Sitges 2017: El secreto de Marrowbone (España, 2017)

"Nada, nadie, nunca, nos separará"
 
Director: Sergio G. Sánchez
Guiòn: Sergio G. Sánchez
Reparto: George Mackay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Mia Goth, Matthew Stagg

 
 Una madre, huyendo de su abusador marido, vuelve con sus cuatro hijos a la casa donde se crió. Al cabo de un tiempo, cae enferma y, antes de fallecer, hace prometer a su primogénito que velará por que nadie separe a los hermanos hasta que él sea mayor de edad y pueda asumir la custodia del resto. Tras su muerte, los niños ocultan su cadáver y viven aislados, intentando pasar desapercibidos para el resto de la sociedad, hasta que en la vieja casa empiezan a suceder cosas muy extrañas.
 

Así empieza El secreto de Marrowbone, ópera prima como director de Sergio G. Sánchez, quien también es guionista de la cinta. A pesar de contar con todos los ingredientes para ser la típica película de casas encantadas, El secreto de Marrowbone es más bien un drama familiar con sustos puntuales que entretiene y seduce gracias, sobre todo, a unos personajes elaborados y llenos de matices con quienes el espectador no podrá evitar empatizar y compartir ira, frustración y amor fraternal. Además, se verá envuelto en una atmósfera etérea que solo la colaboración entre G. