"Las voces del bosque te atraparán" Director: Huh Jung Guión: Huh Jung Reparto: Heo Jin, Yum Jung-ah, Lee Jun Hyeok, Rin-ah Shin Una familia se traslada a un nuevo hogar después de la desaparición de su hijo pequeño. Un lugar acogedor a las afueras de la ciudad, y cerca de un misterioso bosque. Poco a poco irán escuchando voces en la antigua casa, palabras de gente muy cercana y que murió hace tiempo. Pero todo cambiará cuando una misteriosa niña pique a su puerta en busca de ayuda.
The mimic es un notable ejercicio de suspense y terror que nos llega desde Korea, una macabra historia sobre el folklore del país. Aparentemente, la cinta nos muestra la típica historia: familia que se muda a un nuevo hogar en el que pasan cosas extrañas; pero el director también nos muestra la ruptura familiar por culpa de la pérdida de un hijo, desesperación por no aceptar que seguramente el pequeño nunca volverá a casa. La cinta no abusa demasiado del susto fácil, sino que se apoya en lo que su director sabe hacer mejor: el suspense y el terror más pausado, generando un mal rollo hasta el tramo final. Una historia delicada pero a la vez macabra, acompañada de unas actuaciones muy buenas, en especial la de las dos pequeñas de la casa.
La banda sonora es correcta para una peli de su género, pero lo que más nos gustó es la edición de las voces que se oyen tanto en el bosque como en la casa, que destacaban por encima de todo, y parecía que te susurraban directamente al oído, muy “Creepy” XD. Huh Jung demuestra que es un director interesante y, aunque The Mimic no llegue al nivel de su ópera prima Hide and Seek, es un notable producto de K-horror y ya es decir mucho en los tiempos que corren para el terror asiático. En definitiva, si os gusta el terror asiático más clásico, dadle una oportunidad, no os defraudará.
Lo mejor: La ambientación, y las dos pequeñas protagonistas, en especial la que da miedo XD. Lo peor: Una historia típica que no sorprende, pero que nos muestra un poco del folklore Koreano, y eso la vuelve un poco más interesante.
Director: Park Hoon-Jung Guión: Park Hoon-Jung Reparto: Lee Jong-Suk, Kim Myung-min, Jang Dong-gun
Kim Gwang-li (Lee Jong-Suk) es el hijo de un alto oficial del gobierno de Corea del Norte, el cuál es repatriado a Corea del Sur después de ser sospechoso de ser un horrible asesino en serie. El detective Chae Yi-Do (Kim Myung-min) será el encargado de llevar el caso, pero por algún extraño motivo, tanto la Interpol como el servicio de inteligencia de corea protegen al supuesto asesino. A partir de aquí, comenzará una lucha por descubrir la verdad.
V.I.P. es un violento thriller policíaco, con una enrevesada trama llena de giros argumentales, explicada mediante capítulos. Park Hoon-Jung nos regala una cinta inmensa, con un guión muy bien estructurado y unos personajes creados a la perfección. El detective Chae Yi-do está interpretado a la perfección por el genial Lee Jong-suk (A-day), un personaje que representa a la justicia más pura, incansable, estricto, una alma torturada por no poder dar caza a Kim, supuesto asesino de más de 30 mujeres en varios países. Chae nunca muestra debilidad ante nadie, aunque durante el film, veremos a nuestro protagonista sufrir, impotente, al ver que el maldito asesino se va saliendo con la suya. Jang Dong-gun interpreta al agente jefe del NIS coreano, encargado de proteger a Kim y que, a la vez, hace de enlace con la Interpol. Un personaje audaz, firme, que prioriza la misión por encima de la ética moral pero que, poco a poco, lo va haciendo menos humano, convirtiéndose en un perro a las órdenes de la Interpol. Lee Jong-Suk se pone en el papel de Kim, un psicópata mimado y torturador. Un demonio al que le gusta jugar en esta especie de partida de ajedrez, en donde cualquier movimiento será fatal. Un personaje que no tiene demasiadas líneas de texto, pero Lee Jong sabe darle el carisma que necesita; el mal en estado puro, desafiante y cruel, tanto con sus opresores, como con sus protectores.
V.I.P. habla de venganza, redención, codicia pero, sobre todo, de encontrar la justicia perdida en la podrida sociedad donde se basan los hechos. La banda sonora está muy presente en todo el film, generando la tensión necesaria y aumentando de intensidad a medida que se complican las cosas. Las escenas de acción son crudas y realistas, no hay demasiadas, pero tienen fuerza y mucha importancia en el desarrollo de la trama. El guión está estructurado por capítulos que, poco a poco, nos van arrastrando hacia el final, cerrando esta oscura historia con un crudo epílogo. En definitiva, Park Hoon-Jung sabe como contar buenas historias y crear situaciones y personajes crudos pero a la vez reales. Una cinta a tener muy en cuenta para los amantes del cine policíaco, y que demuestra que es uno de los directores más interesantes de Corea. Imprescindible.
