The Drug King (Korea del sur, 2018)

"Dicen que la gente que toma cristal, puede ver ángeles y demonios caídos"

Director: Woo Min-ho
Guion: Woo Min-ho
Reparto: Song Kang-ho, Bae Doona, Jo Jung-suk

Ambientada durante la década de los 70 y principios de los 80 en Busan, un pequeño contrabandista llamado Lee Doo-sam, conseguirá alzarse como uno de los señores de la droga más importantes de Corea, incluso llegando a tener mercados en Japón y Taiwán.
El Fiscal Kim in-goo hará todo lo posible por atraparlo y acabar con su temido imperio.

Después de sorprendernos con la excelente Inside Men (el montaje del director de tres horas es realmente espectacular) Woo Min-ho regresa con otra cinta de cine negro, escribe y dirige una obra sólida e impecable en ejecución. Y nos deja claro que es uno de los directores más interesantes de Corea del sur.
 
The Drug King es una cinta de corte clásico, sin parafernalias ni excesos, realista, divertida, cruda y muy perturbadora cuando quiere. Una historia de ambición que ya hemos visto muchas veces, pero gracias a una brillante actuación de Song Kang-ho cobra una identidad muy personal. 

Ambientada en los años 70 y principios de los 80 de una manera sublime, todo está cuidado al milímetro para meternos de lleno en una época donde Corea iba a sufrir cambios y era un volcán a punto de estallar. 
Vestuarios y localizaciones muy cuidadas, de fotografía cálida y clásica, el director nos deleita con una cinematografía de calidad y sobretodo muy agradable de ver.
 
The Drug King funciona como comedia negra, tiene momentos agradables y escenas realmente espeluznantes, como si el director nos quisiera mostrar la montaña rusa de sensaciones que producen las drogas.
Una visión del narcotráfico desgarradora, que junto con la codicia pueden transformar a un ángel en demonio.
La violencia como moneda de cambio, con unas escenas realmente poderosas y de instinto casi animal. Un afán por sobrevivir en una sociedad a punto de explotar.
Hay claramente muchas referencias a Scarface en modo de homenaje, sobretodo el despacho de nuestro protagonista y la manera de ejecutar algunas escenas.

El guion no sorprende en absoluto e incluso podemos llegar a intuir como terminará esta clásica historia de narcotraficantes. Pero gracias a su estupenda banda sonora que abarca los grandes éxitos de esa década, tanto internacionales como nacionales, y a la imponente interpretación de Song Kang-ho, nos dejamos llevar por esta historia mil veces ya vista.

Song Kang-ho es uno de los mejores actores coreanos que existen, y en The Drug King lo vuelve a reafirmar. Su interpretación pasa por todos los palos, a veces entrañable, tierno, amable, cobarde y débil, sádico y loco, es una auténtica maravilla ver a este señor trabajar.
También tenemos que comentar que su actuación hace que los demás actores (con mucho talento) queden en segundo plano. Por ejemplo el personaje de Bae Doona está bastante desaprovechado, pero entendemos que la cinta está hecha a medida de Song.

En definitiva, The Drug King no es una película que sorprenda por su historia, pero si por su composición y ejecución. Si eres amante del cine negro y sobretodo del coreano, no te la pierdas. Brillante.

Lo mejor: Su conjunto funciona a la perfección, pero realmente lo mejor es el papel ejecutado por Song Kang-ho.
La banda sonora es magnífica, el tema Wind de Mi Kim Jung resonará en vuestros tímpanos durante toda la película.
Poder disfrutarla de estreno en Netflix.

Lo peor: Una historia ya contada.
Creemos que el resto de reparto está muy desaprovechado.

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Swing Kids (2018, Corea)

"Celebramos la paz"

Director: Kang Hyeong-Cheol
Guion: Kang Hyeong-Cheol
Reparto: Kim Min-ho, Oh Jung-se, Hye-soo Park, Do Kyung-soo, Jared Grimes

Durante la guerra de Corea, en una prisión donde conviven comunistas y anticomunistas a las órdenes del ejército americano, un joven soldado norcoreano se interesará por el tap dance al ver a un superior americano bailando.
El sargento Jackson por orden del comandante, formará un grupo de baile para hacer un espectáculo a las autoridades en Navidad.

