lunes, 7 de diciembre de 2020

Birdsong (Bélgica, 2020)

"Este CD contiene una canción extraordinaria"

Director: Hendrik Willemyns.
Guion: Hendrik Willemyns.
Reparto: Natsuko Kobayashi, Akaji Maro, Kazuhiko Kanayama.

La industria musical puede ser a veces desgarradora, visceral, una fábrica de falsos sueños donde el dinero y el poder van más allá de los valores humanos. Con Birdsong, el director y guionista Hendrik Willemyns nos ofrece un espectacular viaje por este mar de depredadores insaciables. Comenzamos!
 
Asuka es una joven que trabaja para una compañía de limpieza la cual se encarga de mantener limpio un edificio donde se crea su programa musical favorito. Su sueño es poder aparecer en él y tocar su canción favorita, con la esperanza de conseguir fama y reconocimiento ya que su vida es monótona y poco emocionante. Un tiempo más tarde y después de un desastroso concierto, una desconocida le ofrece un extraño trabajo, además, le da la oportunidad de ser la alumna de un prestigioso profesor de música. Será capaz Asuka de conseguir su sueño?

Birdsong es una poderosa fábula sobre la vida, los sueños perdidos y el ansia por conseguirlos a toda costa, aunque eso conlleve perder la noción de la realidad en un abismo de sensaciones, locura y desesperación. Por otra parte, también funciona como ácida y cruel sátira sobre el mundo de la música y su industria.

 
Técnicamente la cinta es excelente, gracias a un gran manejo de las cámaras acompañado por una sorprendente fotografía llena de matices con un acabado artístico de diez.

La realidad se funde con el poder de las notas musicales para mostrarnos un mundo paralelo de sentimientos puros, gracias a un notable CGI que nos obsequiará con escenas realmente perturbadoras que rozan (en ocasiones) el cine fantástico o de género.

La trama avanza con ritmo pausado, pero a su vez con una elegancia propia, solamente interrumpida por la crueldad de algunos hechos que deberá afrontar nuestra protagonista en este oscuro relato de la noche en Tokio.

A nivel interpretativo la cinta luce muy bien, tanto por Natsuko Kobayashi como por el elenco de secundarios que pueblan el oscuro mundo creado en Birdsong, que son en parte los ingredientes necesarios para complementar un producto ya de por sí bastante original.

La banda sonora mezcla a la perfección lo clásico con lo electrónico, generando un aire de extrañeza que le sienta muy bien al film y potencia esos momentos de delirio, cuando la música fluye por los cuerpos de nuestros protagonistas y sus sentimientos florecen en estallidos de surrealismo. 
 
 
En definitiva, Birdsong es una grata sorpresa en todos sus aspectos, una cinta que va más allá de ser una mera crítica a la feroz industria musical, sino que también muestra con sensibilidad el poder y el impacto de la música en nuestra alma y como los sueños pueden destrozar todo aquello que amamos y convertirnos en un depredador insaciable.

Lo mejor: Nivel técnico de diez.
La protagonista principal.
Visualmente espectacular.

Lo peor: A más de un espectador podría parecerle extraña, confusa y un tanto lenta.


TRAILER
 

 

lunes, 23 de noviembre de 2020

Sitges 2020: Interview with Ryo Katayama, Director of Roar

First of all, congratulations on your film, Roar, we really enjoyed it at the last Sitges festival.


Ryo Katayama, Director of Roar

Mike y sus Chinos: Japanese independent cinema is something that comes very rarely to our country, but thanks to festivals like Sitges we can enjoy some interesting productions. Is it difficult to film an independent movie like Roar in Japan? How is the health of this kind of cinema in the Japanese industry?

Ryo Katayama: Thank you for watching my film. It is very precious that we get response from people overseas watching the film like this. Regarding filming an independent movie here, it is tough considering the budget. “Roar” was shot in 7days. In that perspective, I would say it’s in very harsh environment. However, the absence of sponsors makes it possible to realize what the director wants to do without caring the balance of power. So, I believe that we can expect high quality of works in those kinds.

MysC: The film moves around the experiences of various main characters and the palpable desperation to try to keep going. A tough story about today’s society. How does this project get into your hands? And why do you decide to film Roar?


RK: This story is set in Fukui, my hometown, but I used to hate there. I hated the people who cannot get away from the indigenous blood. However, as I grow up, I started to realize the fact that the people I hate are also trying hard to live their lives. So, I thought that depicting the people trying hard to live where I used to hate may turn out to be an overwhelming hope instead. That’s the reason I decided to make this film.

Still of Roar

MysC: Watching your film, we are surprised by the crushing spontaneity of some scenes and how the viewers get involved in them.  -What motivated you to explain such a raw story and such brutal realism? Is it based on any personal or close experiences?

RK: You can see my personal experiences in various scenes. I believe that they’re adding
the realism to the film. I’ve been also an actor since before I started filming. As an actor, I’ve always acted just by “living the character,” and I asked these casts to focus on “living the character” in my film as well.

MysC: What are your references when creating a movie?

RK: I refer to my own memory.

MysC: The interpretative level in the film is excellent, both for the main and secondary characters.
How was the process of casting? And how was the experience of working with them during filming?

RK: I’m really happy to have such feedback. Maybe because I’m an actor myself. I expect the casts for a lot of things, but the bottom line is that I like “a person who doesn’t lie,” or an honest person, in other words. Acting is a “lie,” and thus we need the casts to do with their “real” emotion to turn this “lie” into a reality. During filming, we discussed over and over again how we create the “real.” I was happy surrounded by these wonderful casts.

Still of Roar

MysC: Could you explain some anecdote or curious filming facts?

RK: We shot this film in about 7 days, but had 110 scenes in total. The schedule was like hell every day. So, especially the latter half was full of funny accidents;
For instance, the scene with the main character, Makoto and the tramp had basically no conversation, and only three of us, Mr. Anraku as Makoto, Mr. Fukaya as Cinematographer, and the director Katayama as the tramp, were there. We were recording with a fixed microphone. Two of us actually fell asleep during the scene supposed to wake up and the laughter of Mr. Fukaya woke us up. It happened a lot. In a sense, it might be a moment that we were playing the “real.”

MysC: What did you enjoy the most and what was most difficult when shooting the film?