Lo mejor: Las actuaciones, el guión y sobre todo el ritmo de la peli, muy dinámica. Lo peor: La sensación de impotencia en algunos momentos, demasiada injusticia.
"Satàn, tu reinado debe caer" Director: Kim Sung-Su Guiòn: Kim Sung-Su Reparto: Jung Woo-sung, Hwang Jung-min, Ju Ji-hun, Kwak Do-won.
Han (Jun Woo) es un policía con una reputación dudosa, que hace algún que otro trabajito para el corrupto alcalde Park (Hwang Jung-min). Por otro lado, nuestro protagonista vive con el dolor de tener a su joven mujer hospitalizada con una enfermedad terminal que, a la vez, es la hermanastra de Park, el cuál le ha ofrecido dejar la policía para unirse a su equipo.
Una noche Han, con su inseparable compañero Sun (Ju Ji-hun), deciden ir a ver a un informador, que realmente es un cómplice del alcalde, con el que nuestro protagonista debe cerrar un trato. En el momento de la entrega ocurrirá algo fatídico y nuestros protagonistas se verán envueltos en un infierno del que será difícil escapar.
El director Kim Sung-su (Musa,,Flu, City of the Rising Sun) vuelve después de 5 años sin estrenar película, y lo hace por todo lo alto. Asura es un ejercicio de cine negro de alto nivel, un vórtice repleto de violencia, traición y muerte. Una cinta dura, directa, que muestra hasta dónde es capaz de llegar el ser humano para conseguir poder, llegando a convertirse en demonios corruptos y violentos, pero que de cara al pueblo se visten de ángeles salvadores, ofreciéndoles paz y protección. A nivel interpretativo es brutal, Hwang Jung-min hace un impactante papel como el malvado alcalde, con una personalidad única y desgarradora. Jun Woo está inmenso, regalándonos una actuación genial, una alma torturada y atrapada entre dos bandos y su propia vida. Ju Ji-hun tiene un papel bastante importante en el film como compañero de nuestro protagonista, aunque al principio no lo parezca, pero la evolución de su personaje es muy creíble. Kwak Do-won como el fiscal Kim está tremendo, un personaje muy físico y cruel, otro demonio en esta ciudad de la locura, pero esta vez en el bando de la justicia. Kim trata a Han como si fuera un perro, y el director nos lo muestra en más de una ocasión, remarcando el poder que tiene el dudoso fiscal sobre el atormentado policía.
La banda sonora es una mezcla de country y blues, dándole al film un toque diferente, una maravilla, sobre todo en su apoteósica escena final. La acción es cruda, real y muy violenta. Torturas, hachazos, disparos a bocajarro... es lo que encontraréis en Asura, además de una trepidante escena de persecución por la autopista. Aquí todo es sucio, no hay nada bonito, es supervivencia pura, así lo refleja la fotografía del film, muy nocturno y casi sin color.
El guión está muy bien llevado, no es muy original pero atrapa, está bien explicando y estructurado; sorprenden sobre todo los juegos sucios del alcalde y el fiscal, intentando atraparse mutuamente con nuestro protagonista de por medio, el cuál ha de vivir un infierno en vida.
En definitiva, Asura es un excelente film de mafias, violento y sucio, que refleja una sociedad corrupta de Corea, y que hará las delicias de los amantes del cine negro. Imprescindible.
Lo mejor: La banda sonora, los personajes, la crudeza del film. Su abrumadora escena final ¡brutal!
Lo peor: Para algunas personas puede resultar algo lenta. Que no hayamos podido disfrutarla en ningún festival de nuestro país.
Director: Wilson Yip Guión: Nick Cheuk, Leung Lai-Yin Reparto: Louis Koo, Wu Yue, Lam Ka Tung, Chris Collins, Tony Jaa, Ken Lo.
Lee (Louis Koo), es un policía que trabaja como negociador en Hong Kong, su día a día es un infierno, un alma torturada desde que su mujer falleció en un accidente de coche. Al poco tiempo, su hija viajará a Tailandia para acabar sus estudios. Pero todo cambiará para el detective Lee, su hija será secuestrada. A partir de este momento, nuestro protagonista comenzará una cruzada llena de violencia, para saciar su sed de venganza y poder salvar a su querida hija.
