Dirección: Yi Ge, Yuefeng Song Guion: Ran Zhou,Bill Borden, Clark Cheng, Joshua J. Greene, Laura Moses, Stephanie Sheh, Roger Soffer,
Fish y Lía son novios desde hace mucho tiempo, pero deben vivir separados ya que Fish es humano y ella una elfa que vive en el reino de los elfos. Mayra, la reina elfa, celebrará pronto su boda, así que Lía utiliza ese pretexto para invitar a Fish y a sus amigos a su reino y poder reencontrarse. Aunque ambos están contentos por ello, los elfos ven con malos ojos a los humanos y no les gusta que estén en su reino, tolerándolos simplemente porque han sido invitados a la boda de la reina. En este mundo, existen dos piedras sagradas, la piedra de la vida y la piedra de la muerte (esta última en paradero desconocido). Es tradición que en la boda real, la novia porte en el cuello la piedra de la vida, como antes lo hizo la madre de esta. Esta vez, la reina le pide a Lía que sea ella quien proteja la piedra con su vida, prohibiéndole terminantemente contarle a Fish sobre ello.
Para sorpresa de todos,durante la boda aparece la hermana de la reina, Elena, que se ha convertido en una elfa oscura y ha conseguido el poder de la piedra de la muerte. Gracias al poder de la piedra, ha resucitado a los espíritus de los elfos que fueron asesinados, usándolos para formar su propio ejército y raptar a la reina. Aunque los elfos están en contra de que los humanos se entrometan en sus asuntos, Fish se unirá a ellos para ayudar a salvar a la reina. Lo que no sospecha es que se convertirá en una difícil prueba para el amor entre Lía y él.
El reino de los elfos es una película de animación bonita y entretenida pero humilde si tenemos en cuenta las joyas que últimamente vienen de China. La animación cumple, el estilo es agradable y las partes de acción están geniales. Teniendo en cuenta que el público objetivo son niños serán ellos los que más la disfruten, pero los adultos no se aburrirán en absoluto. La banda sonora también es muy bonita y hay canciones que, aunque estén en chino, no tienen desperdicio.
Lo mejor: Está totalmente doblada al español, incluso se llegó a estrenar en cines españoles. Me gustó bastante el mensaje que da la película sobre lo de que ser de otra raza no debe ser un motivo de rechazo, creo que es un mensaje anti-xenófobo muy positivo.
Lo peor: Si lo comparamos con otras animaciones chinas, no tiene tanta calidad.
Director: Yang Xiao Guion: Yiwen Guo, Yang Xiao Reparto: Feng Shaofeng,Liu Yifei,Guo Jingfei, Li Guangjie
Hace miles de años, una nave extraterrestre colisionó con la tierra mezclando su adn con la biología de la tierra. Después de un largo proceso de mutación, surgieron los Yaojin, seres sobrenaturales con formas animales que pueden tomar forma humana para mezclarse en su sociedad. En la actualidad, existe una oficina especial que controla las acciones de los yaojin en el mundo humano, ya que que las interaciones no autorizadas entre Yaojin y humanos están prohibidas.
Cuando era solo una cachorra, Bai Qianchu (Liu Yifei) pudo salvar su vida gracias a Yuan Shuai (Feng Shaofeng), y lo ha estado buscando durante años para agradecerle su acción. En la actualidad, Yuan Shuai cuida de animales en un Zoo y se encuentra agobiado por deudas. Intenta salir de su situación buscando una novia adinerada a través de citas de emparejamiento y se encuentra "inesperadamente" con Bai, enamorándose de ella. Ambos se ven atrapados en medio de una lucha entre aquellos yaojin que quieren vivir separados de los humanos y aquellos que quieren convivir en el mundo con los humanos. El comisionado Yun (Li Guangjie), es el máximo diligente del mundo Yaojin, y persigue a todos los que no respeten sus leyes, encerrándolos o incluso castigándolos con la muerte. Es arduo defensor de la pureza Yaojin, y no tolerará bajo ningún concepto la unión entre ellos y los humanos.