RK: I’m afraid that there was no room for finding enjoyment. It’s the story about the rock bottom. Instead, there were so many difficulties. As I said above, the crew member was only Mr. Fukaya, the cinematographer. Mr. Anraku, the main cast, was the only person who could help on the set. There were some people who helped us on the location, of course, but they all had their own daily jobs. So, it was very tough to manage the shooting just by three of us. At the same time, I felt an extreme sense of unity among us. Maybe that is the reason I’ve never thought of changing the cinematographer when I film.

MysC: After watching your movie, we are very interested to know about your future projects. Could you tell us about any of them?

RK: I filmed my latest project in my hometown Fukui again. The title is “Icchorai” (English title: TBD). It’s in post-production. It’s about a man who runs a Ramen noodle shop on the shopping street, which appeared in “Roar” as well. The man had a dream to go to Tokyo, but caring his dad forced him to stay. He had no choice but clinging to the past. It’s the story about such man. Here is a teaser, so please take a look. Thank you.

TEASER "Icchorai"

Sitges 2020: Entrevista a Ryo Katayama, Director de Roar

Ante todo, felicidades por tu película, Roar, la hemos disfrutado mucho en el último festival de Sitges.

Ryo Katayama, Director de Roar


Mike y sus Chinos: El cine independiente japonés es algo que nos llega con cuenta gotas a nuestro país, pero gracias a festivales como el de Sitges podemos disfrutar de algunas producciones interesantes.
¿Es complicado rodar en Japón una cinta independiente como Roar? ¿Como está de salud este tipo de cine en la industria japonesa?

Ryo Katayama: Gracias por ver mi película. Es muy valioso para mí que recibamos respuesta de gente en el extranjero que ha visto la película.
En cuanto a filmar una película independiente aquí, es difícil teniendo en cuenta el presupuesto. Rodamos "Roar" en 7 días. Con esta perspectiva, yo diría que el cine indie está en un ambiente muy duro. Sin embargo, con la ausencia de patrocinadores te das cuenta de lo que el director quiere hacer sin tener que preocuparse por el equilibrio de poder. Por lo tanto, creo que podemos esperar una alta calidad en ese tipo de obras.

MysC: La película se mueve alrededor de las experiencias de varios personajes principales y la palpable desesperación por intentar salir adelante. Una dura historia sobre la sociedad actual. ¿Como llega este proyecto a tus manos? ¿Y porque decides hacer Roar?

RK: Esta historia está ambientada en Fukui, mi ciudad natal, pero solía odiar estar allí. Odiaba a la gente que no puede escapar de la sangre nativa. Sin embargo, a medida que crecí, comencé a darme cuenta del hecho de que las personas que odio también se esfuerzan por vivir sus vidas. Así que pensé que representar a la gente que se esfuerza por vivir donde yo odiaba podría resultar ser una esperanza abrumadora en su lugar. Por eso decidí hacer esta película.

Fotograma de Roar

MysC: Viendo tu película, nos sorprende la naturalidad aplastante de algunas escenas y como el espectador se hace participe de ellas.
¿Qué es lo que te motivó para explicarnos una historia tan cruda y de un realismo tan brutal? ¿Se basa en alguna experiencia personal o cercana?

RK: Puedes ver mis experiencias personales en varias escenas. Creo que añaden el realismo a la película. También he sido actor desde antes de empezar a filmar. Como actor, siempre he actuado con sólo "vivir el personaje", y les pedí a los actores que se centraran en "vivir el personaje" en mi película también.

MysC: ¿Cuáles son tus referencias a la hora de crear una película?

RK: Hago referencia a mi propia memoria.

MysC: A nivel interpretativo la cinta es excelente, tanto por los personajes principales como secundarios. ¿Como fue el proceso de selección de actores? ¿Y qué tal fue la experiencia al trabajar con ellos durante el rodaje?

RK: Estoy muy feliz de tener tales comentarios. Tal vez porque yo también soy actor. Espero muchas cosas de los actores, pero la conclusión es que me gusta "una persona que no miente", o una persona honesta, en otras palabras. Actuar es una "mentira", y por lo tanto necesitamos que los actores se hagan con su emoción "real" para convertir esta "mentira" en una realidad. Durante el rodaje, hablamos una y otra vez cómo creamos lo "real". Me encantó estar rodeado de estos maravillosos actores.

Fotograma de Roar

MysC: ¿Podrías explicarnos alguna anécdota o dato curioso del rodaje?

RK: Rodamos esta película en unos 7 días, pero tuvimos 110 escenas en total. El horario era un infierno todos los días. Así que, especialmente la segunda mitad del rodaje estuvo llena de accidentes divertidos;
Por ejemplo, la escena con el personaje principal, Makoto y el vagabundo. Básicamente no había diálogo, y sólo tres de nosotros, el Sr. Anraku como Makoto, el Sr. Fukaya como Cinematógrafo, y yo mismo, Katayama, como el vagabundo, estábamos allí. Grabábamos con un micrófono fijo. El Sr. Anraku y yo nos quedamos dormidos durante una escena en la que debíamos despertarnos, pero fueron las risas del Sr. Fukaya lo que nos despertó al ver que nos habíamos quedado dormidos realmente. Sucedió mucho. En cierto sentido, podría ser un momento en que estábamos jugando lo "real".

MysC: ¿Qué es lo que más disfrutaste y lo que fue más difícil al rodar la película?

RK: Me temo que no hubo lugar para encontrar el disfrute. Es una historia sobre tocar fondo. En cambio, hubo muchas dificultades. Como dije anteriormente, el único miembro del equipo era el Sr. Fukaya, el Cinematógrafo. El Sr. Anraku, el protagonista, era la única persona que podía ayudar en el set. Había algunas personas que nos ayudaron en las localizaciones, por supuesto, pero todos tenían sus propios trabajos diarios. Así que fue muy difícil manejar el rodaje únicamente por tres personas. Al mismo tiempo, hubo un sentido extremo de unidad entre nosotros. Tal vez esa es la razón por la que nunca he pensado en cambiar al cinematógrafo cuando filmo.

MysC: Después de ver tu película, estamos muy interesados en saber sobre tus proyectos futuros. ¿Nos podrías hablar de alguno de ellos?

RK: Filmé mi último proyecto de nuevo en Fukui, mi ciudad natal. El título es "Icchorai" (título en inglés: por determinar). Está en postproducción. Trata sobre un hombre que dirige una tienda de fideos Ramen en la calle comercial, que también apareció en "Roar". El hombre sueña con ir a Tokio, pero cuidar de su padre lo obliga a quedarse. No tiene más remedio que aferrarse al pasado. Aquí tenéis el teaser, así que por favor echadle un vistazo. Gracias. 