Swing Kids es el regreso a la gran pantalla del director que nos regaló la maravillosa Sunny. Kang Hyeong-Cheol dirige y escribe esta cinta basada en la obra de teatro Rho Ki-soo escrita por Jang Woo-sung. Una delicia para los amantes del buen cine y de las historias conmovedoras.
Libertad sin ideología, es el mensaje que evoca Swing Kids, una cinta apabullante en composición y ejecución, de mensaje anti bélico, repleta de momentos que quedarán en nuestras retinas por mucho tiempo. Y una de las mejores cintas coreanas que hemos visto.

Todo en Swing Kids está llevado con precisión, la mezcla de géneros y fluidez narrativa es tan natural que hasta los momentos absurdos se vuelven lógicos. Situaciones de musical clásico, humor, drama, y un tributo a Mala sangre de Leos Carax que os pondrá los pelos de punta.
Un guion excelente para unos personajes carismáticos y emotivos, con un claro mensaje anti bélico y realista. ¿Quizás si todos bailáramos juntos no habrían guerras?
La dirección del filme es una gozada, maestría en la cámaras, donde el traveling predomina como escape de la rabia y la ira, de fotografía colorista en un trasfondo cruel e injusto.

La estrella de K-POP y actor Do Kyung-soo (conocido también con el nombre D.O.) interpreta de manera brillante al joven prisionero norcoreano Roh Gi-soo, haciendo que empaticemos con él desde el primer momento que sus pies comienzan a bailar, atrapándonos en la pasión y fluidez con la que ejecuta los pasos, y llevándonos en más de una ocasión a momentos realmente bellos. Un actuación asombrosa.
Jared Grimes interpreta al sargento Jackson, un ex bailarín de Brooklyn amante de la música y el baile. Un alma en busca de libertad que emana pasión y conocimiento, las notas de su piano nos regalarán calma en este tour de emociones continuas. 

Asombrosas actuaciones de unos personajes entrañables, con una química abrumadora. Xiao Fang (Kim Min-ho), Byung-sam (Oh Jung-se) y Pan-rae (Hye-soo Park), completan un elenco perfecto y entrañable.

La banda sonora es un personaje más, sonidos de libertad que viajan en un cúmulo de ruidos de armas y gentes enloquecidas. Las notas que emiten los zapatos de nuestros protagonistas son un mensaje de paz y liberación absoluta.
 
En definitiva, Swing Kids es brillante, cruda, realista, inspiradora y un ejemplo de buen cine. Os seguiría explicando más cosas, pero ahora mismo, lo único que me apetece es bailar.

Lo mejor: Absolutamente todo, una gozada en todos sus aspectos.

Lo peor: Que una gran cinta como esta pase desapercibida en nuestro país. Esperemos que algún festival o distribuidora se anime a traerla.

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Rakshasa Street (China, 2016)

“Si quieren sufrir el mismo destino, venid a mí. Pero nunca dejaré en sus manos esta calle”


Creador: Xu zheng
Director: Li Shujie
Nº de episodios: 24
 
Hoy repetimos con animación china pero que para mí es algo especial, no solo porque fue la primera serie de animación de este país que vi, sino porque lo que empezó como un cómic (que aún hoy se sigue publicando) se terminó adaptando a serie animada y a serie en imagen real.

La historia nos mete en las llamadas Calles Réquiem, zonas espirituales donde van las personas al fallecer. Cada calle esta custodiada por un general, ya que a veces los espectros que allí residen pueden volverse malvados. Ellos son los encargados de que haya paz y no haya altercados. El argumento nos cuenta sobre una de estas calles, la calle Rakshasa que esta custodiada por el general Cao Yanbing y su hermano pequeño Cao Xuanliang. Su familia, lleva protegiendo esta calle generación tras generación, por lo que más que un trabajo, es un deber, protegen su hogar.

