sábado, 23 de enero de 2021

Web junkie (Israel, 2013) reseña


"Usaba internet. Mi padre me trajo aquí para ver al médico... Pero me ataron las manos y me encerraron aquí"

Director: Shosh Shlam, Hilla Medalia
Guion: Shosh Shlam, Hilla Medalia
 
El documental empieza con la cara desesperada de un adolescente chino. Está llorando. Dice que todavía no sabe realmente por qué está allí. No hizo nada malo. Sus padres lo drogaron y lo llevaron allí mientras aún dormía y ahora, está atrapado.

 

"Sólo estaba jugando", dice. Se siente realmente desesperanzado, deprimido y sin motivación para vivir y, exactamente igual que él, otros 70 adolescentes están en la misma situación. No hay tiempo para jugar allí. Sólo marcha, obedece órdenes y sé reprogramado.
 
Bienvenido a Daxing Camp, donde su inútil hijo adicto a los videojuegos puede "reconfigurarse” a sí mismo, y finalmente, emocionado de convertirse en un miembro responsable y productivo de la sociedad china.
 
Según un informe publicado por China Internet Network Information Center en 2017, 170 millones de personas menores de 18 años utilizan regularmente Internet en China. La industria de los videojuegos alcanzó los 24 mil millones de dólares SOLO en 2016, y aunque la contribución a la economía china es enorme, la industria del videojuego todavía es fuertemente criticada y culpada, porque en realidad es la droga de 24 millones de adolescentes completamente adictos que pasan más de 17 horas jugando a diario. La adicción a Internet es un verdadero problema en China. La situación era tan mala que, en 2008, el Gobierno decidió aplicar nuevas leyes para regular el uso de videojuegos y declarar formalmente la "adicción a Internet" como un trastorno clínico. Abrieron 400 campamentos de rehabilitación para dar ayuda clínica, médica y apoyo psicológico a los hijos perdidos de familias desesperadas y rotas.
 
Este documental ha sido extremadamente difícil de ver: en mi opinión, estos chicos únicamente estaban jugando. ¿Merecían ser tratados como monstruos sólo porque aman "World of Warcraft"? No, claro que no. Pero la mayoría de ellos dejaron la escuela, descuidaron a familiares y amigos y rechazaron cualquier contacto con la realidad. Pasan la mayor parte del tiempo en cibercafés, algunos de ellos gastan más de 8500 dólares jugando a videojuegos y están despiertos durante días. Ahora en el campamento, parecen zombies que duermen en exceso.

No soy gamer, en general, no soy una gran fan de la tecnología y todavía me cuesta usar mi smartphone, pero para cualquiera que vea este documental, es definitivamente claro que para estos adolescentes los videojuegos no son sólo un hobby, sino una manera de escapar de la presión que la sociedad les impone para tener éxito, para tener un buen trabajo, para finalmente comprometerse con algo serio.
 
La directora de la película eligió los primeros planos como estética narrativa y es magistral cómo deja -frente a la cámara- no las bocas, sino los ojos de esos chicos para hablar de mundos ocultos en los que se aventuran solos para no ser observados o juzgados.  En estos mundos lejanos pueden ser finalmente ellos mismos, pueden ser entendidos y tener amigos reales que, probablemente, comparten con ellos esta cosa (realmente me cuesta decir "adicción").
 
Gran parte de la crítica que tuvo que hacer frente el documental se centra en la falta de conocimiento del método de curación y opciones terapéuticas, pero, con el beneficio de la duda, creo que no ha sido realmente fácil filmar en un hospital militar bajo vigilancia forzada y revisión cercana a la censura. La tensión durante el rodaje es claramente palpable e incluso los psicólogos, en esos raros momentos en los que se les enfoca durante la terapia, se expresan con la misma facilidad como si caminaran sobre cáscaras de huevo.
 
Esta tensión en la filmación también incluye al misterioso profesor/especialista en adicciones/cerebro del campo Dr. Tan Ran que, con palabras pomposas, hace que el punto principal del problema sea bastante evidente: las familias tienen miedo de tener un enfermo mental en casa, el Gobierno teme que los jóvenes dejen de ser funcionales, no se comuniquen y rechacen los roles sociales y las relaciones, se conviertan en adultos ansiosos y deprimidos, inútiles para la sociedad, y algo por lo que deben avergonzarse por su productividad nula.

Ambas partes se niegan a ver la realidad: estos adolescentes se sienten profundamente solos, desconfían de los adultos que cortan cualquier comunicación con ellos y, sobre todo, rechazan la visión confuciana de la familia donde los padres siempre tienen razón sólo porque son tus padres.

Con sus ojos vacíos estos chicos dicen: "No te respetaré si no me oyes".