TEASER "Icchorai"


viernes, 20 de noviembre de 2020

Sitges 2020: May the devil take you too (2020, Indonesia)

"Solo yo tengo el permiso para reclamar tu alma."


Director: Timo Tjahjanto.
Guion: Timo Tjahjanto.
Reparto: Chelsea Islan, Widika Sidmore, Baskara Mahendra, Hadijah Shahab.

El terror Indonesio a pegado muy fuerte este año en el Festival de Sitges, ofreciéndonos tres excelentes propuestas llenas de Folklore, terror y gore, remarcando así, el gran estado de salud actual que posee este género en su país. Frescura, mala leche y reinvención son las palabras que nos vienen a la mente después de ver lo que nos han ofrecido Timo Tjahjanto, Kimo stamboel y Joko Anwar con sus terroríficas producciones.

Hoy hablaremos sobre la segunda parte de la cañera May the devil take you (cinta que tenéis disponible en netflix) dirigida por el gran Timo Tjahjanto (The night come for us, Darah, Killers) y que para nosotros supera a su antecesora. Sin más dilación, comenzamos!
 
 
Dos años después de los hechos ocurridos con el cruel demonio, Alfie y Nara intentan seguir adelante con sus vidas, afrontando los traumas y miedos del pasado aun sufriendo por parte de Alfie terroríficas alucinaciones llegadas desde el mismísimo infierno. Desde las sombras, el poderoso demonio reclama las almas a toda costa. Sus vidas darán un giro de 180 grados cuando un grupo de jóvenes obliguen a Alfie a participar en un rito satánico con tal de liberar al ente que los atemoriza.

Timo Thjanto regresa con May the devil take you too al terror más puro y visceral, repitiendo y mejorando la fórmula que tan buenas críticas recibió con su primera parte. De nuevo nos adentra con maestría y desenfado en un vórtice de violencia sobrenatural repleto de homenajes a sagas tan conocidas como Evil dead, La maldición o incluso a El exorcista, pero siempre con ese respeto y buen gusto por los clásicos. 

El ritmo de la cinta es ágil como los demonios que persiguen a nuestras protagonistas, no dando ni un respiro al espectador y consiguiendo generar esa sensación de malestar e inquietud que tanto nos gusta a los fans del género. Una historia cañera y con muy mala leche.

A nivel técnico la cinta es excelente, posee una buena fotografía, banda sonora y un gran trabajo de cámaras como ya nos tiene acostumbrados el director. Tanto el maquillaje como los efectos especiales también están a un gran nivel, combinando a la perfección lo clásico con el CGI para alegrarnos la vista con todo tipo de posesiones sanguinarias y demás criaturas salidas desde el mismísimo infierno.
 


En el apartado interpretativo el film cumple con creces, pero sin llegar a ser una maravilla, Alfie está estupenda en el papel protagonista pero el elenco de secundarios es un tanto plano.

En definitiva, May the devil take you too es otra genial cinta que nos llega de la mano de Timo Tjahjanto, con su puesta en escena cañera y su ritmo endiablado no podemos hacer otra cosa que recomendarla a todos los fans del buen terror, especialmente del asiático.

Lo mejor: La puesta en escena y el terror visceral.
La ambientación y los efectos especiales.

Lo peor: No sorprende por su guion, si estáis buscando algo nuevo, esta no es vuestra película.
No poder tenerla en formato físico en nuestra colección de cine asiático. 
 
TRAILER
 


viernes, 6 de noviembre de 2020

Come Drink With Me (Hong Kong, 1966)


“Es un criminal y tiene que pagar por sus actos”
 
Director: King Hu.
Guion: King Hu, Ting Shan-Hsi.
Reparto: Cheng Pei-Pei,Yueh Hua, Erh Chun, Chen Hung-Lieh, Li Yunzhong, Ku Feng,Yam Ho, Yuen Hsiao-Tien, Hsu Hsia.

 
 
El género de las artes marciales le debe mucho a King Hu, director cinematográfico chino, que junto a otros resucitaron el género Wuxia. Hay obras importantes en su filmografía como A Touch of Zen (1969-71), galardonada en el Festival de Cannes de 1975, Dragon Inn (1967) o la que reseñaremos en esta ocasión Come Drink With Me, disponible en Amazon Prime.
 
Este film nos muestra como una banda de forajidos secuestra al hijo de un gobernador con la intención de conseguir un trato para intercambiarlo por su líder, actualmente preso. Una agente de la corte (también hermana del secuestrado) apodada “La golondrina Dorada” es enviada por el gobernador para rescatarlo y detener a los criminales. En su camino se encuentra con un joven que esconde un gran secreto y acabará ayudándola en su peligrosa misión.
 

Estamos ante una obra pionera y de las más famosas de la Shaw Bros. Teniendo en cuenta la época y sus limitaciones, estamos ante una de las mejores obras del género mejor filmadas, claro ascendente del género wuxia actual. Posee una trama solida y bien argumentada, personajes simpáticos con toques de humor y muchas escenas de intriga y acción. Película imprescidible para los fans del género.
 
En cuando al diseño de producción es muy modesto debido a la época pero eso no es un impedimento para su disfrute. La protagonista principal tiene un carisma atrayente y las escenas de acción son interesantes aunque las coreografías no estén del todo logradas. Aún cuando los juegos de cámara están mejor conseguidos en los films posteriores del director, aquí ya se pueden apreciar esos primeros movimientos con la cámara que dominaría en el futuro.


En definitiva, un clásico del cine chino que cualquier fan del género no puede dejar escapar.
 
Lo mejor: Una buena trama. Es una obra pionera imprescindible.
 
Lo peor: Coreografías poco logradas debido a las limitaciones de la época.
 
TRAILER
 

 

viernes, 30 de octubre de 2020

Dororo (Japón, 2019)


“Lo recuperaré todo”
 
Director: Kazuhiro Furuhashi
Guion: Yasuko Kobayashi  y Osamu Tezuka (Manga)
Reparto: Hiroki Suzuki, Rio Suzuki, Naoya Uchida,Shōya Chiba, Akio Ōtsuka

 

Basado en un manga creado por Ozamu Tezuka en 1967 que posteriormente fue adaptado a serie de animación en 1969, Dororo regresó en 2019 por su 50 aniversario. Actualmente, se puede disfrutar  en Amazon Prime.
 
 Dororo cuenta como el ambicioso señor de Daigo, pacta con doce demonios a cambio de conseguir el dominio total de sus tierras y prosperidad para todo su territorio. Evidentemente, como pago entrega a su primer hijo recién nacido, Hyakkimaru, para que sea devorado por los demonios.
El  bebé Hyakkimaru sobrevive contra todo pronóstico, pero carece de ojos, piernas, brazos y otras extremidades, por lo que es abandonado a su suerte por orden de su padre.

Hyakkimaru es rescatado y criado por un médico que le construye miembros protésicos para que pueda tener una vida relativamente normal aunque no pueda ver, oír, ni sentir dolor. El médico se da cuenta que, aunque es ciego,  Hyakkimaru puede “ver” el alma de las personas y así saber si son malvados o no. También presiente entes demoníacas. 
 
 
Dieciséis años más tarde, Hyakkimaru decide recuperar las partes de su cuerpo que fueron robadas. Para ello, debe asesinar a todos y cada uno de los demonios con los que su padre hizo el pacto. Armado con unas prótesis especiales con katanas acopladas, recorrerá todo Japón decidido a recuperar lo que le pertenece.
 
En su periplo se encuentra con Dororo, un ladronzuelo que decide acompañarlo y ser sus ojos y sus oídos. Un fuerte vínculo les unirá y no desistirán en su empeño de recuperar el cuerpo de  Hyakkimaru, lo que también traerá problemas a las tierras de Daigo. Cada demonio que perece, más desestabiliza la paz de todo el territorio, eso hará que el señor de Daigo, su padre, decida ir en su búsqueda para acabar con él.
 
El anime de Dororo ha querido rendir homenaje a la obra de Osamu Tezuka, una historia que se nutre de la química  entre los dos protagonistas y que aún así no hace que pierdas interés. El estilo aunque bebe del original y conserva detalles del dibujo, esta vez da paso a una imagen más contemporánea.
 
La animación es buena pero sencilla, y aunque en los primeros capítulos los combates tienen una calidad alta, en la segunda mitad de la serie se nota un descenso. Aún así, no deja de ser disfrutable.
Su mayor mérito, es no cansar al espectador cuando la mayoría de los diálogos pasan por Dororo en gran parte de la serie, ya que al principio Hyakkimaru no habla.
 
 
 
Sinceramente creo que estamos ante una de las mejores series del año 2019 aunque no sea perfecta. Totalmente recomendada para los amantes del género chambara con toques de fantasía, buenas peleas y mucha sangre.
 

Lo mejor: La historia. 

La relación entre Dororo y  Hyakkimaru.
 
Lo peor: La bajada de calidad de la animación en la segunda mitad de la serie.
 
TRAILER 
 

 

viernes, 16 de octubre de 2020

Sitges 2020: Entrevistando a Mathieu Turi, Director de Meandre

Mathieu Turi es un director francés que ya nos sorprendió en 2017 con Hostile, una interesantísima producción de ciencia ficción apadrinada por Xavier Gens y que como en ésta, explora las emociones humanas. Después de disfrutar de la magnífica Meandre, hemos tenido oportunidad de hablar con él.

Mathieu Turi, Director de MEANDRE

Mike y sus Chinos: En primer lugar, felicidades por tu fantástica película. Meandre ha sido una brisa de aire fresco (aunque claustrofóbico) en el género de ciencia ficción. Nuestra impresión es que va a ser una de las mejores cintas de ciencia ficción de este año, y será una producción difícil de superar.

Mathieu Turi: ¡Muchas gracias! :)

MysC: Han pasado 3 años desde el estreno de Hostile. ¿Cómo ha sido la escritura y producción de tu nueva película, Meandre?

MT: En realidad, escribí el guion de MEANDRE durante el desarrollo de HOSTILE, y justo después del rodaje, mis productores querían rodarla, así que fue un poco rápido, aunque la palabra "rápido" en este negocio puede significar un año o dos... Así que, en 2019, estábamos listos para filmar y lo hicimos de noviembre de 2019 a enero de 2020, durante 32 días, en un estudio francés cerca de París.

Mathieu Turi, Director de MEANDREítulo

MysC: La película casi comienza con Lisa dentro del tubo, un laberinto lleno de trampas donde debe aprender algo que aún no sabe. ¿Cómo empiezas a escribir esta historia? Parece como algo que has experimentado, metafóricamente hablando.

MT: Yo diría que proviene de diferentes fuentes, pero siempre trato de ponerme dentro, así que hay algo al mismo tiempo personal pero también universal que es la idea de la claustrofobia. No soy claustrofóbico en absoluto, pero recuerdo que, cuando era un niño pequeño, solía ir debajo de nuestra casa, donde tenía que acostarme boca abajo para moverme, y era una sensación espeluznante. Además, en ALIENS de James Cameron, está esa escena en la que Bishop necesita moverse en un tubo estrecho, para ir de un edificio a otro, y yo estaba aterrorizado, esperando que un alien aparecería... pero no pasa nada en la escena, y yo estaba aún más aterrorizado :). Y más en serio, la película trata sobre la pérdida, el luto y el dolor, pero también la esperanza y la determinación que necesitamos para vivir en este mundo, así que supongo que todo el mundo puede poner algo personal en él.

MysC: Continuando con el guion, cuando terminamos la película había muchas teorías sobre lo que le ha pasado a Lisa. La mayoría de la gente estuvo de acuerdo en que era una especie de purgatorio, algo religioso. Nuestra opinión es un poco diferente ya que vemos rastros del budismo en él (el monstruo, el sufrimiento, aprender a aceptar cosas en la vida, el amor, el perdón, y finalmente la ascensión, casi literalmente, a la iluminación). ¿Qué pretendías explicar?

MT: Esta es una pregunta muy interesante, ya que mi idea desde el principio era poner esa religión o /y vibraciones filosóficas alrededor de la historia. No es un truco, está en su núcleo. No voy a spoilear la película, pero realmente quería poner a Lisa en una posición donde ella tenía que pasar por todo el proceso: muerte, amor, perdón, paz, etc... Y para eso, ella necesita luchar física Y emocionalmente. Por lo tanto, esto es realmente importante para mí. También quería mezclar la idea de la ciencia ficción y la religión, y el concepto de fe en general.

Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: A continuación, queremos hablar de la dirección. ¿Qué tan difícil ha sido planear en avanzado, junto con el director de fotografía, todas las secuencias del viaje que hace Lisa? ¿Cómo afectó esto también al departamento de arte?