Todo va bien hasta que una humana normal y corriente atraviesa “por accidente” el portal que la lleva a la calle Rakshasa, cosa que no debe pasar, ya que los humanos no pueden entrar en las calles Réquiem. Yanbing, después de salvarla de una muerte segura, la devuelve al mundo humano, ya que no le interesa complicarse la vida y solo quiere proteger su calle. Evidentemente, no todo termina ahí ya que no será la última vez que se vean y tenga que ayudarla.

La forma en la que se cuenta la historia me encanta porque en cada capítulo van alternando dos historias: El presente, ayudando a la chica, y el pasado de los hermanos (en mi opinión, el punto fuerte de esta serie), por lo que nunca te aburres.

Si hablamos del manhua, aún está publicándose pero el estilo de dibujo me pareció bastante interesante. De momento solo puede encontrarse en chino y en inglés.

Taiwán quiso hacer su propia adaptación en 2017 protagonizado por Jiro Wang. No está del todo mal aunque yo sigo prefiriendo la manera de contar la historia en la serie de animación.

La serie de imagen real está bien si se quiere complementar con la serie animada o simplemente si lo tuyo no es la animación.

El punto fuerte de esta animación china es la gran historia que tiene detrás, si te molesta que la animación sea algo “rancia”, no te molestes en verla, tiene escenas creadas por ordenador bastante malas.

Yo siempre recomiendo esta serie a personas que les dé un poco igual el apartado gráfico pero que adoren las buenas historias, ya que si eso es así, con esta disfrutarán seguro.
 

Lo mejor: La historia, la música y la relación entre los hermanos.

Lo peor: Apartado gráfico. Inacabada.

Canciones principales 

 

Sitges 2018: Beast (United Kingdom, 2018)

"Lo he olido desde lejos"

 

Director: Michael Pearce
Guion: Michael Pearce
Reparto: Johnny Flynn, Jessie Buckley, Geraldine James

Moll vive atrapada en una comunidad que no la comprende. A los 15 años un grave incidente en la escuela hizo que desde entonces su madre se ocupara de su educación, así que el único contacto humano que recibe es el de su casa y el de su congregación. El día de su cumpleaños decide salir a explorar el mundo y es entonces cuando conocerá al enigmático Pascal, principal sospechoso de varios crímenes cometidos en la zona. Su deseo y sus ganas de salir al mundo harán que dé la espalda a su familia y amigos para empezar una nueva vida junto a Pascal.

Michael Pearce nos ofrece un producto extremadamente cuidado con Beast. No solo nos mima con un increíble cásting (Jessie Buckley es una soberbia elección como protagonista), sino que también nos regala una asombrosa puesta en escena y una magnífica dirección. Es interesante ver el tratamiento que Pearce hace del espacio y como éste interpreta, junto con Buckley, la mayor parte de los sentimientos y emociones que vivimos mientras vemos el film. También es atractivo ver el contraste entre el pretendido desequilibro e imperfección de Moll, impuestos por un pasado turbulento, y el irreal equilibro y perfección de su familia. Especialmente cuando Pascal, interpretado por Johnny Flynn, entra en escena, desbocando la contención que la familia de Moll había impuesto.

Este pretendido thriller, nos llega como una excusa para hablar de la perfección: familiar, religiosa, amorosa y emocional. Mientras el director nos muestra un crimen en una comunidad aparentemente normal, nos adentra en el oscuro mundo de la locura que pretende ser la perfección. Un juego entre la perfección obsesiva, la aceptación de la imperfección, la sinceridad con uno mismo y el encuentro con nuestro monstruo interno.

También incluye un debate interesante entre la decisión de amar ciegamente a tu familia o a tu pareja. Un amor que en ninguno de los casos beneficiará a Moll.

Lo mejor: Sin duda alguna un gran thriller.

Lo peor: Una lentitud que puede hacer desesperar a los espectadores que esperan un thriller clásico. 