Realmente te parte el corazón, pero soy una persona romántica y me gustaría pensar que su adicción a los videojuegos es sólo su manera de gritar NO.

Lo mejor:  Todas las escenas durante la terapia familiar son realmente poderosas y te golpean en el estómago.  Si no sientes eso: lo siento, amigo, eres un desalmado.
 
Lo peor: Consistente con su selección narrativa, la directora elige de nuevo un enfoque antropológico centrado en los protagonistas atormentados y, a propósito, deja fuera incluso una mínima investigación sobre el mercado masivo del videojuego chino.

Escrito por Valentina Zaccagnini.

TRAILER 


 

Web junkie (Israel, 2013) review


“I used the internet. My dad brought me here to see the doctor… But they tied my hands and locked me in here instead”

Director: Shosh Shlam, Hilla Medalia
Writer: Shosh Shlam, Hilla Medalia


The documentary opens with the desperate face of a Chinese teenager. He’s crying. He said that he still doesn’t really know why he’s there. He didn’t do anything wrong. His parents drugged him and took him there while he was still sleeping and now, he’s trapped.

 

 “I was just playing” he says. He’s feeling actually hopeless, depressed and with no motivation to live and, exactly like him, other 70 teenagers are in the same situation. There’s no time to play there. Just march, obey orders and be reprogrammed.

 
Welcome to Daxing Camp, where your useless videogame-addicted son can “reconfigure” himself, and finally become responsible and excited to become a productive member of Chinese society.

 

According to a report released by China Internet Network Information Center in 2017, 170 million people under 18 regularly use internet in China. The videogames industry reached 24 billion dollars JUST in 2016 and even if the contribution to the Chinese economy is quite huge, game industry is still strongly criticized and blamed, because it’s actually the drug dealer for 24 million teenagers that are completely addicted, and spend more than 17 hours gaming on daily basis. Internet addiction is a real problem in China. The situation was so bad that, in 2008, the Government decided to implement new laws to regulate the use of videogames and formally declare “internet addiction” as a clinical disorder. They opened 400 rehabilitation camps to help desperate and broken families giving clinical and medical help and psychological support to their lost children.

This documentary was extremely painful to watch: in my view, these boys were just playing. Did they deserve to be treated like freaks just because they love “World of Warcraft”? No, of course not. But most of them quit school, neglected family and friends and refused any contact with reality. They spent most of the time at internet cafés, some of them spent over 8500 dollars to play videogames being constantly awake for days. Now in the camp, they look like just oversleeping lifeless zombies.

 
I am not a gamer, at all, in general I’ am not a huge fan of technology and I am still struggling to use my smartphone but, for anyone watching this documentary, is definitely clear that for these teenagers gaming is not just a hobby but a way to escape from the pressure that society put on them to succeed, to have a good job, to finally settle and commit themselves to something serious.

 

The movie director chose close–ups as narrative aesthetic and it’s masterful how she lets – in front of the camera- not the mouths but the eyes of those boys to talk about hidden worlds in which they venture alone to not be observed or judged.  In these far worlds they can be finally themselves, they can be understood and have real friends that, probably, share with them this thing (I really struggle to say “addiction”).
 
Much of the criticism that the documentary had to face is focused on the lack of insight into the healing method, therapeutic choices but, with the benefit of the doubt, it hasn't been really easy to shoot in a military hospital under close and forced surveillance and review. Tension during shooting in the presence of the camera is clearly palpable and even the psychologists, in those few moments when they got framed during counselling, they express themselves with the same ease as they are walking on eggshells.

 

This tension in the shooting also includes the mysterious professor/addiction specialist/mastermind of the camp Dr. Tan Ran who, in many pompous words, makes the main point of the problem quite evident: families are afraid to have a mental ill person at home, the Government fears that young people stop to be functional, do not communicate and reject social roles and relationships, to turn themselves into depressed and anxious adults who are actually useless to society, and something to be ashamed because of their non-productivity.
 
 
Both of the parts refuse to see reality: these teenagers feel deeply lonely, they distrust adults cutting any communication with them and, above all, they reject the Confucian vision of the family where fathers are always right just because they are your parents.


With their empty eyes these boys say: "I won't respect you if you won't hear me".
It's really heart breaking but I’m a romantic person and I would like to think that their games addiction is only their way to scream a giant NO.


The best: All the scenes during family therapy are truly powerful and they hit your guts. If you don’t feel that: sorry mate, you are heartless.
 
The worst: Consistent with her narrative choices, the director chooses again an anthropological approach focusing on the tormented protagonists and, purposely, leaving out even a minimal investigation to the massive Chinese videogames market.
Written by Valentina Zaccagnini.
 
