nos ayuda a ambientarnos en ese mundo de soledad, de tristeza y de duelo en el que están sumidos nuestros protagonistas. 

 

En definitiva, Lamb es una gran propuesta para adentrarnos en el cine islandés y disfrutar de esta historia llena de mitos y leyendas.

 

Lo mejor: La actuación de nuestra queridísima Noomi Rapace, como siempre ¡espectacular!

 

Lo peor: Si no estás acostumbrado al cine nórdico, tal vez el ritmo te resulte lento.

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