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Sitges 2018: El Santo contra el cerebro del mal (Méjico, 1961)

Director: Joselito Rodríguez 
Guion: Fernando Osés, Enrique Zambrano
Reparto: Joaquín Cordero, Norma Suárez, Enrique Zambrano

En la última edición del Festival de Sitges pudimos ver la versión restaurada de El Santo contra Cerebro del Mal, la película dirigida por Joselito Rodríguez que se estrenó en 1961 y que, tras rodarse durante la Revolución Cubana, tuvo que ser sacada del país oculta en un ataúd días antes de que Fidel Castro llegase al poder.

En la cinta, que marcó los inicios del cine de ciencia ficción en el que participaron luchadores mexicanos, el espectador ve como El Santo es secuestrado por el malvado doctor Campos quien, mediante un artilugio de su invención y unas peligrosas inyecciones, somete la voluntad de nuestro héroe, obligándole a participar en todas sus fechorías… hasta que otro enmascarado, El Incógnito, acude en su ayuda.

Sin duda, El Santo contra Cerebro del Mal hace las delicias de todos los aficionados a la lucha libre mexicana, de los amantes del cine en blanco y negro y de los nostálgicos a los que les gusta que los “malos” fumen y lleven bigote, que los golpes en las peleas sean exageradísimos, y que los heridos de bala, aunque agonicen a causa de sus heridas, no sangren ni una gota.

Un más que entretenido viaje al pasado.

Lo mejor: Darse cuenta de lo sencillo que, hace unos años, era para el mundo del cine, entretener al espectador.

Lo peor: Pues darse cuenta de lo sencillo que, hace unos años, era para el mundo del cine, entretener al espectador… y ver como, en la actualidad, la industria se complica a veces la existencia y alarga las cosas de forma innecesaria.

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1. Reseña escrita por Sonia Arroyuelo

Vampire vs Vampire (Hong Kong, 1989)

"Vigilad que no les de la luz solar"

Director: Lam Ching-Ying
Guion: Lam Ching-Ying, Shut Mei-Yee, Chan Ka-Cheong
Reparto: Lam Ching-Ying, Chin Siu-Ho, David Lui, Sandra NG, Billy Lau

El exorcista taoísta "Uniceja" (Lam Ching-Ying) vive una vida de paz  junto a sus dos jóvenes alumnos, Ah Ho (Chin Siu-ho) y Ah Fong (David Lui), encargados de cuidar a un pequeño y travieso Jiangshi (vampiro chino). Un buen día mientras están haciendo un encargo, el maestro taoísta se da cuenta que hay un problema con el agua, está podrida y la muerte se palpa en el aire, alguna fuerza demoníaca amenaza la aldea.
Un malvado vampiro occidental, escondido durante años pondrá en peligro la preciada paz de nuestros protagonistas.

Vampire vs Vampire es una divertida comedia de terror, llena de momentos delirantes y situaciones curiosas, que reflejan una época de Hong Kong donde casi todo estaba permitido y funcionaba en taquilla.
 
El mítico actor Lam Ching-Ying regresa dirigiendo y protagonizando una agradable historia de Vampiros de ambientación clásica, que rebosa melancolía a raudales. Aunque no es una producción repleta de artes marciales, los pocos combates son geniales y muy bien coreografíados e integrados a la perfección con los escenarios. Kung-fu, gags y acción. Todo está mezclado a la perfección en este vampírico coctel Hongkonés.

Los ritos y exorcismos del maestro son una gozada, cargados de efectos especiales artesanales que me siguen maravillando como el primer día. Acrobacias apoyadas por cables, muebles y paredes que se rompen, espadas voladoras con energía taoísta y mucho "parkour" de la época, todo aderezado con ese toque de terror clásico que tanto nos gusta.
 
La banda sonora es graciosa y muy loca, en algunos momentos parece directamente sacada de algún Mario Bros. Los efectos sonoros que acompañan al pequeño Jiangshi son geniales.

En definitiva, una historia clásica y divertida, con monjas, generales que odian a los occidentales, vampiros en miniatura y sobretodo mucha diversión. Un producto para amantes del género que triunfó antaño en la ex colonia inglesa.