TRAILER 
 

 

miércoles, 20 de enero de 2021

Hot Soup (China, 2020) review

 "It doesn’t matter if society changes, people's desire to find       happiness remains the same"


Director:
Zhang Ming
Screenplay: Zhang Ming, Wu Ming, Liu Qinyu
Cast: Thomas Price, Li Meng, Zuo Yi

The interesting director Zhang Ming (The pluto moment, The bride) returns with his new production, Hot Soup. An interesting film that tells us about happiness, its quest, its meaning, but above all, how we anchor ourselves on that journey to find it and whether sometimes we lose the course of our lives.

 
 
 
As customary in some productions of this director, the film shows the plot from various points of view. In this case we have four protagonists with different plot threads but that by the montage and several common objects gives us the feeling that there is only one main character. Something we found tremendously original and successful.

Four wonderful stories about four great women in search of happiness in modern Shanghai.

A young executive argues with her fiancé about starting a family, her disagreements will lead the couple to make disparate decisions. A PhD student argues with her teacher for her thesis on happiness. A teenage girl fails to find the perfect boyfriend who meets the expectations of her father, a cruel mobster in a wheelchair for life. A girl dreams of going to the United States who falls in love with a young taxi driver. 
 
 
Hot soup is a delight in many of its aspects, sometimes strange and sometimes a very close film, with a slow tempo, but of agile and surprising montage, that will show us the difficult path of four women to find and understand what happiness is. 
As we have told you before, the plot unfolds from a unique and quite original point of view, since all the stories are intertwined as if it were a single protagonist, showing the viewer that tireless quest to get such precious treasure, that even if they don’t share a path, they have the same destination.

At first glance it may seem like a simple film, but director Zhang Ming delights us with endless details and nuances that manage to capture our attention in an excellent exercise of elegance and good work, but always without losing those specks of tradition that we love to see so much in his films.

"What's the point of investigating when you already have the solution"

Technically the film is excellent, thanks to its elegant soundtrack and a gentle photography with a certain predominance for greenish tones and precise camera work. It also worth mention that it has a remarkable cast with very solid interpretations and quite varied locations. 
 

In short, Hot soup is an exquisite film about life, effort, dedication and how humans become obsessed with seeking precious happiness and sometimes we don't realize that you get it from the little things of everyday life. A clear reflection of how demanding modern society is if you are a woman, and how this brave woman keep trying to find the yellow brick road, when their happiness depends on the ruby shoes.

The best: Its original montage.
Visually very cared for.
A luxury cast.

The worst: A somewhat strange film if you can't get into what the director proposes.
The montage, although we thought it was wonderful, can confuse more than one viewer.

Hot Soup (China, 2020) reseña

"No importa si la sociedad cambia, el deseo de las personas por
encontrar la felicidad sigue siendo el mismo" 


Director:
Zhang Ming
Guion: Zhang Ming, Wu Ming, Liu Qinyu
Reparto: Thomas Price, Li Meng, Zuo Yi

El interesante director Zhang Ming (The pluto moment, The bride) regresa con su nueva propuesta, Hot Soup. Una interesante película que nos habla sobre la felicidad, su búsqueda, su significado, pero sobre todo de cómo las personas nos anclamos en ese viaje por encontrarla y en ocasiones, perdemos el rumbo de nuestras vidas.

Cómo ya es habitual en algunas producciones del director, la cinta muestra la trama desde varios puntos de vista. En este caso tenemos cuatro protagonistas con hilos argumentales diferentes pero que por montaje y varios objetos comunes nos da la sensación de que solamente hay un único personaje principal. Algo que nos ha parecido tremendamente original y acertado.

Cuatro maravillosas historias sobre cuatro grandes mujeres en busca de la felicidad en el Shanghai moderno.

Una joven ejecutiva discute con su prometido sobre formar una familia, sus discrepancias llevarán a la pareja a tomar decisiones dispares. Una estudiante de doctorado choca con su profesor por su tesis sobre la felicidad. Una adolescente no logra encontrar el novio perfecto que cumpla con las expectativas de su padre, un cruel mafioso postrado en una silla de ruedas de por vida. Una chica sueña con ir a los Estados Unidos que se enamora de un joven taxista.
 
 
Hot soup es una delicia en muchos de sus aspectos, un film a veces extraño y en ocasiones muy cercano, de tempo pausado, pero de montaje ágil y sorprendente, que nos mostrará el difícil camino de cuatro mujeres por encontrar y entender que es la felicidad.
 
Como ya os hemos comentado antes, la trama se desarrolla desde un punto de vista único y bastante original, ya que todas las historias están entrelazadas como si de una única protagonista se tratase, mostrando al espectador esa búsqueda incansable por conseguir tan preciado tesoro, que aun no compartiendo ruta, tienen el mismo destino.