MT: Fue el reto desde el principio: rodar una película en un espacio muy estrecho, sin olvidar ser significativo en los movimientos de la cámara, las tomas y el ritmo. Así que, como siempre hago, muy temprano en el proceso, dibujo cada toma. CADA toma de la película, así que tengo una idea muy clara de lo que quiero y lo que necesito. Y después de eso, mi Director de Foto y yo, Alain Duplantier, trabajamos en la parte del "¿cómo diablos lograremos eso?". Aquí es donde las ideas van y vienen, y donde el proceso creativo está en su mejor momento, porque todo el mundo trata de encontrar nuevas ideas, mejores conceptos o a veces iluminación en una escena que se convierte en algo nuevo. Trabajamos mucho con nuestro diseñador de producción Thierry Jaulin en los decorados, y fue muy MUY complicado. La razón principal es que no podríamos tener sólo un tubo muy largo, porque habría sido imposible filmar en él. Así que tuvimos que imaginar varias piezas, una para cada trampa, con todos los mecanismos y algunos paneles móviles para filmar a través, y algunas otras porciones largas para todos los momentos "tranquilos" cuando ella simplemente se arrastra. E incluso para eso, tuvimos que crear algunas plataformas locas, como una pequeña jaula sobre ruedas que se ajusta perfectamente al tubo y podía moverse hacia arriba, hacia abajo y hacia adelante. ¡Fue algo experimental!

MysC: Es muy interesante cómo las luces y la monotonía de color, contrastan con las alertas en el brazalete de Lisa y los colores de las pruebas. ¿Cómo te imaginaste todas las escenas? ¿Por qué estos colores?

MT: La idea que tuvimos con Alain, el Director de Foto, era ser muy experimental con los colores. Primero, tuvo la loca idea de iluminar apenas exclusivamente con la luz del brazalete. Tuvimos que encontrar un sistema led muy caro, que pudiéramos transformar a un brazalete (en realidad cuatro de ellos), y que pudiera cambiar de color, ser sólido, etc... También necesitábamos esconder un cable en el traje, que contenía baterías para que funcionara. Entonces, decidimos jugar con los colores y los contrastes, principalmente el azul oscuro/gris del tubo contra el brazalete amarillo/oro/verde. La idea era que la frialdad del tubo, que representaba a la muerte, era iluminada por el calor y la esperanza representada por ese oro. Como un destello en la noche. Luego, para las trampas, trabajamos en luces procedentes del tubo esta vez, con colores agresivos, verde ácido, rojo sangre, naranja fuego, etc...

Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: En cuanto a los actores, sólo hay 4 de ellos en la película. Gaïa Weiss tiene todo el peso en el film. ¿Fue difícil elegir el personaje de Lisa? ¿Cómo fue la preparación para su papel?

MT: El casting no fue fácil, pero tuve la suerte de que Gaïa aceptara el papel, ¡y vamos si lo clavó! Era complicado, no sólo por estar sola en el tubo, sino porque tenía que estar siempre en su mejor momento físico e interpretativo. Y ella está en CADA toma más o menos. Estoy agradecido de haber tenido la oportunidad de trabajar con ella, tenía la película completamente sobre sus hombros y lo dio todo. Peter Franzen también fue increíble. Realmente quería trabajar con él y es tan amable, como profesional, siempre tratando de dar más. Fue un sueño trabajar con él.

MysC: ¿Nos puedes contra alguna anécdota del rodaje?

MT: Podría escribir una novela con anécdotas ^^. Pero yo diría que uno en particular es el día en que pusimos el tubo en llamas. No quería filmar completamente con VFX, así que básicamente... ¡prendimos fuego al tubo! Lo hicimos el último día (obviamente), en exteriores, por la noche. Fue bastante divertido, con todo el equipo viendo a los tipos de SFX trabajando. Y la idea era poner algo de fuego en él, durante tal vez uno o dos segundos, para evitar que el set se desperdiciara por completo. Pusimos dos cámaras, enviamos el fuego... ¡pero no podíamos detener el fuego! Era seguro para el equipo, ya que las cámaras fueron pilotadas desde la distancia, pero casi todo el set fue destruido en la toma uno. Tuvimos suerte de que la filmación fue INCREÍBLE durante los 10 segundos que necesitábamos, y pudimos filmar toma 2 y 3 en alguna otra parte del tubo. Pero el 90% de la filmación son de esa toma. A veces tienes suerte... ¡Esto es magia de cine!
Fotograma de MEANDRE, con Gaïa Weiss

MysC: Y por último, cuéntanos sobre futuros proyectos, si puedes. ¿Qué sigue en tu mente?

MT: Tengo TONELADAS de proyectos, pero ya sabes, en este negocio, tienes que trabajar en varios proyectos para hacer uno de ellos real. Algunos de los que no puedo hablar, pero también estoy trabajando en una gran película medieval, adaptada de un famoso cómic francés (no puedo hablar de ello, o me matarán :)). Me encantaría que fuera mi próximo proyecto, pero es tan grande que creo que tendré tiempo de rodar otra película antes de eso... Todo lo que puedo decir es que no será una comedia ;)

Sitges 2020: Interviewing Mathieu Turi, Director of Meandre

Mathieu Turi is a French director who surprised us in 2017 with Hostile, an interesting sci-fi production supported by Xavier Gens and which, as in this one, explores human emotions. After enjoying the amazing Meandre, we had a chance to talk to him.

Matheiu Turi, Director of MEANDRE

Mike y sus Chinos: First of all, congratulations for your terrific movie. Meandre has been a breeze of fresh air (although claustrophobic) in the sci-fi genre. Our impression is that it's going to be one of the best sci-fi films of this year, and it will be a tough movie to beat.

Mathieu Turi: Thank you so much! :)

MysC: It's been 3 years since the premiere of Hostile. How’s it been the writing and production of your new film, Meandre?

MT: Actually, I wrote the script for MEANDRE during the development of HOSTILE, and just after the shoot, my producers wanted to do it, so it was kind of quick, even if the word “quick” in this business can mean a year or two… So in 2019, we were ready to shoot and we did from November 2019 to January 2020, during 32 days, in a French studio near Paris.

Matheiu Turi, Director of MEANDRE

MysC: The movie almost starts with Lisa inside the tube, a labyrinth full of traps where she must learn something she still doesn't know. How do you start writing this story? It feels like something you have experienced, metaphorically speaking.