Lo mejor: Sin duda el pequeño Jiangshi, travieso, muy gracioso, sus gags son de lo mejor de la película.
Lam Ching-Ying y sus exorcismos y técnicas, esos efectos especiales me llegan al alma.

Lo peor: Quizá el rollo de las monjas no hace tanta gracia, pero aun así, no hace que decaiga la producción en absoluto.
Aunque para nosotros el final es sublime, para algunos les parecerá un WTF en toda regla.
Hubiéramos querido más Kung-fu.

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Sitges 2017: A special lady (Corea del sur, 2017)

"Lo nuestro siempre seguirá igual"
 
Director: Lee an-Kyu
Guion: Lee an-kyu
Reparto: Kim Hye-su, Choi Moo-seong, Lee sun-kyun, Lee hee-joon

Na Hyun-Jung (Kim Hye-su) es la mano derecha del jefe Kim (Choi Moo-seong), encargada de un burdel donde las grabaciones de los clientes se usar para sobornarlos. Todo está bien montado y planificado, hasta que el soborno a un famoso fiscal (Lee hee-joon), generará una alianza peligrosa que hará tambalear los pilares de dicha sociedad.

A special lady es una notable cinta de cine negro, una historia de amor y obsesión, donde la violencia marca las pautas del camino.
Una sociedad corrupta y cruel, un nido de serpientes donde la más inteligente podrá salir con vida.
La historia es simple y poco original, pero gracias a sus grandes interpretaciones, cumple con creces. Uno de los puntos fuertes del film es su ambientación, sucia, cruel y violenta, una sensación de peligro recurrente te invade durante los 100 minutos que dura su metraje.

Aunque la cinta no tiene demasiada acción, mezcla perfectamente las dosis de violencia con los momentos dramáticos, cosa que agradecemos, ya que podríamos perder el interés en una trama ya de por si muy trillada.

La banda sonora es excelente, oscura y perturbadora, que nos atrapa en los momentos de mayor tensión. Esto es gracias al gran compositor Mowg, un habitual en las producciones de Kim Jee-won y de cintas tan importantes como la excelente Burning. La calidad  musical se nota en cada matiz.
 
Las interpretaciones son el mayor fuerte de la ópera prima de Lee an-Kyu. Kim Hye-su está espectacular en el rol de protagonista, una mujer implacable y carismática, una superviviente en un mundo de depredadores, creando una puesta en escena desbordante.Lee sun-kyun y Lee hee-joon estan perfectos es sus papeles, dos personajes crueles y llenos de ambición. 

En definitiva, una notable cinta de cine negro, bien actuada y ejecutada. Con una producción impecable, que seguramente gustará más a los fans del género que a los que busquen originalidad.

Lo mejor: Su ambientación y localizaciones.
La excelente banda sonora.
Sus explosiones de violencia, muy reales y crudas.
La tenéis disponible en Netflix.

Lo peor: Un guión algo típico, predecible y que no sorprende en absoluto.
Esperar una cinta de acción.

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Sitges 2017: Mon mon mon monsters (Taiwan, 2017)

"Tú no eres como nosotros"
 
Director: Giddens Ko
Guion: Giddens Ko
Reparto: Liu Eugene, Tsai Kent, Teng Yukai, James Lai.

Un grupo de estudiantes son castigados por robar el dinero de clase, la profesora les obliga hacer trabajo comunitario para compensar el error. Una noche de madrugada, deciden robar un viejo maletín de uno de los ancianos que debían cuidar, pero un monstruo caníbal los ataca. Asustados salen corriendo y la criatura es atropellada por un coche. Los adolescentes deciden capturar a la bestia y llevarla a una antigua piscina abandonada donde ellos se reúnen habitualmente. A partir de ahí sus vidas cambiarán para siempre.

Giddens Ko es uno de los directores y escritores más interesantes de Taiwan, con más de 60 libros publicados desde el 1999, muchos de los cuales han sido adaptados a la gran pantalla. Es productor, guionista, toda una eminencia cultural y regresa dirigiendo una de las películas más interesantes del 2017.