Hanson and the Beast es una película agradable de ver, simpática y graciosa que hará las delicias de los amantes de este género. Liu Yifei está adorable en este film y Feng Shaofeng demuestra que no siempre tiene cara de palo y que puede cambiar de registro. Las escenas generadas por ordenador son más que decentes y la poca acción que tiene está bien realizada. Sacará una sonrisa a más de uno y entretendrá a muchos que busquen pasar un rato ameno y agradable.
Lo mejor: Liu Yifei y Guo Jingfei. El CGI está muy bien si lo comparamos con otras películas del género.
Lo peor: Feng Shaofeng no me convence como protagonista masculino, Guo Jingfei saliendo menos en pantalla me pareció un personaje mucho más interesante y desaprovechado que podría haber dado mucho más juego. Quizás la duración es muy extensa para la historia que cuenta y puede hacerse pesada en la recta final.
Hay rumores de que el legendario bandido Sultana Daku está muerto, el cual se dedicaba a asaltar trenes. Al extenderse el rumor, su eterno rival Shahid Khan toma su identidad e inicia atracos sin cesar. Un buen día para sorpresa de Khan, Sultana regresa, masacrando a todos sus hombres. A consecuencia de sus actos, Khan se verá obligado a vivir como un renegado trabajando en las minas del capo Ramadhir Singh. Años más tarde, su hijo Sardar Khan comenzará una eterna venganza generando una violenta guerra que durará años.
Anurag Kashyap es uno de los directores más interesantes de la India, su cine directo, crudo y de impecable manejo en las cámaras, le ha otorgado cierta popularidad internacional. Con Gangs of Wasseypur demuestra lo dicho anteriormente. Una descomunal historia de cine negro dividido en dos partes. Hoy hablaremos de la primera de ellas. Abrumador comienzo de esta historia que abarca más de 50 años de historia y tres generaciones de una misma familia.
Gangs of Wasseypur parte 1, requiere la absoluta atención del espectador por su denso guion e imparable contenido que nos muestra la historia. La venganza como punto de partida para un viaje a los infiernos, el ciclo vicioso de la guerra, el veneno de la ambición en un entorno hostil que genera un malestar continuo en el espectador.
El guion de Kashyap y Zeishan Quadri es descomunal y denso, pero perfectamente estructurado y ejecutado. Los brillantes diálogos junto con el trasfondo social y político que ocurre durante esa época en India, generan una dinámica brillante dotando a la trama de interés tentador y eficaz. Combinando imágenes reales de la época para dar más realismo al conflicto generacional.
Anurag rueda con maestría y tono clásico una cinta violenta y desgarradora por momentos, dejando poco tiempo para el amor o la compasión, regalándonos planos absolutamente brillantes en combinación con una fotografía cuidada al máximo.
Una obra muy violenta y sangrienta en ocasiones, sus escenas de acción son realistas y de una frialdad tajante.
Con un amplio reparto, el nivel interpretativo de la cinta es excelente gracias a la intensidad de la historia y las magníficas puestas en escena de sus actores/actrices. A destacar Manoj Bajpayee por su potente actuación y el carismático Nawazuddi n Siddiqui con su mirada hipnotizadora.
La banda sonora es una gozada en Gangs of Wasseypur, combinando temas clásicos y tradicionales con acordes de guitarra eléctrica que avivan la fuerza de la trama generando algunos momentos memorables.
En definitiva, una joya del cine negro moderno, de ejecución perfecta y que demuestra lo buen director que es Anurag Kashyap. Una cinta para los amantes del buen cine, de las historias intensas y sin tapujos, directa y demoledora. Imprescindible
Lo mejor: Absolutamente todo.
Lo peor: La duración y la intensidad del guión puede cansar algunos espectadores. Que no la hayas visto todavía.
A principios de 1590, después de la muerte Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi se hizo con el poder absoluto. Un misterioso rebelde llamado "Tenmao" estaba consiguiendo popularidad para iniciar una guerra civil con sus "Skulls corps". Un buen día en las llanuras orientales, un grupo de maleantes y un vagabundo llamado Sutenosuke salvan de la manos de los Skulls corps a una solitaria chica llamada Sagiri. Herida de gravedad es llevada a un burdel en el pequeño pueblo de Mikami, que sirve de ciudad de paso entre la capital y las llanuras orientales. Todo se complicará cuando varios personajes aparezcan en la pequeña villa.