A primera vista puede parecer una película simple, pero el director Zhang Ming nos deleita con un sinfín de detalles y matices que consiguen captar nuestra atención en un excelente ejercicio de elegancia y buen hacer, pero siempre sin perder esos apices de costumbrismo que tanto nos gusta ver en sus films.

"Qué sentido tiene investigar si ya tienes la solución"

Técnicamente el film está muy trabajado, gracias a su elegante banda sonora y a una suave fotografía con un cierto predominio por los tonos verdosos y un preciso trabajo de cámaras. También añadir que posee un notable reparto con unas interpretaciones muy sólidas y unas localizaciones bastante variadas. 
 
 
En definitiva, Hot soup es una exquisita película sobre la vida, el esfuerzo, la dedicación y de cómo los humanos nos obsesionamos en buscar la preciada felicidad y en ocasiones no nos damos cuenta que se obtiene de las pequeñas cosas del día a día. Un claro reflejo de lo exigente que todavía es la sociedad moderna si eres mujer, y de cómo estas valientes siguen intentando encontrar el camino de baldosas amarillas, cuando su felicidad depende de los zapatos de rubíes.

Lo mejor: Su original montaje.
Visualmente muy cuidada.
Un reparto de lujo.

Lo peor: Una cinta un tanto extraña si no consigues entrar en lo que nos propone el director.
El montaje, aunque nos ha parecido una maravilla, puede llegar a confundir a más de un espectador. 
 

viernes, 8 de enero de 2021

Psycho- Pass (Japón, 2012)


“¿Cuál es tu color?”

Director: Naoyoshi Shiotani.
Guion: Gen Urobuchi, Jared Hedges, Makoto Fukami.
Reparto: Tomokazu Seki, Kana Hanazawa, Kenji Nojima,Tahahiro Sakurai.

Psycho – Pass es un anime que empezó a emitirse en el año 2012 y que actualmente lleva 3 temporadas, una película (2015) y tres mini películas que hacen que su mundo vaya creciendo cada vez más. En España están editadas por SelectaVision las dos primeras temporadas y las películas. Además, las podemos disfrutar en plataformas como Netflix y Amazon Prime.
 
El mundo que se nos presenta en Psycho-Pass es el de un futuro distópico donde la sociedad vive controlada por un sistema al que llaman Sibyl. Este sistema puede medir el coeficiente criminal de las personas (su Psycho-Pass) y determinar si son criminales en potencia. De ser así, dependiendo de su nivel de criminalidad pueden ir a un centro de rehabilitación, ser eliminados completamente o trabajar como ejecutores para la policía. Los ejecutores son los encargados de perseguir y dar caza a otros criminales junto a los inspectores de policía, estos tienen a los ejecutores bajo su mando ordenándoles que hagan el trabajo sucio para que su propio Psycho- Pass no se vea afectado (ya que este puede ir subiendo o bajando dependiendo de las emociones o formas de proceder). 
 
 
En su primera temporada se nos presenta a nuestra principal protagonista: Akane Tsunemori, inspectora novata que entra a trabajar en la Oficina de Seguridad Pública y es asignada a la unidad 1. Su Psycho- Pass es increíblemente claro y limpio , además tiene la particularidad de que puede recuperarse con rapidez de situaciones que podrían elevar el coeficiente de cualquier otra persona. Aunque desde el principio se le dice que los ejecutores bajo su mando son meros “perros de caza”, Akane insiste en tratarlos como compañeros.  Hará buenas migas con el ejecutor Shinya Kogami, detective nato con gran intuición y capacidad deductiva del que aprenderá muchas cosas dentro del mundo de la investigación. Tanto los ejecutores como los inspectores usan armas especiales llamados Dominators, estas están diseñadas solo para disparar contra aquellos que tienen un  mayor de lo normal. 
 
La serie se centra en casos donde la policía tenga que actuar y sobre todo lo que tenga que ver con Sibyl y su evolución. Se trata el tema filosófico muy a menudo bajo los ojos de Akane y de los antagonistas que van surgiendo, ya que la mayoría van en contra del sistema que rige la sociedad. El principal villano de la serie es Shogo Makishima, un psicopata que no duda en hacer lo que sea para destruir al sistema Sibyl. 
 
 
Bien es cierto que la serie tiene mucho altibajos, ya que, pasamos de una primera temporada grandiosa a una segunda y tercera que no saben dar la talla aunque cumplen la función de entretener. Todo esto se debe al cambio de guionista, que lo volverían a recuperar para la película en 2015. 
 
Psycho- Pass es una obra muy recomendada para aquellos que les guste ese estilo futurista con pinceladas de Ghost In The Shell y que les interese toda la filosofía que plantea: ¿Es justo que el sistema decida por ti?
 
Lo mejor: Buena banda sonora. 
Excelentes personajes e interesante filosofía que plantea el anime.