La saga SPL se caracteriza por mezclar a la perfección drama con la acción más clásica de Hong Kong, regalándonos cintas llenas de emoción y coreografías de infarto, normalmente acompañadas de una violencia bastante seca, como nos tenían acostumbrados antiguamente en el cine de la ex-colonia. Paradox no va a ser menos, y mezcla estos géneros de una manera sublime, dotando al film de un dinamismo brutal. El guión es típico pero muy efectivo, una historia de venganza, pero con añadidos que la hacen genial. Louis Koo hace un papel tremendo, una actuación llena de emociones y escenas de acción, que hace muy creíble el personaje. Su compañero Wu Yue está genial en el papel de policía Tailandés, personaje que equilibra el mal que va generando nuestro protagonista a medida que se acerca más al paradero de su hija. El papel de Tony Jaa es corto pero intenso, a destacar la espectacular pelea con Chris Collins. El director de acción es el gran Sammo Hung, el cuál nos regala unas coreografías llenas de detalles, muy variadas y sangrientas, y en parte bastante clásicas, cosa que a nosotros nos encanta.
Wilson Yip vuelve a la saga con la que nos dejó boquiabiertos en 2005, y nos regala este magistral thriller de acción cien por cien Hong Kong, duro, ágil y dinámico, muy bien rodado; una mezcla perfecta de emoción y acción. Paradox, aún siendo un spinoff dentro de la saga SPL, demuestra estar a la altura de sus dos espectaculares entregas, y confirma que estamos ante una de las sagas más importantes de los últimos años en Hong Kong. Imprescindible.
Lo mejor: Poderla ver en pantalla grande gracias a nuestros amigos del Festival Nits de cinema oriental de Vic, que la proyectarán el 24 de febrero dentro de la celebración del nuevo año chino.
Su ritmo, la mezcla de géneros, sus escenas de acción y, sobre todo, ¡el gran Louis Koo!
Mucho menos drama que su anterior entrega.
Lo peor: Chris Collins como villano, no nos acaba de convencer, le falta un poco de carisma, pero en artes marciales es sublime.
Mike y sus chinos / Flan de poster: Bienvenido de nuevo a Sitges. ¿Como es repetir otra vez en el festival?
Xavier Gens: Siempre es fantástico, porque para mí son como unas vacaciones. Me lo estoy pasando genial viendo un montón de películas, encontrándome con amigos como por ejemplo con Alexandre Bustillo y Julien Maury (directores de Letherface), que siempre estamos en la misma selección, pasamos el rato juntos… Me lo estoy pasando fatal (risas).
MysC / Fdp: ¿Por qué decides adaptar esta novela (La pell freda)?
XG: Primero porque me encanta, es una novela fantástica, que habla sobre el comportamiento humano, el miedo a la comunicación, un montón de temáticas que me encantan y es una historia muy filosófica sobre la condición humana. Además tengo una fascinación por Lovecraft, Edgar Allan Poe, Joseph Conrad…
MysC / Fdp: ¿Así pues fue tu decisión?
XG: Bueno, primero me contactó el productor, pero yo ya había leído la novela, así que estaba al 100% seguro. Además antes ya estaba googleando si había alguien interesado en hacer la película (risas). Pero conectamos porque yo ya había presentado Frontiers y The divide en Sitges y me conocían.
MysC / Fdp: ¿Hablaste con Albert Sánchez Piñol, el autor de la novela? ¿Tuviste contacto con él?
XG: Sí que estuvimos juntos, aunque primero leí el libro, hice el guión y luego le di el guión a Albert para que lo aprobara y lo aprobó. Nuestra reunión fue muy interesante porque quería entender cuál fue su proceso creativo incluso al empezar el libro, porque él es un antropólogo y quería saber porque como antropólogo había escrito una novela de fantasía. Albert se quedó pensando un rato y me dijo que por Darwin. Darwin también era un antropólogo que descubrió la teoría de la evolución y a su manera, Albert, escribió su propia teoría de la evolución cuando escribió La piel fría. MysC / Fdp: ¿Estuvo durante el rodaje? ¿O solamente al principio del proceso?
XG: Al principio vino bastante al set de rodaje porque queríamos que estuviera contento con la localización, el faro… Y estuvo muy contento la verdad porque me dijo que le había leído la mente. Estaba también muy contento con Aura como la criatura. Así que muy bien la verdad.
MysC / Fdp: Acerca de la localización, que es espectacular, ¿por qué escogisteis ese lugar en concreto?
XG: Porque estaba buscando una isla en la Antártida ya que teníamos una imagen de todo blanco, invernal pero no era totalmente así. Es más como rocosa, un área volcánica. Miramos de rodarla en Islandia pero hacía muchísimo frío. Y Aura está prácticamente desnuda en un 90% de la película, así que no podía ser, enseguida cogía hipotermia. Así que tuvimos que cambiar totalmente la localización. Buscamos un lugar cálido con volcanes y nos focalizamos en la bella isla de Lanzarote, en las Canarias. MysC / Fdp: Háblanos sobre las criaturas. ¿Trabajasteis con CGI o con modelado de cuerpo?