MT: I would say it comes from different sources, but I always try to put myself in, so there is something at the same time personal but also universal which is the idea of claustrophobia. I’m not claustrophobic at all, but I remember that, when I was a little boy, I used to go under our house, where I had to lie on my stomach to move, and It was a creepy feeling. Also, in ALIENS by James Cameron, there is that scene where Bishop needs to travel in a narrow tube, to go from a building to another, and I was terrified, being sure an alien would pop up… but nothing happens in the scene, and I was even more terrified :). And more seriously, the movie is about loss, mourn and pain, but also hope and the determination we need to live in this world, so I guess everybody can put something personal on it.

MysC: Continuing with the script, when we finished the movie there were a lot of theories about what has happened to Lisa. Most people agreed it was some kind of purgatory, something religious. Our opinion it's a little different since we see traces of Buddhism in it (the monster, the suffering, learning to accept things in life, the love, the forgiveness, and finally the ascension, almost literally, to the enlightenment). What did you intend to explain?

MT: This is a very interesting question, as my idea from the start was to put that religion or/and philosophical vibes around the story. It’s not a gimmick, it’s at its core. I won’t spoil the movie, but I really wanted to put Lisa in a position where she had to go through all the process: death, love, forgiveness, peace, etc… And for that, she needs to fight physically AND emotionally. So, this is indeed important to me. I also wanted to mix the idea of science-fiction and religion, and the concept of faith in general.

Still of MEANDRE with Gaïa Weiss

MysC: Next, we want to talk about the direction. How difficult has been to plan in advanced, together with the director of photography, all the sequences of the journey that Lisa does?
How did this affect to the art department too?

MT: That was the challenge from the start: shooting a movie in a very narrow space, without forgetting to be meaningful in the camera movements, the shots and the rhythm. So, as I always do, very early in the process, I draw every shot. EVERY shot of the movie, so I have a very clear idea of what I want and what I need. And after that, me and my DOP, Alain Duplantier, we worked on the “how the hell we will achieve that? “part. This is where ideas come and go, and where the creative process is at its best, because everybody try to find new ideas, better concepts or sometimes illumination on a scene that become something new. We worked also a lot with our Production Designer Thierry Jaulin on the sets, and it was very VERY complicated. The main reason is that we couldn’t have just one very long tube, because it would have been impossible to shoot in it. So, we had to imagine several pieces of it, one for each trap, with all the mechanisms and some movable panels to shoot through it, and some other long portions to all the “calm” moments when she just crawls. And even for that, we had to create some crazy rigs, like a little cage on wheels that fit perfectly to the tube and could move up, down, ahead and forward. It was kind of experimental!

MysC: It's very interesting how the lights and monotony of colour, contrast with the high alerts on Lisa's bracelet and the colours of the tests. How did you imagine all the scenes? Why these colours?

MT: The idea we had with Alain, the DOP, was to be very experimental with the colours. First, he had the crazy idea to light barely exclusively with the light from the bracelet. We had to find a very expensive led system, which we could morph to a bracelet (actually four of them), and who could change colours, be solid, etc… We also needed to hide a cable in the suit, which contained batteries for it to work. Then, we decided to play with the colours and the contrasts, mainly the dark blue/grey of the tube going against the yellow/gold/green bracelet. The idea was that the coldness of the tube, representing death, was enlighten by the warm and the hope represented by that gold. Like a sparkle in the night. Then, for the traps, we worked on lights coming from the tube this time, with aggressive colours, acid green, blood red, fire orange, etc… 

Still of MEANDRE with Gaïa Weiss

MysC: Regarding the actors, there are only 4 of them in the movie. Gaïa Weiss has all the weight in the film. Was it difficult to choose the character of Lisa?
How was the preparation for her role?

MT: Casting was not easy, but I was lucky enough to have Gaïa accepting the part, and boy she nailed it! It was complicated, not only about being alone in the tube, but because she had to be always at her best physically AND in her interpretation. And she is in EVERY shot or so. I’m grateful I had the chance to work with her, she completely had the movie on her shoulders, and she gave everything. Peter Franzen was awesome too. I really wanted to work with him, and he’s as kind as he is professional, always trying to push the envelope and doing more. It was a dream to work with him.

MysC: Can you tell us some anecdote from the shooting?

MT: I could write a novel with anecdotes from it ^^. But I would say that one in particular is the day we put the tube on fire. I didn’t want full VFX fire shots, so we basically… send fire in the tube! We did it the last day (obviously), on an outside lot, by night. It was kind of friendly, with all the crew watching the SFX fire guys working. And the idea was to put some fire in it, for maybe one or two seconds, to avoid the set to be completely wasted. We put two cameras on it, sending the fire… but the fire guy couldn’t stop the fire! It was safe for the crew, as the cameras were piloted from distance, but the entire part of the set was destroyed on take one. We were lucky that the shots were AMAZING for the 10 seconds we needed, and we were able to do take 2 and 3 or some other part of the tube. But 90% of the fire shots are from that take. Sometimes you got just lucky… This is movie magic!

Still of MEANDRE with Gaïa Weiss

MysC: And finally, tell us about future projects, if you can. What's next on your mind?

MT: I have TONS of projects, but you know, in this business, you have to work on several projects to make one of them real. Some I can’t talk about, but I’m also working on a big medieval film, adapted from a famous French comic book (can’t talk about it, or I’ll get killed :)).  I would love it to be my next project, but it’s so big that I think I’ll have the time to shoot another movie before that… All I can say is that it won’t be a comedy ;)

lunes, 12 de octubre de 2020

Sitges 2020: Becky (USA, 2020)

"Había una vez una pequeña niña. Cuando era buena era muy buena, pero cuando era mala, era horrible"
 
Director: Jonathan Milott, Cary Murnion
Guion: Nick Morris, Ruckus Skye, Lane Skye
Reparto: Lulu Wilson, Kevin James, Joel McHale, Robert Maillet, Amanda Brugel, Isaiah Rockcliffe

Becky (Lulu Wilson) es una adolescente enfadada con el mundo tras la muerte de su madre, pero especialmente con su padre (Joel McHale), que insiste en que la vida debe seguir hacia adelante. Cuando ambos llegan a la cabaña del bosque donde han pasado tan buenos momentos, la sopresa para Becky será encontrar allí a Kayla (Amanda Brugel), novia de su padre, y a su hijo Ty (Isaiah Rockcliffe). Enfurecida por la noticia que su padre y Kayla han decidido casarse, Becky buscará refugio en su pequeño bunker en mitad de la nada, donde recordará todos los momentos que ha vivido con su madre. Mientras la familia se queda en la casa pensando en como hacer entrar en razón a Becky, picarán a la puerta un conjunto de escoria humana fascista, dispuestos a todo para encontrar la (literal) llave que les abrirá las puertas hacia un nuevo orden racial. Es entonces cuando Becky decidirá hacer uso de su furia interior para ayudar a la familia a escapar.