Hace ya algunos unos años que el Festival de Sitges nos viene sorprendiendo con producciones arriesgadas y muy originales dentro de la sección noves Visions. Hoy hablaremos de Fortress of Skulls, una obra de teatro grabada en directo con un laborioso montaje de cámaras. Gekixcine es la productora que hace esto realidad, y nos deleita con una cinta brillante, épica y divertida, manteniendo y respetando la esencia del teatro clásico en su alma.
Una obra que sorprende por su abrumadora producción, cuidada al máximo y con un nivel de detalle milimétrico. Fortress of Skulls es una obra en la que hay miles de espectadores en la sala, y que posee un escenario giratorio de 360 grados para no perderse detalle alguno. Tiene que ser toda una experiencia disfrutarla en directo. Gracias al festival de Sitges pudimos deleitarnos con una adaptación cinematográfica del director Takuji Izumi al cual entrevistamos en la pasada edición del festival (link a la entrevista).
El filme cuenta con una historia muy bien equilibrada, que viaja desde la épica al drama, pasando por la comedia más infantil hasta llegar a fantásticos combates de espadas perfectamente coreografiados. Una cinta que rebosa aventuras y genialidad en sus dos horas y media de metraje, dejándonos maravillados con sus asombrosos decorados y efectos visuales sin ningún tipo de CGI. Toda esta artesanía visual la aporta el teatro, consiguiendo una experiencia única y muy gratificante.
A nivel interpretativo la cinta es excelente y cuenta con un gran número de actores y extras, personajes carismáticos forjados con maestría.
A nivel sonoro Fortress of Skulls es brutal, mezclando una banda sonora clásica junto con temas de Jrock cañero que hará que se nos pongan los pelos de punta en más de una ocasión.
En definitiva, Fortress of Skulls es el claro ejemplo de que una fusión funciona, llevando a las salas de cine la esencia del teatro clásico, y reforzándola con lo mejor del celuloide. Una producción recomendada para todos aquellos que les guste el cine de acción y el de aventuras. Imprescindible.
Lo mejor: Su acción, decorados y vestuarios. El genial elenco protagonista.
Lo peor: Su duración puede llegar a cansar a más de un espectador. De momento no hay planes de editarlas en occidente en formato físico.
Director: Erik Matti Guion: Erik Matti, Anton C. Santamaria. Reparto: Anne Curtis, Brandon Vera, Victor Neri, Arjo Atayde, Levi Ignacio, Alex calleja.
Un comando especial antidrogas recibe un chivatazo sobre el jefe de la mafia, Beggie Chen. Automáticamente montan una redada en la localización indicada, un peligroso barrio de chabolas de Manila. Una zona laberíntica en el que el más mínimo error podría desencadenar una masacre. Todo parece marchar sobre ruedas, pero algo sale mal. Al parecer hay un topo que los ha delatado. A partir de aquí quedan encerrados en este cruel distrito perseguidos por una infinidad de delincuentes. ¿Podrán salir con vida? ¿Quien es el tipo que los delató?
Erik Matti es uno de los directores más importantes de Filipinas en la actualidad. Su cine pasa por muchos géneros, en especial el terror y el cine negro, aunque sus últimas películas han ido evolucionando hacia la crítica social de una manera bastante directa. Hoy hablaremos de su última producción, Buybust, estrenada en Sitges y añadida recientemente al catálogo de Netflix.
Buybust es un violento thriller policíaco, una cinta de ritmo frenético repleta de acción y muertes por doquier. Un laberíntico survival donde sólo los más fuertes sobrevivirán a esta cruel cacería. Estamos ante una cinta sucia y cruda, de fotografía poco colorista y algo decadente, donde no hay tiempo para el drama, y eso es algo que se agradece, ya que hubiera entorpecido la dinámica del film.