Lo peor: La segunda y tercera temporada son bastante flojas en comparación a la primera.
 
TRAILER
 

 

lunes, 7 de diciembre de 2020

Birdsong (Bélgica, 2020)

"Este CD contiene una canción extraordinaria"

Director: Hendrik Willemyns.
Guion: Hendrik Willemyns.
Reparto: Natsuko Kobayashi, Akaji Maro, Kazuhiko Kanayama.

La industria musical puede ser a veces desgarradora, visceral, una fábrica de falsos sueños donde el dinero y el poder van más allá de los valores humanos. Con Birdsong, el director y guionista Hendrik Willemyns nos ofrece un espectacular viaje por este mar de depredadores insaciables. Comenzamos!
 
Asuka es una joven que trabaja para una compañía de limpieza la cual se encarga de mantener limpio un edificio donde se crea su programa musical favorito. Su sueño es poder aparecer en él y tocar su canción favorita, con la esperanza de conseguir fama y reconocimiento ya que su vida es monótona y poco emocionante. Un tiempo más tarde y después de un desastroso concierto, una desconocida le ofrece un extraño trabajo, además, le da la oportunidad de ser la alumna de un prestigioso profesor de música. Será capaz Asuka de conseguir su sueño?

Birdsong es una poderosa fábula sobre la vida, los sueños perdidos y el ansia por conseguirlos a toda costa, aunque eso conlleve perder la noción de la realidad en un abismo de sensaciones, locura y desesperación. Por otra parte, también funciona como ácida y cruel sátira sobre el mundo de la música y su industria.

 
Técnicamente la cinta es excelente, gracias a un gran manejo de las cámaras acompañado por una sorprendente fotografía llena de matices con un acabado artístico de diez.

La realidad se funde con el poder de las notas musicales para mostrarnos un mundo paralelo de sentimientos puros, gracias a un notable CGI que nos obsequiará con escenas realmente perturbadoras que rozan (en ocasiones) el cine fantástico o de género.

La trama avanza con ritmo pausado, pero a su vez con una elegancia propia, solamente interrumpida por la crueldad de algunos hechos que deberá afrontar nuestra protagonista en este oscuro relato de la noche en Tokio.

A nivel interpretativo la cinta luce muy bien, tanto por Natsuko Kobayashi como por el elenco de secundarios que pueblan el oscuro mundo creado en Birdsong, que son en parte los ingredientes necesarios para complementar un producto ya de por sí bastante original.

La banda sonora mezcla a la perfección lo clásico con lo electrónico, generando un aire de extrañeza que le sienta muy bien al film y potencia esos momentos de delirio, cuando la música fluye por los cuerpos de nuestros protagonistas y sus sentimientos florecen en estallidos de surrealismo. 
 
 
En definitiva, Birdsong es una grata sorpresa en todos sus aspectos, una cinta que va más allá de ser una mera crítica a la feroz industria musical, sino que también muestra con sensibilidad el poder y el impacto de la música en nuestra alma y como los sueños pueden destrozar todo aquello que amamos y convertirnos en un depredador insaciable.

Lo mejor: Nivel técnico de diez.
La protagonista principal.
Visualmente espectacular.

Lo peor: A más de un espectador podría parecerle extraña, confusa y un tanto lenta.


TRAILER
 

 

lunes, 23 de noviembre de 2020

Sitges 2020: Interview with Ryo Katayama, Director of Roar

First of all, congratulations on your film, Roar, we really enjoyed it at the last Sitges festival.


Ryo Katayama, Director of Roar

Mike y sus Chinos: Japanese independent cinema is something that comes very rarely to our country, but thanks to festivals like Sitges we can enjoy some interesting productions. Is it difficult to film an independent movie like Roar in Japan? How is the health of this kind of cinema in the Japanese industry?

Ryo Katayama: Thank you for watching my film. It is very precious that we get response from people overseas watching the film like this. Regarding filming an independent movie here, it is tough considering the budget. “Roar” was shot in 7days. In that perspective, I would say it’s in very harsh environment. However, the absence of sponsors makes it possible to realize what the director wants to do without caring the balance of power. So, I believe that we can expect high quality of works in those kinds.

MysC: The film moves around the experiences of various main characters and the palpable desperation to try to keep going. A tough story about today’s society. How does this project get into your hands? And why do you decide to film Roar?


RK: This story is set in Fukui, my hometown, but I used to hate there. I hated the people who cannot get away from the indigenous blood. However, as I grow up, I started to realize the fact that the people I hate are also trying hard to live their lives. So, I thought that depicting the people trying hard to live where I used to hate may turn out to be an overwhelming hope instead. That’s the reason I decided to make this film.