Si habéis seguido la estela de los directores de Becky, Jonathan Milott y Cary Murnion, veréis que sus películas tienen algo en común: en ellas hay niños o adolescentes expuestos a temas tabú para ellos por culpa de los adultos, siendo sus films de género no realista. Ya en Cooties apuntaban maneras convirtiendo a niños en zombies, en Bushwick haciendo que Britanny Snow tuviera que luchar por su vida durante la guerra y vuelven a hacerlo en Becky, transformando a la pequeña Lulu Wilson en una psicópata. Es un tema delicado, el hacer de una adorable pre-adolescente una perturbada. Normalmente cuando se presentan este tipo de personajes suelen ser poseídos por demonios o similar, no porque la vida les obligue a ello. Sin embargo Becky debe ser una psicópata para sobrevivir y esto hace que la película tenga ese punto original no visto demasiadas veces (no contamos aquí retratos más hiper realistas de niños en guerras). Becky sobre todo, es un film de género, bastante gore, donde una niña hace lo posible para matar todo aquello que se interpone en su camino. Un guion bien desarrollado que falla un poco en algunos aspectos.


Así como la dirección en general es correcta creando buenos momentos de tensión, la dirección de actores e incluso el cásting son un poco irregulares. No hay demasiada química ni en el núcleo familiar, ni en el núcleo fascista, aunque por si solos los actores lleguen a niveles adecuados.

La fotografía y efectos especiales también son apropiados, creo que no arriesgando demasiado. Aun así, los momentos de sangre se agradecen y son de buen ver, especialmente la primera muerte a manos de Becky.

En definitiva, si sois curiosos de la mente humana en niñas y pre-adolescentes, os gusta el gore y los survivals no os podéis perder Becky.

Lo mejor: Ver las muertes que deja Becky a su paso.

Lo peor: No le habría venido mal un mejor cásting.

 

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domingo, 11 de octubre de 2020

Sitges 2020: Black water: Abyss (Australia/USA, 2020)

"Podemos morir comidos o ahogados. Que decides?"

Director: Andrew Traucki
Guion: John Ridley, Sarah Smith
Reparto: Jessica McNamee, Luke Mitchell, Amali Golden, Benjamin Hoetjes, Anthony J. Sharpe

Cinco amigos deciden hacer una expedición por la jungla en el norte de Australia para explorar una cueva que ha encontrado uno de ellos mientras buscaba a unos turistas desaparecidos. Al principio todo es hermoso y excitante hasta que al final de la gruta descubren un enorme cocodrilo. Por si las cosas no estuvieran ya mal, una tormenta empieza a inundar la cueva. Podrían ir peor las cosas?

Andrew Traucki no es nuevo dirigiendo monster movies. En esta ocasión vuelve a sus inicios en el cine introduciendo de nuevo a cocodrilos (aunque de título similar Black water y Black water: Abyss tienen únicamente en común la persecución incansable de cocodrilos a personas. En ningún momento es una segunda parte). La dirección de Traucki no es mala, pero quizás todavía inexperta en según qué momentos, especialmente en cuanto a crear tensión se refiere. Y es que si de algo malo peca la película es de no reforzar la tensión en los momentos adecuados y alargar demasiado el film.


El guion, de por si simple, siendo ésta una monster movie, deja escapar algunos momentos interesantes a mi parecer y alarga innecesariamente momentos dramáticos que poco tienen que ofrecer a la historia. Quizás el background de ambos guionistas está más dirigido a la televisión que al cine.

El reparto es lo más destacable de esta película. Los 5 actores principales están correctos durante el desarrollo del film, especialmente la protagonista, Jessica McNamee, que ofrece una actuación notable.


En definitiva, Black water: Abyss, no nos va a cambiar la vida, y si hubiera recortado algunos momentos de la historia hubiera sido un mejor producto. Aun así, es un buen entretenimiento.

Lo mejor: el reparto.

Lo peor: un guion un poco flojo y una duración demasiado larga.

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jueves, 8 de octubre de 2020

Sitges 2020: Peninsula (Corea, 2020)

"2 millones y medio de dólares... Si volvéis con vida"

Director: Yeon Sang-ho
Guion: Yeon Sang-ho, Ryu Yong-jae
Reparto: Gang Dong-Won, Lee Jung-hyun, Kim Do-Yoon, Kwon Hae-hyo, Lee Re, Lee Ye-Won, Kim Min-Jae, Koo Gyo-hwan

Jung Seok (Gang Dong-Won) es un soldado que consigue escapar por los pelos con su única familia justo cuando una epidemia zombie ataca la península de Corea. En el barco donde escapan, no toda la familia conseguirá sobrevivir. Desde ese momento se convertirán en refugiados y escoria de la sociedad. Cuando un gangster de poca monta convence a Jung Seok y Chul Min (Kim Do-Yoon), cuñado de Jung Seok, para que vuelvan a Corea con la promesa de 10 millones de dólares, poco tendrán ambos que pensar con la promesa del dinero. Lo que no saben es que no solo quedan zombies en Corea...


 

Peninsula es el cierre de la trilogía que nos trae Sang-ho Yeon: la película de animación Seul Station y el film Train to Busan. Es una película redonda para acabar la trilogía, ya que cada una de las tres películas ofrece diferentes visiones y subgéneros. Sang-ho se luce otra vez en la dirección, ofreciendo más en todo, más acción, más drama y más sangre.

La historia es muy entretenida para ser del género zombie, recordando en algunos momentos a 1997 Rescate en NY. Un guion bien construido y elaborado.

La película en lo que más se luce es en el cásting. El elenco tiene una química increíble, especialmente con las niñas protagonistas. Gang Dong-Won como conductor de la historia está espectacular y Jung-hyun Lee como madre coraje ofrece ese punto dramático para conducir a un final tenso y estremecedor.



 

En definitiva, Peninsula no deja de ser una película de zombies, aunque nos introduce pequeños elementos que la hacen muy disfrutable.