Mon mon mon monsters es una monster movie social con un poderoso mensaje. La cinta mezcla varios géneros a la perfección. Giddens Ko (You are the apple of my eye) calcula al milímetro cada porción de comedia y terror, para después coger nuestro corazón y destrozarlo con una montaña rusa de emociones.
Me fascina su primera media hora, donde los momentos graciosos abundan, aunque realmente no dejan de ser humillaciones y bromas de mal gusto de un grupo de bullies hacia personas indefensas. El director nos quiere mostrar la normalización de la violencia en la sociedad actual, la falta de empatía, el morbo por inmortalizar con nuestro teléfono móvil esos actos graciosos, que con el tiempo se convierten en sufrimiento y odio creando monstruos sin alma. Odiar al indefenso para nutrir nuestra alma rota.
 
Por otro lado, la cinta también nos muestra como el amor y la desesperación pueden evolucionar hacia el camino de la venganza. ¿Realmente los monstruos tienen colmillos? ¿O simplemente ya nos encargamos nosotros de arrancárselos?

En el apartado técnico nos encontramos con una cinta muy cuidada, tanto su fotografía  como su guión son excelentes, rematándolo con unas sólidas y creíbles  interpretaciones (a destacar la de los dos monstruos).
Sorprende el cuidadísimo maquillaje de los monstruos, sucio, aterrador, el cual contrasta muy bien con la colorida fotografía del film. La brillante banda sonora es culpa de Chris Hou (You are the apple of my eye, Cafe waiting love) un habitual en las producciones de Giddens Ko, que nos regala momentos de puro clímax emotivo.

En definitiva, una cinta de terror atrevida, poderosa en contenido, sangrienta y visualmente espectacular, un ejercicio original y de buen cine. Giddens Ko demuestra que la calidad actual del nuevo cine Taiwanes es muy alta. Imprescindible.

Lo mejor: La mezcla de géneros unidos a la perfección por un mensaje muy necesario en los tiempos que corren.
Su banda sonora emociona en algunos momentos, sobre todo en su espectacular clímax final.
El maquillaje de los monstruos sorprende por su gran calidad y detalle.

Lo peor: Algún que otro CGI de baja calidad, pero que en absoluto ensucia esta magnífica producción.
Pensar que va a ver una monster movie al uso.

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Uncharted Walker (China,2018)

“Si no comes, otros te comerán”

Director: Sun, Meng
Episodios: 12

La animación china, aunque no lo parezca, cada vez más está peleando más y más fuerte para hacerse un hueco en este mundillo, y aunque aún está algo lejos de las grandes producciones de animación japonesas creo que hay series o películas que deben ser dignas de mención.

En este caso he traído una de las últimas series de animación chinas que he visto: Uncharted Walker. Una serie de género Battle royale que no sólo me sorprendió por su crudeza, sino que no pensé que me engancharía tanto.

La historia comienza cuando Ning, de repente despierta de un sueño y ve que se encuentra en una isla junto a otras personas de distintas nacionalidades y profesiones: una doctora, un gánster, un profesor de arqueología, una policía, un traficante de drogas, un hombre de negocios... Un grupo tan aleatorio de personas, sin saber por qué se encuentran atrapadas en esa isla llena de trampas y demás peligros tendrán que hacer LO QUE SEA para poder sobrevivir y descubrir quién les ha traído a ese lugar ¿Se trata de un macabro juego? ¿Esperan que se maten entre si? ¿Qué harán para sobrevivir y escapar?

A mí sinceramente, me entretuvo bastante, y aunque no es la séptima maravilla creo que puede ser un gran aliciente para personas que aún no se han adentrado a la animación de este país. Como siempre digo, es complicado para las personas que venimos de animación japonesa, ya que caemos en las odiosas comparaciones y, evidentemente, aun vemos muchos fallos en la animación china. Creo que aun así se le debería dar una oportunidad a ciertas obras venidas de allá.

Lo mejor: La historia. La canción del opening.
Lo peor: La animación y ciertas exageraciones corporales ^^U.
Se espera una segunda temporada sin fecha de salida.