Still of Roar

MysC: Watching your film, we are surprised by the crushing spontaneity of some scenes and how the viewers get involved in them.  -What motivated you to explain such a raw story and such brutal realism? Is it based on any personal or close experiences?

RK: You can see my personal experiences in various scenes. I believe that they’re adding
the realism to the film. I’ve been also an actor since before I started filming. As an actor, I’ve always acted just by “living the character,” and I asked these casts to focus on “living the character” in my film as well.

MysC: What are your references when creating a movie?

RK: I refer to my own memory.

MysC: The interpretative level in the film is excellent, both for the main and secondary characters.
How was the process of casting? And how was the experience of working with them during filming?

RK: I’m really happy to have such feedback. Maybe because I’m an actor myself. I expect the casts for a lot of things, but the bottom line is that I like “a person who doesn’t lie,” or an honest person, in other words. Acting is a “lie,” and thus we need the casts to do with their “real” emotion to turn this “lie” into a reality. During filming, we discussed over and over again how we create the “real.” I was happy surrounded by these wonderful casts.

Still of Roar

MysC: Could you explain some anecdote or curious filming facts?

RK: We shot this film in about 7 days, but had 110 scenes in total. The schedule was like hell every day. So, especially the latter half was full of funny accidents;
For instance, the scene with the main character, Makoto and the tramp had basically no conversation, and only three of us, Mr. Anraku as Makoto, Mr. Fukaya as Cinematographer, and the director Katayama as the tramp, were there. We were recording with a fixed microphone. Two of us actually fell asleep during the scene supposed to wake up and the laughter of Mr. Fukaya woke us up. It happened a lot. In a sense, it might be a moment that we were playing the “real.”

MysC: What did you enjoy the most and what was most difficult when shooting the film?

RK: I’m afraid that there was no room for finding enjoyment. It’s the story about the rock bottom. Instead, there were so many difficulties. As I said above, the crew member was only Mr. Fukaya, the cinematographer. Mr. Anraku, the main cast, was the only person who could help on the set. There were some people who helped us on the location, of course, but they all had their own daily jobs. So, it was very tough to manage the shooting just by three of us. At the same time, I felt an extreme sense of unity among us. Maybe that is the reason I’ve never thought of changing the cinematographer when I film.

MysC: After watching your movie, we are very interested to know about your future projects. Could you tell us about any of them?

RK: I filmed my latest project in my hometown Fukui again. The title is “Icchorai” (English title: TBD). It’s in post-production. It’s about a man who runs a Ramen noodle shop on the shopping street, which appeared in “Roar” as well. The man had a dream to go to Tokyo, but caring his dad forced him to stay. He had no choice but clinging to the past. It’s the story about such man. Here is a teaser, so please take a look. Thank you.

TEASER "Icchorai"

Sitges 2020: Entrevista a Ryo Katayama, Director de Roar

Ante todo, felicidades por tu película, Roar, la hemos disfrutado mucho en el último festival de Sitges.

Ryo Katayama, Director de Roar


Mike y sus Chinos: El cine independiente japonés es algo que nos llega con cuenta gotas a nuestro país, pero gracias a festivales como el de Sitges podemos disfrutar de algunas producciones interesantes.
¿Es complicado rodar en Japón una cinta independiente como Roar? ¿Como está de salud este tipo de cine en la industria japonesa?

Ryo Katayama: Gracias por ver mi película. Es muy valioso para mí que recibamos respuesta de gente en el extranjero que ha visto la película.
En cuanto a filmar una película independiente aquí, es difícil teniendo en cuenta el presupuesto. Rodamos "Roar" en 7 días. Con esta perspectiva, yo diría que el cine indie está en un ambiente muy duro. Sin embargo, con la ausencia de patrocinadores te das cuenta de lo que el director quiere hacer sin tener que preocuparse por el equilibrio de poder. Por lo tanto, creo que podemos esperar una alta calidad en ese tipo de obras.

MysC: La película se mueve alrededor de las experiencias de varios personajes principales y la palpable desesperación por intentar salir adelante. Una dura historia sobre la sociedad actual. ¿Como llega este proyecto a tus manos? ¿Y porque decides hacer Roar?

RK: Esta historia está ambientada en Fukui, mi ciudad natal, pero solía odiar estar allí. Odiaba a la gente que no puede escapar de la sangre nativa. Sin embargo, a medida que crecí, comencé a darme cuenta del hecho de que las personas que odio también se esfuerzan por vivir sus vidas. Así que pensé que representar a la gente que se esfuerza por vivir donde yo odiaba podría resultar ser una esperanza abrumadora en su lugar. Por eso decidí hacer esta película.