XG: Trabajamos prácticamente con CGI, aunque en algunos planos mezclamos maquillaje y CGI. Por ejemplo cuando se ven las criaturas saliendo del agua y subiendo por las rocas del faro, ahí había una mezcla entre personajes maquillados y personajes creados completamente por CGI.
MysC / Fdp: ¿Te imaginaste a las criaturas así o trabajaste con un equipo para diseñarlas?
XG: Me las imaginé así pero consulté algunos científicos, porque quería que fueran creíbles. Quería que dieran la impresión que si había una isla perdida en el océano como habrían evolucionado los humanos. Sería como un nuevo camino para la raza humana. El personaje de Aria sigue siendo humano para mí, pero tiene la piel azul y respira por branquias. Y el encuentro debía ser como cuando dos razas diferentes de humanos se encontraron por primera vez, es diferente así que sentimos miedo. La película habla también de eso.
MysC / Fdp: ¿Te ha gustado el resultado de la película? ¿Y a Albert?
XG: La verdad es que a los dos, aunque siempre la compara con el libro, pero sé que realmente le gusta.
MysC / Fdp: Hablando sobre tus películas en general, los personajes de tus películas normalmente son muy intensos, ¿Por qué escoges historia sobre el sufrimiento humano?
XG: No lo sé… (Risas). Creo que el conflicto es mucho más interesante y me encanta hablar sobre la condición humana. Creo que es una manera de hablar sobre mis propias historias, no quiero poner sentimientos personales en ellas, pero no puedo evitar dar mi punto de vista en mis películas.
MysC / Fdp: ¿Nos puedes hablar sobre tus proyectos futuros?
XG: Estoy acabando una película que se llama Budapest, la cual es una comedia (fuera de mi zona de confort). Es completamente diferente, pero quería hacer algo diferente y refrescante. Va sobre seres humanos que van hacia algo muy amoral para entretener a la gente. Creo que la película es divertida porque es extremo en el sentido moral. Sé que va a impactar a mucha gente, incluso yo estoy avergonzado por algunas secuencias, pero me hace reír (risas). Creo que mi moral es bastante más holgada que la de otros.
MysC / Fdp: ¿Habrá sangre?
XG: No demasiada pero algo de sangre sí que hay. Hay mucho sexo. Y muchos hombres tontos, no mujeres, solo hombres. Mostramos lo ridículos que son los hombres cuando van en grupo en busca de chicas. Así que nos burlamos mucho de ellos. Soy bastante feminista.
MysC / Fdp: Muchas gracias Xavier. Ha sido un placer hablar contigo.
Tuvimos el honor de poder entrevistar (aunque poco rato y con dos blogs más) a Kiyoshi Kurosawa, uno de nuestros directores favoritos. Sus películas son obras muy personales, con una fotografía minimalista y donde la banda sonora nos atrapa por su perturbadora simplicidad. Su nuevo film es Before we vanish, una profunda cinta de ciencia a ficción que os hará pensar.
Mike y sus Chinos: Bienvenido al festival, es un honor poder entrevistarle
Kiyoshi Kurosawa: Es un placer estar aquí, mucha gracias.
Pregunta: Viendo Before we vanish, nos damos cuenta de ciertas referencias a otros films, como por ejemplo "Abyss" de James Cameron o "La invasion de los ultra cuerpos" ¿Hasta qué punto llegan a influenciarte esas cintas?
KK: La invasión de los ultra cuerpos es una gran cinta de ciencia ficción, que por cierto me encanta, pero no creo que haya tenido una influencia tan directa como comentas. Y Abyss de James Cameron, es la primera vez que alguien me dice que tiene alguna similitud (risas) Normalmente en las películas de invasiones extraterrestres, entra la política, el ejército, y hay mucha acción bélica etc etc. Pero lo que quería realmente mostrar, es la vida cotidiana de la gente de a pie.
MysC: Para cada persona las palabras significan cosas diferentes, trabajo, amor, odio etc etc, todo esto está muy bien reflejado en tu película. ¿Cómo hiciste para explicar tan bien este concepto, y por qué está el amor por encima de todo, incluso del "Yo"?
KK: Si nos paramos a pensar que es cada concepto, sería entrar en cosas muy profundas, por ejemplo, la gente mayor que sufre Alzheimer, olvidan muchos de estos conceptos pero siguen pareciendo felices, por eso no quería complicarle la vida a los actores con temas profundos, y les comenté que pensaran en esa gente mayor que olvida palabras y cosas importantes de su vida. Cuando hablamos de la palabra amor, podemos aplicarlo a los smartphones y ordenadores, sería el hardware y los demás conceptos de cada persona serían aplicaciones. Lo que quiero decir, es que sin el amor, el sistema no funciona.
Pregunta: En mucha de tus películas se habla del vacío existencial, y de la llegada de días oscuros. ¿Es como una especie de reflejo de la sociedad actual?