Lo mejor: El gran elenco de actores.

Lo peor: No te va a cambiar la vida, es una peli de zombies.

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miércoles, 30 de septiembre de 2020

Creatures Family Days (Taiwán/Japón, 2018)

“No somos normales, ¿Y qué?”

Director: Wei Tianxing
Guion: Zhiheng Cai (Manhua: Yanai)
Reparto: Ning Yang, Shuang Wang, Nianru Shen, Cheng Xue, Souma Kouichi, Sugiyama Riho

Creatures Family Days (conocida también como Frankenstein Family) es un cómic taiwanés escrito por Yanai. En Japón fue publicado por la revista manga Monthly Comic el 21 de octubre de 2017 y la adaptación a serie de animación se estrenó el 9 de abril de 2018.

La historia nos cuenta como un matrimonio de científicos locos ha experimentado con sus propios hijos convirtiéndolos en híbridos de plantas y animales con poderes especiales. El hijo menor, considerado un genio, fue el único que no sufrió estos experimentos y es actualmente un niño normal. Los problemas llegan cuando sus padres son detenidos por realizar esta serie de investigaciones y experimentos y ahora los hermanos deben enfrentarse al mundo real fuera del laboratorio donde se criaron.

Creatures Family Days es una serie muy divertida con toques de drama, donde vemos los esfuerzos del hermano menor Tanis, al intentar tener una relación más normal con sus hermanos y que estos sepan comportarse en sociedad. La dificultad reside no solo en este aspecto, sino que muchos de ellos no tienen ningún interés en integrarse.  Los genes del hermano mayor, Snow están fusionados con los de un perro y tiene tres formas: humano, medio perro y perro completo. Esto hace que tenga una personalidad complaciente e intente ayudar en lo que pueda. 

Otro caso diferente es el de su hermana Aisley, que lleva genes de araña y como tal, le salen patas de araña de la espalda. Ella acepta que no son personas normales y que nunca serán aceptados en el barrio, molestándose con Tanis cada vez que niega la evidencia. Ashise, tiene genes de planta y no le hace falta comer, con tomar el sol le es suficiente y por último la solitaria y taciturna Suishi, que puede leer las mentes de los demás.
 

 
Tanis, aunque es el menor de los hermanos, decide tomar el puesto de tutor o guía, ya que es el único que sabe como funciona el mundo. Aun así, es solo un niño y a veces la presión le pasará factura.

Estamos ante una serie agradable, entretenida y gracias a sus 12 capítulos no se hace larga en absoluto. Su punto fuerte es como evoluciona la relación entre los hermanos y como el apoyo mutuo será necesario para salir de todos los problemas mientras Tanis va aceptando poco a poco a sus hermanos mayores tal y como son.

Lo mejor: La historia y como evoluciona.


Lo peor: Argumento potente que podría haber dado más de sí.
 
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sábado, 26 de septiembre de 2020

FEFF22: Exit (Corea del sur, 2019)

"El gas liberado en la ciudad, puede matarnos en varios minutos"

Director: Lee Sang-Geun.
Guion: Lee Sang-Geun.
Reparto: Jo Jung-suk, Yoona, Ko Du-shim, Park In-hwan.
 
El festival Far East Film nos propone en esta edición una espectacular y variada programación en un año tan complicado e inusual, demostrando que con ganas y esfuerzo se pueden conseguir cosas maravillosas aún en los peores tiempos. La diversidad de producciones y géneros es brillante y nos obsequia con una excelente experiencia online.

La película de la que hablaremos hoy, es un claro ejemplo de que en tiempos oscuros siempre hay lugar para el amor y las risas, pero sobre todo de aprender de la experiencia y salir mejor persona. Sin más dilación, comenzamos! Let's go! 

Young-Nam no tiene una vida muy interesante, aún vive con sus padres y lleva mucho tiempo desempleado, además, su experiencia como escalador tampoco es que le sirve demasiado. En el cumpleaños de su madre se reencuentra con su gran amor universitario, la preciosa Eui-ju. Después de una conversación un tanto incómoda entre los dos antiguos compañeros de clase, Seúl es atacado por terroristas liberando un peligroso gas por toda la ciudad.
A Young-Nam no le quedará más remedio que usar sus dotes de escalador para intentar salvar a su familia y sobre todo demostrarle a Eui-ji que es un héroe.

Exit es la ópera prima del director y guionista Lee Sang- Geun, un entretenidísimo survival de ejecución impecable repleto de acción, tensión y romance. Un producto aparentemente ligero que sorprenderá a más de un espectador por su endiablado ritmo y desenfadada puesta en escena gracias aún fresco y ágil guion.

La trama es sencilla y posee pocas sorpresas, pero funciona a la perfección en su totalidad. El uso y mezcla de géneros es exquisito, ofreciéndonos momentos agradables y de tensión por partes iguales, pero nunca dejando de lado la peligrosidad de los sucesos a los que tienen que enfrentarse nuestros carismáticos protagonistas durante su accidentado recorrido por la supervivencia.

El reparto es variado y bastante divertido (sobre todo los familiares y amigos de nuestro peculiar héroe) con unas buenas interpretaciones que ofrecen en ocasiones momentos bastante delirantes. Jo Jung-suk y Yoona (Im Yoon-ah) nos regalan una buena dosis de carisma y química como pareja protagonista en esta peculiar historia de amor, gracias a sus sólidas interpretaciones durante la variedad de situaciones que les tocará vivir sobre la ciudad de Seúl. Maravillosos. 

El apartado técnico está muy bien, todo bastante cuidado y visualmente notable como ya nos tienen acostumbrados los coreanos en este tipo de producciones. La banda sonora es cañera y potente, alzando los momentos de clímax para goce del personal, pero esto no es de extrañar ya que tenemos al gran compositor Mowg (I Saw the devil, Burning, The outlaws, Hwayi: a monster boy) detrás de todo el asunto y eso ya es símbolo de calidad.

En definitiva, Exit es el claro ejemplo de que la calidad y el entretenimiento puro pueden ir de la mano. Un producto fresco de género que os alegrará el día si le dais una oportunidad. Sobrevivir a una catástrofe nunca ha sido tan divertido.

Lo mejor: Su ritmo.
El dúo protagonista.
El gran uso de la tensión durante casi todo el metraje.

Lo peor: Como siempre pasa con muchas de estas películas, es difícil poder verlas fuera de festivales.

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