Nos encanta el manejo de Matti en las cámaras, multitud de planos hacen que no nos perdamos detalle, metiéndonos directamente en la acción casi en primera persona, generando tensión al espectador de una manera eficaz y continúa.
La banda sonora es una maravilla, temas con aire de western acompañan a nuestros protagonistas en este viaje a los infiernos, en donde el punk rock y el hard-core suenan en los momentos más caóticos. Como siempre Matti le da mucha importancia a la música en sus producciones, lo cual realza algunas escenas hasta el éxtasis. El reparto es uno de los puntos fuertes de la cinta, encabezado por una maravillosa Anne Curtis, que nos regala una gran actuación junto a Brandon Vera y el resto del equipo.
Sonny Sison y Marol Adelan Eugenio hacen un notable trabajo dirigiendo la acción de Buybust, en especial la parte balística, donde los tiroteos y las explosiones se combinan con unas violentas escenas cuerpo a cuerpo. El arte marcial filipino Kali, cobra fuerza en esta producción, con unas coreografías a veces un tanto lentas y no tan cinematográficas pero que funcionan como desgaste del espectador, por su pesadez y violencia continua. Anne Curtis demuestra ser una perfecta heroína, saltando, disparando y rompiendo todos los huesos posibles de los narcos. Love it!
En definitiva, estamos ante una eficaz cinta de acción, y demuestra que el cine filipino poco a poco se acerca a las grandes producciones. Buybust no es perfecta y no revolucionará el género de acción, pero Matti hace un gran esfuerzo para conseguirlo. Lo mejor: Una cinta de acción sin concesiones, violenta y cruda. El dúo Anne Curtis y Brandon Vera. La banda sonora.
Lo peor: Compararla con The raid. Las escenas de acción no son perfectas, son lentas y a veces surrealistas.
La joven Zin es la amante del jefe Yakuza Masashi, pero antiguamente lo había sido del gángster Tailandés número 8, el cual no soporta verla con otro hombre y los celos lo corroen. Zin queda embarazada y decide huir a algún lugar donde cuidar de su pequeña, lejos de la mala vida del mundo del hampa. Al cabo de unos meses nace Zen, una niña autista que le encantan las películas de artes marciales, en especial las de Bruce Lee y Tony Jaa. Se pasa el día delante de la tele observando a sus vecinos entrenar, ya que vive el lado de un templo de Muai Thai. La pequeña decide aprender artes marciales por su cuenta. Con el paso de los años Zin cae enferma, y su hija junto con un amigo deberán recaudar dinero con las habilidades aprendidas.
Este año en el Festival Nits de cinema oriental de Vic, la temática gira entorno a Tailandia, un país que fue referencia del cine de acción y que marcó la evolución de este mismo hasta la actualidad. Dentro de las retrospectivas programadas pudimos ver Chocolate, en la cual asistió la propia protagonista Jeeja yanin para recoger su merecido premio. Hoy hablaremos un poco de esta espectacular cinta de acción coreografiada por el maestro Panna Rittikrai.
Chocolate es una muy buena propuesta de acción, con coreografías de alto nivel y con una excelente interacción con los escenarios, recordando en ciertas ocasiones al buen cine Hongkonés de antaño. Jeeja Janin demuestra una agilidad impresionante junto con credibilidad en sus acrobáticas técnicas, que dotan a las escenas de una dinámica muy creíble. Si algo destacan las cintas de acción de Tailandia es por sus casi suicidas stunts, los cuales no les importa ser quemados, golpeados e incluso lanzados de edificios. En Chocolate vemos un gran trabajo de coordinación de dobles que realza la espectacularidad del film, hasta niveles dolorosamente geniales.
El guión es simple como cabe esperar en este tipo de producciones, pero funciona muy bien, no abusa del drama y dosifica a la perfección las escenas de acción. El dúo protagonista ayuda a que la trama no se diluya entre tanto festival de ostias. El gran Hiroshi Abe nos deleita con su puesta en escena y su buen hacer. Una fotografía acertada y gran manejo de las cámaras hará que no nos perdamos ningún detalle en las feroces luchas cuerpo a cuerpo, todo esto adornado por una excelente banda sonora que aumentará aún más los momentos de clímax.