Fotograma de Roar

MysC: Viendo tu película, nos sorprende la naturalidad aplastante de algunas escenas y como el espectador se hace participe de ellas.
¿Qué es lo que te motivó para explicarnos una historia tan cruda y de un realismo tan brutal? ¿Se basa en alguna experiencia personal o cercana?

RK: Puedes ver mis experiencias personales en varias escenas. Creo que añaden el realismo a la película. También he sido actor desde antes de empezar a filmar. Como actor, siempre he actuado con sólo "vivir el personaje", y les pedí a los actores que se centraran en "vivir el personaje" en mi película también.

MysC: ¿Cuáles son tus referencias a la hora de crear una película?

RK: Hago referencia a mi propia memoria.

MysC: A nivel interpretativo la cinta es excelente, tanto por los personajes principales como secundarios. ¿Como fue el proceso de selección de actores? ¿Y qué tal fue la experiencia al trabajar con ellos durante el rodaje?

RK: Estoy muy feliz de tener tales comentarios. Tal vez porque yo también soy actor. Espero muchas cosas de los actores, pero la conclusión es que me gusta "una persona que no miente", o una persona honesta, en otras palabras. Actuar es una "mentira", y por lo tanto necesitamos que los actores se hagan con su emoción "real" para convertir esta "mentira" en una realidad. Durante el rodaje, hablamos una y otra vez cómo creamos lo "real". Me encantó estar rodeado de estos maravillosos actores.

Fotograma de Roar

MysC: ¿Podrías explicarnos alguna anécdota o dato curioso del rodaje?

RK: Rodamos esta película en unos 7 días, pero tuvimos 110 escenas en total. El horario era un infierno todos los días. Así que, especialmente la segunda mitad del rodaje estuvo llena de accidentes divertidos;
Por ejemplo, la escena con el personaje principal, Makoto y el vagabundo. Básicamente no había diálogo, y sólo tres de nosotros, el Sr. Anraku como Makoto, el Sr. Fukaya como Cinematógrafo, y yo mismo, Katayama, como el vagabundo, estábamos allí. Grabábamos con un micrófono fijo. El Sr. Anraku y yo nos quedamos dormidos durante una escena en la que debíamos despertarnos, pero fueron las risas del Sr. Fukaya lo que nos despertó al ver que nos habíamos quedado dormidos realmente. Sucedió mucho. En cierto sentido, podría ser un momento en que estábamos jugando lo "real".

MysC: ¿Qué es lo que más disfrutaste y lo que fue más difícil al rodar la película?

RK: Me temo que no hubo lugar para encontrar el disfrute. Es una historia sobre tocar fondo. En cambio, hubo muchas dificultades. Como dije anteriormente, el único miembro del equipo era el Sr. Fukaya, el Cinematógrafo. El Sr. Anraku, el protagonista, era la única persona que podía ayudar en el set. Había algunas personas que nos ayudaron en las localizaciones, por supuesto, pero todos tenían sus propios trabajos diarios. Así que fue muy difícil manejar el rodaje únicamente por tres personas. Al mismo tiempo, hubo un sentido extremo de unidad entre nosotros. Tal vez esa es la razón por la que nunca he pensado en cambiar al cinematógrafo cuando filmo.

MysC: Después de ver tu película, estamos muy interesados en saber sobre tus proyectos futuros. ¿Nos podrías hablar de alguno de ellos?

RK: Filmé mi último proyecto de nuevo en Fukui, mi ciudad natal. El título es "Icchorai" (título en inglés: por determinar). Está en postproducción. Trata sobre un hombre que dirige una tienda de fideos Ramen en la calle comercial, que también apareció en "Roar". El hombre sueña con ir a Tokio, pero cuidar de su padre lo obliga a quedarse. No tiene más remedio que aferrarse al pasado. Aquí tenéis el teaser, así que por favor echadle un vistazo. Gracias. 

TEASER "Icchorai"


viernes, 20 de noviembre de 2020

Sitges 2020: May the devil take you too (2020, Indonesia)

"Solo yo tengo el permiso para reclamar tu alma."


Director: Timo Tjahjanto.
Guion: Timo Tjahjanto.
Reparto: Chelsea Islan, Widika Sidmore, Baskara Mahendra, Hadijah Shahab.

El terror Indonesio a pegado muy fuerte este año en el Festival de Sitges, ofreciéndonos tres excelentes propuestas llenas de Folklore, terror y gore, remarcando así, el gran estado de salud actual que posee este género en su país. Frescura, mala leche y reinvención son las palabras que nos vienen a la mente después de ver lo que nos han ofrecido Timo Tjahjanto, Kimo stamboel y Joko Anwar con sus terroríficas producciones.

Hoy hablaremos sobre la segunda parte de la cañera May the devil take you (cinta que tenéis disponible en netflix) dirigida por el gran Timo Tjahjanto (The night come for us, Darah, Killers) y que para nosotros supera a su antecesora. Sin más dilación, comenzamos!
 