Opening de la serie

Re:Born (Japón, 2016)

 "Los héroes no siempre aparecen en los libros de historia"

Director: Yuji Shimomura
Guion: Yuji Shimomura
Reparto: Tak Sakaguchi, Yura Kondo, Takumi Saitoh, Hitomi Hasebe

Luces, cámara y acción, mucha acción. Es lo que nos vamos a encontrar en esta película.
Se dice que existe un soldado el cual nunca nadie ha podido ver, nadie ha podido fotografiar y nadie ha sobrevivido a él. Este soldado llamado en clave “Fantasma” ha renunciado a todo para cuidar a su sobrina pequeña Sachi que no tiene más familia que él. Su antiguo jefe de escuadrón llamado “Ilusión” no está dispuesto a dejar que su mejor soldado haya desertado. Para ello reunirá a todo un equipo de soldados con nombres en clave como “Fox”, “Eagle”, “Casper” y su homólogo llamado “Phantom”, expertos en combate cuerpo a cuerpo, camuflaje y sobre todo armas blancas. Empezarán a intentar darle caza y para ello raptan a lo que más quiere, su sobrina Shachi. Para rescatarla se le unen a “Fantasma” un antiguo compañero de escuadrón y un novato con aspiraciones. 

El regreso de Tak Sakaguchi no ha podido ser más estimulante y satisfactorio. Con un desarrollo algo pausado pero necesario para meterte en la vida de este ex soldado que quiere pasar desapercibido entre la gente que le rodea. Salvando las distancias, en algunos momentos recuerda a Una historia de Violencia de David Cronenberg con Viggo Mortensen de protagonista. 
En esta encontraremos muchísimas muertes y bastante violencia. Hasta el punto que he contado las muertes solo en la parte final de la película. Un total de 167 muertes, lo he contado 3 veces, a mano descubierta, utilizando cuchillos, hachas, palas plegables, dagas y hasta un tirachinas. No mata a nadie de un tiro, las únicas armas de fuego que toca son para desarmarlas o para pegar dos tiros al aire para avisar de que se les avecina una muerte segura.

La película dura 100 minutos y la escena final empieza a los 52 minutos, ya os podéis imaginar la de minutos de acción seguidos qué vais a ver.
Dirigida por Yuji Shimomura que ya hizo equipo con Tak Sakaguchi en su anterior película Death Trance. Este director tiene una larga trayectoria de stunts en películas como Returner y Alien vs Ninja o de coreógrafo de acción en Shinobi y El Camino del Guerrero.
 
Coreografiada por Hitoshi Fukushima (Alien vs Ninja y compositor de la música del juego de Nintendo Mario Tennis) junto con Tak Sakaguchi (Versus, Death Trance) que utiliza una técnica para esquivar las balas que es increíble, más que “Fantasma” yo lo llamara “Esquiva balas”. Ríete tú de Neo en Matrix esquivando balas, aquí si se esquivan y sin cámara lenta, y si ves la película en un buen Home Cinema hasta sientes la trayectoria. Hay que verlo y oírlo para poder entenderlo.
 
Lo único que falla un poco es la pelea final con su homólogo “Phantom”. Demasiado baile entre ellos dos cara a cara si dar casi golpes, hasta que llega su parte final y empieza los buenos golpes y patadas, pero tarda un poco en llegar y se echa en falta más contundencia.
 
La banda sonora corre a cargo del gran Kenji Kawai (compositor de Ip Man, Avalon), correcta y una buena acompañante en las escenas de acción.
Como curiosidad en los créditos finales viene el nombre de Sion Sono (Suicide Club, Antiporno) como colaborador en el proyecto original.

En definitiva, si buscas una buena película de acción a machete, esta es tu película. No busques lecturas profundas, o dobles sentidos, es lo que es, y a mí me encanta.

Lo Mejor: Como esquiva las balas, peleas y más peleas sobre todo en su parte final.

Lo Peor: La historia de sus personajes secundarios podría haber dado más de sí.

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