En definitiva, Chocolate es una gran película de acción, bien coreografiada, de ejecución notable y con grandes dosis de espectacularidad que harán las delicias de los amantes del género. Una cinta imprescindible para aquellos que disfrutamos de los mamporros a diestro y siniestro.
Lo mejor: Jeeja yanin y las alucinantes escenas de acción. Poder verla en pantalla grande gracias a los amigos del Festival Nits cinema oriental de Vic.
Lo peor: Que te la perdieras en su día y todavía no la hayas visto.
El catador de quesos Naomi Niijima está a punto de cerrar su ansiada venganza, tiene entre sus manos al asesino que le separó de su pequeña hace 6 años. Aunque su vida parece aparentemente tranquila junto a su mujer, Niijima es incapaz de resistir sus ansias de acabar con el asesino, y poco a poco está pudriéndose por dentro. ¿La culminación de la venganza le dará esa paz que necesita?
Kiyoshi Kurosawa es un director brillante y a veces irregular, pero puede presumir de tener en su filmografía joyas absolutas del cine Japonés (Cure, Kairo). Con Eyes of the spider, demuestra que puede salirse del género de terror, regalándonos una cinta atípica de mafiosos y venganza que no dejará indiferente a nadie.
Justo después de rodar su obra maestra Cure, el director estrenó un año mas tarde Eyes of the spider y Serpent`s path (pronto reseña), dos películas en las que el director muestra el camino de un hombre hacia su venganza y las consecuencias que ello acarrea. Obras ferozmente interpretadas por el gran Shô Aikawa. Hoy hablaremos de la primera de ellas.
Estamos ante una rareza en la filmografía del director, una cinta que se mueve fuera de lo convencional. Una cruda historia con tempo pausado e hipnótico, que os atrapará con su aire enrarecido y sus excesos. Las explosiones de violencia, al igual que alguna otra escena, os recordarán en más de una ocasión al cine de Kitano o incluso al de Takashi Miike. Pero nos os engañéis, la obra de Kurosawa tiene la personalidad suficiente y el buen hacer para ser una cinta de visionado casi obligado. Una obra que guarda en su interior más profundidad de la que parece tener a simple vista, tanto sus planos como su extraño guion guardan una reflexión sobre el vacío emocional y el verdadero ser que llevamos dentro. Brillante. Un tour de force perfectamente ejecutado por el carismático Shô Aikawa, que rebosa fuerza en su actuación y que acentúa una película ya de por si cruda y decadente.
Kiyoshi Kurosawa se apoya como ya es habitual del sonido ambiente, silencios rotos por el viento o por los sonidos de la monotonía diaria, generan un malestar y una incertidumbre abrumadora, dejando al espectador alerta en ciertos momentos del film. La monotonía como decadencia del alma.
La cinta posee algunos planos espectaculares que hablan por si solos mezclándose con una fotografía bastante derrotista y oscura. El director combina a la perfección la convencionalidad de las cámaras junto con algunos planos de cámara en mano, que tiemblan para generar tensión y enrarecimiento en el ambiente.
En definitiva, otra joya dentro de la filmografía del director, una historia violenta y a veces divertida, con una naturalidad que roza lo absurdo, pero que os atrapará de principio a fin. Imprescindible.
Lo mejor:La dirección y el montaje del film.Shô Aikawa hace una interpretación excelente. Estar sin saber por dónde va ir la historia hasta el clímax final.
Lo peor: Una cinta de gangsters para no todos los públicos, por su extrañeza general y su tempo pausado.
A continuación os dejamos con la breve entrevista a Takuji Izumi director de Fortress of Skulls en el Festival de Sitges. Nos hablará un poco de la maravillosa fusión entre el teatro y el cine y de cómo se monta este complicado tinglado de samurais y espadas por doquier.
Mike y sus Chinos: Enhorabuena por tu película y bienvenido al festival por segunda vez. No sé si te quedaste a toda la sesión en el teatro Prado, pero en varias ocasiones hubo aplausos y una ovación al finalizar el pase. ¿Qué te parece el ambiente del festival?
Takuji Izumi: Muchas gracias, es todo un honor ver al público tan entregado con Fortress of Skulls. El festival de Sitges es un lugar que recibe mucha energía, ya que normalmente el público japonés es mucho más calmado y reservado. Aquí la gente muestra más emoción, ríen y aplauden y eso es lo que me fascina del festival.
MysC: ¿Porqué decides hacer este proyecto?
TI: Cuando hablamos de teatro vemos que es un sitio cerrado y bastante limitado. Mi idea es llevar el teatro al mundo cinematográfico y que pueda verse por todo el mundo. Mi formación viene del cine, por eso quería ver el teatro desde mi punto de vista, con diferentes planos y secuencias para poder disfrutar la obra en una sala de cine.
MysC: Viendo esta interesante fusión del teatro con el cine ¿Cómo es la producción y preparación de todo esto?
TI: La producción de teatro es lo principal, no hay casi producción de la parte cinematográfica, cogemos las cámaras y grabamos absolutamente todo sin molestar a los actores que están interpretando la historia. Básicamente lo que he hecho a sido grabar una producción teatral para luego montarla en formato película. Fortress of Skulls es una obra de teatro donde hay público, unas mil trescientas personas aproximadamente, grabamos sus dos actos completos sin ningún corte, durante la mañana y la tarde. Más adelante con todo el material se hace el montaje de la película.
MysC: Sorprende la variedad y espectacularidad de los planos. ¿Como se coordina este monumental trabajo de cámaras?
TI: Se hace una pre-producción de una o dos semanas con las 20 cámaras que se han utilizado para Fortress of Skulls, esto sirve para conocer bien el equipo, sus funciones y características técnicas principales, así como la colocación de cada una de ellas.
MysC: Para nosotros el formato GEKIxCINE es algo novedoso y sorprendente ¿podrías explicarnos un poco la historia y sus orígenes?
TI: Fui el primero en grabar una obra de teatro con cámara. Desde el año 2003 he grabado unas 17 películas en este mismo formato. En Japón tampoco es muy común este tipo de producciones, es algo nuevo.
MysC: Después de la maravillosa y épica experiencia viendo Fortress of Skulls, queríamos preguntarte por proyectos futuros. ¿Tienes alguno en mente?
TI: Seguiré haciendo este tipo de películas y me encantaría volver el año que viene (risas). Tengo en marcha dos o tres proyectos de GEKIxCINE.
MysC:¿Has pensado alguna vez rodar una película en formato clásico?
TI: En Japón los presupuestos para hacer una película son muy bajos en comparación a otros países, por ese motivo es difícil dar el salto al formato convencional.
MysC: Muchas gracias por tu tiempo, esperemos que el año que viene regreses con otra genial producción.
Kinou Nani Tabeta? (¿Qué comiste ayer?) es una serie basada en un manga del mismo nombre creado por Fumi Yoshinaga (publicado por primera vez el 22 de noviembre de 2007). La historia habla de una pareja homosexual de mediana edad que vive junta, planteando muchas veces como se lleva en realidad la homosexualidad en Japón. Es un argumento maduro que se aleja totalmente del Yaoi o Boys love juvenil al que solemos estar más acostumbrados, lo cual a mí me parece un soplo de aire fresco, al menos, para gente que quiere tratar este tema de manera más centrada y madura.
Shirou es un abogado al que le encanta cocinar. Este vive con su pareja, un peluquero llamado Kenji. Tras cada arduo día de trabajo, ambos se sientan a la mesa para degustar los platos que prepara Shirou, hablar sobre sus problemas y compartir sus sentimientos. Shirou trabaja en un pequeño bufete, es un buen profesional y se toma muy en serio su trabajo. Tiene 45 años y aunque acepta totalmente su homosexualidad no es algo que le guste gritar a los cuatro vientos, por lo que prefiere guardarlo en secreto. Es hijo único, lo que a veces le hace sentir mal pensar que, al no tener descendencia, les niegue a sus padres la oportunidad de tener nietos. En contrapartida tenemos a Kenji, trabaja en un centro de estética y es una persona simpática, risueña y está tan orgulloso de tener una pareja como Shirou que la mayoría de las veces no puede evitar hablar de él. En el fondo es muy celoso, odia que su pareja haya tenido novias en su juventud y tiene miedo que se canse un día de él y lo deje. Estas diferencias a la hora de llevar la homosexualidad, les lleva muchas veces a muchas discusiones y desavenencias que formarán parte de la historia y que llevan a comprender poco a poco la forma de ser de cada personaje.