KK: En Kairo, es una invasión fantasma contra la sociedad, ese es el mayor concepto de la película, se parece a before we vanish porque son muy parecidos entre sí. Fue fácil hacer un film apocalíptico, ya que otros directores trabajaban en el mismo género. En la escena final de kairo un avión choca contra un edificio. La película se estrenó en 2001 justo cuando hubo los atentados del 11S en USA, y me di cuenta, que en la ficción es muy fácil hacer que este tipo de accidentes pasen, pero en la vida real es una mierda que ocurran. Pienso que en la ficción no debería hacer que pasen cosas malas, me di cuenta después de estrenar Kairo.
Mike y sus chinos / Flan de Poster: Bienvenido al Festival. ¿Qué te parece el ambiente?
Martin Koolhoven: Es fantástico. He escuchado de diferentes personas que este festival era genial, así que siempre he querido venir. Pero tenía que hacer una película que fuera lo suficientemente fantástica. Aquí hay un montón de gente a la que le gustan las películas de género y yo soy un gran fan de las películas de género. Ayer estaba en la presentación y creo que fue la mejor presentación en la que he estado. Primero, técnicamente, la imagen era perfecta y el sonido era increíble, el mejor sonido que he escuchado, y luego el público fue fantástico, estaban entregados con la película. Así que estoy pasándolo en grande.
MysC / FdP: ¿Te quedaste toda la proyección?
MK: Sí y normalmente no lo hago. Lo que hago habitualmente es que me siento durante unos diez minutos y luego me marcho. Pero como la imagen, el sonido y la gente eran tan geniales me quedé toda la película.
MysC / FdP: ¿Esperabas esa reacción del público? ¿Te sorprendió?
MK: Pues no. La gente del festival me dijo que seguramente al público le gustaría la película y les respondí que cuando estuve en Toronto, el cual también es un festival fantástico, la gente aplaudía cuando le pegaban un tiro a alguien y les pregunté, ¿el público también hace lo mismo aquí? (Risas). Me gusta que los espectadores expresen que les gusta la película mientras se está proyectando.
MysC / FdP: La verdad es que nos encantó la película y por lo que habíamos visto era muy larga y nos dio un poco de miedo, pero no parpadeamos de principio a fin. ¿Queríamos saber de dónde surge la historia? ¿Es algún cuento o leyenda americano?
MK: No, es todo mío. Te puedo contar como llegó en término de ideas. Porque de cierta manera hay gente holandesa que se muda a USA y eso realmente paso. Pero la historia por si misma viene de mi imaginación. Hay dos puntos importantes, uno es que siempre he sido fan de los westerns y lo que me atrae de ellos es ese punto de libertad, de falta de ley y autoridad. Es como la idea de un niño, como cuando juegas con trenes, ese tipo de idea. Pero luego pensé que esta idea es desde un punto de vista muy masculino, porque por supuesto para las mujeres no era nada libre. Así que sentí que tenía que hacer algo desde esa perspectiva, sobre la falta de libertad que tenían las mujeres en la época. La otra cosa que pensé fue, como voy a explicar algo que tantas grandes películas ya han explicado. Tengo que hacerlo personal. Crecí como irlandés protestante, soy de Holanda, en el cual la Iglesia Calvinista ha tenido un gran impacto en nuestra sociedad. También pensé en cuando los italianos empezaron a hacer westerns. Lo que los hacía tan buenos es que el enfoque era muy italiano, a pesar que querían imitar el estilo americano, lo cual no sé si lo hicieron a propósito, pero se nota que son de Italia. Y si yo quería hacer un western no quería copiar nada de lo que estaba hecho, quería hacer algo muy holandés. He visto muchas películas sobre la historia de USA pero siempre desde el punto de vista de los estados del norte de Europa, la cual es una gran influencia en su sociedad. Pero pensé que era tiempo de contar la historia otros migrantes, y si combinas el punto de vista femenino con el ángulo religioso en mi mente, obtienes esta idea.
MysC / FdP: Sabiendo que querías contar la historia desde el punto de vista femenino, ¿porque puteas tanto a la protagonista?
MK: Hace tiempo leí a James Carlos Blake, novelista americano, que escribió un libro en el que hay una chica joven, la hermana de los dos protagonistas, que se escapa y piensas, ¿cuáles son sus opciones? O se casa con alguien o se convierte en prostituta. Y eso me impactó, porque nunca lo había pensado. Sentí que si iba a contar una historia sobre la dominación masculina, las opciones de las mujeres eran limitadas, tenía que ser extremadamente duro con ella, porque creo que es la verdad de lo que pasaba. Pero escribí un personaje que se niega a ser una víctima. Así que incluso en ese pequeño espacio que tiene, siempre luchará en contra, nunca aceptará que es una víctima. Cada capítulo básicamente acaba con ella huyendo. Y al final ella se enfrenta. Hay gente que se ha equivocado con las motivaciones del personaje, con mis motivaciones, y dicen que es una película misógina. Pero si quieres hablar sobre misoginia, entonces enseñas actos misóginos extremos si quieres ser realista, claro. Y la otra cosa es que, si realmente eres honesto, esto es algo que sigue pasando en el mundo hoy en día. Violencia religiosa contra las mujeres. ¿Debería haberlo adornado y hacerlo bonito? Claro que no. Podrías llamarlo misógino si lo hubiera hecho divertido de ver, pero la violencia de mi historia es incómoda de ver.