 
Dos años después de los hechos ocurridos con el cruel demonio, Alfie y Nara intentan seguir adelante con sus vidas, afrontando los traumas y miedos del pasado aun sufriendo por parte de Alfie terroríficas alucinaciones llegadas desde el mismísimo infierno. Desde las sombras, el poderoso demonio reclama las almas a toda costa. Sus vidas darán un giro de 180 grados cuando un grupo de jóvenes obliguen a Alfie a participar en un rito satánico con tal de liberar al ente que los atemoriza.

Timo Thjanto regresa con May the devil take you too al terror más puro y visceral, repitiendo y mejorando la fórmula que tan buenas críticas recibió con su primera parte. De nuevo nos adentra con maestría y desenfado en un vórtice de violencia sobrenatural repleto de homenajes a sagas tan conocidas como Evil dead, La maldición o incluso a El exorcista, pero siempre con ese respeto y buen gusto por los clásicos. 

El ritmo de la cinta es ágil como los demonios que persiguen a nuestras protagonistas, no dando ni un respiro al espectador y consiguiendo generar esa sensación de malestar e inquietud que tanto nos gusta a los fans del género. Una historia cañera y con muy mala leche.

A nivel técnico la cinta es excelente, posee una buena fotografía, banda sonora y un gran trabajo de cámaras como ya nos tiene acostumbrados el director. Tanto el maquillaje como los efectos especiales también están a un gran nivel, combinando a la perfección lo clásico con el CGI para alegrarnos la vista con todo tipo de posesiones sanguinarias y demás criaturas salidas desde el mismísimo infierno.
 


En el apartado interpretativo el film cumple con creces, pero sin llegar a ser una maravilla, Alfie está estupenda en el papel protagonista pero el elenco de secundarios es un tanto plano.

En definitiva, May the devil take you too es otra genial cinta que nos llega de la mano de Timo Tjahjanto, con su puesta en escena cañera y su ritmo endiablado no podemos hacer otra cosa que recomendarla a todos los fans del buen terror, especialmente del asiático.

Lo mejor: La puesta en escena y el terror visceral.
La ambientación y los efectos especiales.

Lo peor: No sorprende por su guion, si estáis buscando algo nuevo, esta no es vuestra película.
No poder tenerla en formato físico en nuestra colección de cine asiático. 
 
TRAILER
 


viernes, 6 de noviembre de 2020

Come Drink With Me (Hong Kong, 1966)


“Es un criminal y tiene que pagar por sus actos”
 
Director: King Hu.
Guion: King Hu, Ting Shan-Hsi.
Reparto: Cheng Pei-Pei,Yueh Hua, Erh Chun, Chen Hung-Lieh, Li Yunzhong, Ku Feng,Yam Ho, Yuen Hsiao-Tien, Hsu Hsia.

 
 
El género de las artes marciales le debe mucho a King Hu, director cinematográfico chino, que junto a otros resucitaron el género Wuxia. Hay obras importantes en su filmografía como A Touch of Zen (1969-71), galardonada en el Festival de Cannes de 1975, Dragon Inn (1967) o la que reseñaremos en esta ocasión Come Drink With Me, disponible en Amazon Prime.
 
Este film nos muestra como una banda de forajidos secuestra al hijo de un gobernador con la intención de conseguir un trato para intercambiarlo por su líder, actualmente preso. Una agente de la corte (también hermana del secuestrado) apodada “La golondrina Dorada” es enviada por el gobernador para rescatarlo y detener a los criminales. En su camino se encuentra con un joven que esconde un gran secreto y acabará ayudándola en su peligrosa misión.
 

Estamos ante una obra pionera y de las más famosas de la Shaw Bros. Teniendo en cuenta la época y sus limitaciones, estamos ante una de las mejores obras del género mejor filmadas, claro ascendente del género wuxia actual. Posee una trama solida y bien argumentada, personajes simpáticos con toques de humor y muchas escenas de intriga y acción. Película imprescidible para los fans del género.
 
En cuando al diseño de producción es muy modesto debido a la época pero eso no es un impedimento para su disfrute. La protagonista principal tiene un carisma atrayente y las escenas de acción son interesantes aunque las coreografías no estén del todo logradas. Aún cuando los juegos de cámara están mejor conseguidos en los films posteriores del director, aquí ya se pueden apreciar esos primeros movimientos con la cámara que dominaría en el futuro.


En definitiva, un clásico del cine chino que cualquier fan del género no puede dejar escapar.
 
Lo mejor: Una buena trama. Es una obra pionera imprescindible.
 
Lo peor: Coreografías poco logradas debido a las limitaciones de la época.
 
TRAILER