Otra cosa muy importante en la historia es la cocina, cada receta que prepara Shirou es explicada detalladamente en cada capítulo por lo que quien la quiera preparar puede hacerlo perfectamente (no la vean con hambre, es un consejo).
En el apartado de la actuación solo puedo decir que es sublime, ambos actores realizan un trabajo interpretativo sobresaliente. Quizás el papel de Kenji (Seiyo Uchino) se me hace más complicado de llevar por lo que pienso que tiene más mérito. Lo mejor: Las interpretaciones de los actores principales. Tocar de manera realista y madura la homosexualidad en Japón. Las recetas de cocina explicadas de manera detallada.
Lo peor: Al ser 12 episodios no da tiempo de profundizar demasiado en los pocos personajes secundarios que hay, por lo que algunos son bastante planos y no aportan nada a la historia. La pareja homosexual secundaria es desesperante.
"El único que necesita el colmillo de elefante, es el propio animal"
Dirección: Chuck Russell Guion: Adam Prince, Chuck Russell Reparto: Vidyut Jammwal, Pooja Sawant, Asha Bhat
El veterinario Raj Nair vive tranquilo en Bombay, donde regenta su propia consulta. Como cada año en el aniversario del fallecimiento de su madre, su padre se pone en contacto con él para pedirle que asista al acto de homenaje que se celebra en su memoria y, como cada año, Raj planea rechazar la invitación.
Sin embargo, esta vez es especial: Es el décimo aniversario del triste suceso y, a pesar de las diferencias con su progenitor, que le distanciaron de él e, indirectamente, le alejaron de la jungla y le llevaron a trabajar en la ciudad, nuestro obcecado héroe acepta asistir.
Volver a la reserva de elefantes en la que se crio, creada hace años por sus progenitores y que no pasa por su mejor momento, ayuda a Raj a reconectar con sus raíces y a redescubrir el motivo por el cual se dedica a lo que se dedica, además de hacerle reencontrarse con sus grandes amigos de la infancia, Bhola y Didi, los elefantes más veteranos del lugar. Todo parece ir bien hasta que un grupo de desalmados cazadores furtivos, hambrientos del tan codiciado marfil, terminan con la tranquilidad de Raj y convierten el idílico panorama que hasta entonces envuelve al espectador en una historia de venganza sin cuartel.
Con todos estos ingredientes, Chuck Russell, director responsable de La Máscara o The Scorpion King, debuta en Bollywood con una película entretenida cuyas escenas de acción están magistralmente interpretadas por el ex especialista Vidyut Jammwa y en la que, por supuesto, no pueden faltar las tan características canciones, si bien en esta ocasión están integradas en el argumento, no añadidas a él, lo que agiliza la historia y acorta considerablemente el metraje del film.
En resumen, Junglee es una historia de amor, de amor hacia la naturaleza, que invita a la reflexión acerca de la coexistencia pacífica (aunque sabemos que, de momento, utópica) entre el hombre y el resto de especies, en la que el espectador no puede evitar empalizar con todos los personajes, tengan estos dos, cuatro o ninguna pata, y enamorarse de los maravillosos paisajes mostrados que, en realidad, no pertenecen a India, sino a un santuario de elefantes ubicado en Tailandia.
Lo mejor: Las escenas de acción. La intervención de la elefanta Didi en un momento clave de la película y, por supuesto, ver a Vidyut peleando (o paseando por la selva) sin camiseta. Lo peor: Hay escenas que involucran a los animales que son bastante crudas y pueden herir sensibilidades, aunque en los créditos aclaran que ningún animal fue herido durante el rodaje.