MysC / FdP: Queríamos preguntarte porque decides rodar la película por capítulos y en ese orden.
MK: Es algo que salió de manera natural, no es algo que pensara. Originalmente la historia era lineal y al final había flashbacks. Pero no podía controlar la cantidad de flashbacks, había demasiados, demasiado largos, y me di cuenta que el pasado era parte de la historia. Tenía que encontrar una estructura donde meter el pasado.
MysC / FdP: Entendemos que el personaje del reverendo, interpretado por Guy Pierce, es un diablo. ¿Es realmente un diablo o una metáfora?
MK: La verdad es que no soy muy dado a explicar los significados de la película porque creo que los espectadores deberían poder interpretar la película de la manera que quieran. Así que no quiero indagar demasiado en ello. Lo que sí quiero contar es que hay una gran diferencia con el personaje al principio y al final. (Lo que nos sorprende es que es más inmortal que Michael Myers (de Halloween). De ahí la pregunta sobre si es el diablo).
MysC / FdP: ¿Qué tipo de trabajo tuvieron que hacer los actores, incluso físicamente, como tuviste que trabajar con ellos?
MK: La mayoría de actores hacen una investigación sobre el papel, todo esto que se habla mucho en USA sobre el método y como tienen que meterse en el papel es básicamente publicidad. Lo que Dakota me dijo fue que estaría loca si cada vez que tuviera un papel tuviera que meterse en él. También hay una idea equivocada que lo que es más difícil de ver es lo más difícil de rodar. Algunas de las escenas más duras de esta película son de Guy Pierce, por ejemplo cuando él está dando latigazos a su mujer, interpretada por Carice van Houten. Pues en algún momento del rodaje ambos se enamoraron y ahora tienen un bebé juntos. Así que no fui tan duro con ellos. O con Emilia Jones, que interpreta a Joanna, si le preguntas donde se lo pasó mejor te dirá que en la escena en la que la están arrastrando por el barro. Parece horrible, pero tiene protecciones para que no se lastime la espalda y va bien abrigada para que no pase frío. La ficción es así, no es real.
MysC / FdP: Es muy valiente por tu parte hablar de tantos temas tabús en una sola película.
MK: Tengo que decir que en Europa hemos tenido muy buenas críticas. En Holanda este tipo de temas ya nos los sabemos, pero en USA, incluso los críticos más mainstream, no la entienden, de ahí la historia de la misoginia.
MysC / FdP: ¿Tienes algún proyecto en el futuro?
MK: Pues sí. Estoy escribiendo un guión de cine negro donde la historia pasa en Indonesia y tiene que ver con el periodo cuando decidieron dejar de ser una colonia holandesa.
MysC / FdP: Ha sido un placer hablar contigo. Muchas gracias por tu tiempo.
Directora: Zoo Young Lee Guión: Zoo Young Lee Reparto: Lee Byung-Hun, Kong Hyo-Jin, Ahn Sohee
La historia de A single rider empieza en Korea, donde Kang Jae-hoon, un magnate de los negocios, lo pierde absolutamente todo al haber un escándalo monetario en su empresa. A partir de ese suceso, emprenderá un viaje a Australia en busca de su mujer y su hijo, a los que no ve desde hace años, para intentar recuperar parte de su vida. Allí se encontrará con Ji-na, una chica koreana que le ayudará a encontrar a su familia y parte de su humanidad.
A single rider es una obra deliciosa, contada con mucho tacto, dulzura y claridad. La ópera prima de Zoo Young Lee como directora de un largometraje no ha podido ser mejor (podéis leer aquíla entrevista que le hicimos). Lo más importante de la película es el contraste entre los personajes. Como el paisaje y Chi-chi el perro, los cuales son 2 personajes más, te hacen ver las diferencias entre lo humano y lo etéreo, remarcando las cualidades y defectos de los humanos. Se nota que Zoo Young Lee ha dedicado tiempo al guión y a los personajes y teniendo un gran paisaje como es Australia le ha sabido sacar el máximo provecho al país. Redondea la película el hecho que los principales personajes sean grandes actores.
Lo mejor: La química y elegancia de Lee Byun Hun con el resto de personajes.
Lo peor: A pesar de ser un film dulce y claro, las lágrimas os caeran seguramente. TRAILER
Eric Valette (director de Le Serpent Aux Mille Coupures) es un tipo interesante y un mejor director, que con su cinta de cine negro, nos hizo reflexionar sobre muchos temas. Gracias al Festival de Sitges tuvimos la oportunidad de entrevistarlo junto a nuestras compañeras del blog Flan de poster.
Mike y sus Chinos/Flan de poster: Hemos disfrutado mucho la película y nos gustaría saber que le ha parecido Sitges, ¿le ha gustado el festival?
Eric Valette: Es la primera vez que estoy en Sitges, personalmente estoy encantado de estar aquí. Este es el festival de género más importante de todo el mundo, de hecho, mi madre era española y yo soy nacido en Tolosa, pero hablo muy mal el español. El hecho de haber nacido en Tolosa provoca que tenga con vosotros una cierta familiaridad cultural, ya que Tolosa está muy cerca de aquí, me siento cercano y me gusta mucho de vuestro país la hospitalidad y la manera que tenéis de vivir y naturalmente, los embutidos.
MysC/FdP: Hemos encontrado muy interesante que tratases dos temas, uno quizá está muy de moda ahora mismo, como es el narcotráfico, pero el otro no tanto, la xenofobia. ¿Cómo es que has incluido estos dos temas juntos en la película y tan detallados?
EV: Mi película es una adaptación de una novela de un autor francés, son temas que ya aparecen en la novela, evidentemente yo los he integrado a mi manera y a mi estilo, pero ya constaban, si salen en la película es porque ya salían en la novela. Y después, hay un tema central en la película, que posiblemente a vosotros los catalanes os interesa especialmente, es el de la globalización y está presente por el hecho de que el sistema global del narcotráfico del mercado de la droga llega a un pequeño pueblo del sud-este francés. En la película hay más cosas a parte de la droga, se habla de la pauperización de la región que sale en la película, salen granjeros que son racistas, pero no es que sean racistas porque no les gustan los negros, por ejemplo, son racistas porque lo que no les gusta es que a alguien le vayan mejor las cosas que a ellos y resulta que ese alguien es negro. Hay un tema que es la pauperización generalizada en el campo en Francia, es un problema que tiene que ver con la actividad de grandes empresas farmacéuticas, como Montsanto y los transgénicos. Y todo en conjunto, se explica a través de un relato que es una especie de western moderno y que contiene elementos de cine de terror, thriller, cine negro. Yo lo que quería era aportar material para la reflexión.
MysC/FdP: No hemos leído el libro, pero la xenofobia nos sorprende mucho porque sabemos que los franceses que son muy abiertos a la cultura en general, ¿realmente el libro explica la xenofobia hacia negros, colombianos, madrileños, el asiático que es el asesino o es una elección que has hecho tú?
EV: La xenofobia presente en la película y en la novela va en diversas direcciones, no solo nos encontramos a los habitantes franceses que no les gustan los negros, sino también los narcotraficantes colombianos que no les gustan los italianos, va en ambos sentidos y esto es así porque en una situación muy tensa hace aflorar los instintos más primarios y la xenofobia es uno de ellos.
MysC/FdP:La elección de un actor asiático como el asesino, ¿es asiático en la novela también o es una elección tuya? Si es por elección propia, ¿hay alguna razón concreta?
EV: Efectivamente, en la novela también es asiático y también tiene los ojos azules como en la película, he respetado e intentado ser muy fiel a la novela. Es posible que en la novela este personaje fuera más mayor, pero la ventaja es que con los asiáticos cuesta a veces saber qué edad tienen realmente. Se trata sin duda de un personaje icónico, de un sádico, la verdad es que me lo he pasado muy bien trabajando este personaje que evoca personajes clásicos del western, como Desperado que huye de la justicia, el sheriff que está agotado, el asesino sádico, el granjero.
MysC/FdP:¡El asesino da mucho miedo!
EV: Pues sí, se trata de un personaje aterrador, pero al mismo tiempo tiene unas facciones, una cara y una sonrisa muy atractivos y dulces. Yo concibo el personaje como alguien que tiene cero empatía, que tiene un deseo inmenso de muerte, de matar y que el mismo avanza hacia la muerte, es una danza hacia la muerte.
MysC/FdP: Nos ha sorprendido una frase que hay en la película, supongo que es por la situación actual que hay aquí con la guardia civil. En la película dicen que llaman a la guardia civil y esta es rápida y eficaz, en ese momento el público se echó a reír. ¿Qué opinas respecto a ese fragmento y lo que está pasando actualmente aquí?
EV: Sin comentarios, no he encontrado a nadie que corrobore ese hecho (risas).
MysC/FdP: Según la película los franceses tienen en buena consideración a la policía española, ¿pero qué opinión tiene realmente el pueblo francés de la policía española?
EV: A menudo el cine francés como las películas de Oliver Marsal, por ejemplo, la figura del policía se presenta como un personaje oscuro, alcohólico, etc., yo pensaba que en mi película ya había suficiente oscuridad y tenía ganas de mostrar a los policías como unos personajes que se sentían impotentes, que no llegan a entender lo que está pasando. Respecto al personaje principal que es quien desencadena la violencia, no se explica de qué nacionalidad es, pero se supone que es musulmán, que en teoría ha atentado en algún lugar de Francia.
MysC/FdP: Nos gustaría saber, ¿cómo llegas a este contraste entre la violencia de un ataque terrorista y la poca violencia que hay con la familia que secuestra en la casa?
EV: En esta película con este personaje pasa como en las películas de Sergio Leone, el hombre sin nombre que no se sabe de dónde viene ni a donde va, de hecho, hay un conjunto de detalles en la película que indican que quizás este personaje principal no es ni terrorista, ni musulmán, no se sabe. No sé si un fragmento en concreto se ha reflejado bien en los subtítulos en catalán, en los subtítulos en inglés sí sé que se ha reflejado, es la escena en la que el coronel está en el suelo y él se marcha y le dice, ‘me sabe mal, pero coronel me tengo que ir’, es como la despedida de un militar a otro, esto puede hacer intuir que él podría ser un infiltrado que ha sido traicionado por los servicios del estado. En Francia y otros estados, probablemente también en España, sufrimos el mal de la certeza de que, si un grupo particular de las fuerzas de seguridad mata a un sujeto, solo hace falta decir que se trata de un terrorista. A mí me encanta cuando hago películas plantear preguntas y no responderlas, me gusta que la película sea una invitación a la reflexión, me gusta mostrar la complejidad de la realidad sin personajes planos, sin personajes maniqueos, con personajes con muchos grises y matices y que se ven superados por las circunstancias de los hechos.
MysC/FdP: ¿Cuáles son tus futuros proyectos?
EV: Uno de mis proyectos es una serie de televisión en la línea de Clyde Parker, una comedia negra sobre la lucha de clases y un thriller burgués al estilo de Claude Chabrol. Me gusta mucho cambiar de estilo y es positivo tener pensado diversos proyectos porque son pocos los que finalmente acabas haciendo.
MysC/FdP: Muchas gracias, esperamos poder verla pronto
"No dejaremos a nadie atrás" Director:Ryoo Seung-wan Guión: Ryoo Seung-wan, Shin Kyoung-ill Reparto: Hwang Jung-min, Kim Soo-an, Song Joong-ki, So Ji-seob, Lee Jung-hyun
Durante la ocupación japonesa de Corea, centenares de personas fueron esclavizadas y enviadas a la isla minera de Hashima. Lee Kang Ok (Hwang Jung-min) es un director de orquesta que decide viajar a Japón con su hija para buscar un futuro mejor, pero los separan nada más llegar. Choi Sil Sung (So Ji-seob) es un antiguo luchador confinado en la isla como esclavo. Park Moo Young (Song Joong-ki) es miembro del grupo independentista coreano que decide infiltrarse para poder rescatar a su compañero. Todos ellos decidirán urdir un plan de escape para poder liberarse de esa prisión que es la isla.
Ryoo Seung-wan (VETERAN, CITY OF VIOLENCE...) nos deleita con esta gran película histórica. Centrando la atención en las historias de los tres protagonistas, el director nos cuenta la cruda y dura realidad que vivieron los coreanos confinados en la isla de Hashima. Si bien cabe destacar que tiene un tono patriótico, el film es épico y lo disfrutas de principio a fin. El largometraje se compone de dos partes diferenciadas, la primera es la introducción de los personajes y del lugar en sí para que vayamos adentrándonos en el horror que sufren los esclavos de la isla. La segunda es la parte más bélica, donde estos esclavos intentarán escapar de la isla y donde el patriotismo coreano se hace mayor.
La fotografía de la película es impecable. Se muestra un claro contraste entre la zona donde viven los esclavos, una zona sucia, gris, oscura, triste... y la zona donde habitan los japoneses (evidentemente los malos malísimos). Además juega con el blanco y negro cuando los esclavos bajan a la mina para poder mostrar mejor el horror que vivían constantemente. Todo ello hace que te adentres en la historia y te ayuda a comprender mejor ese momento histórico. En definitiva, BATTLESHIP ISLAND es una película histórica llena de épica. Durante el visionado sufres con los protagonistas y acabas agarrándote al asiento viendo cómo intentan escapar de ese sufrimiento y lo que llegan a hacer para poder ser libres. Si eres de los que les gusta las películas históricas con un toque bélico la disfrutarás de principio a fin. Lo mejor: Las actuaciones de los tres protagonistas, ya que hacen que te adentres en la historia y acabas sufriendo con ellos. Lo peor:Si no te gustan este tipo de películas sufrirás innecesariamente.
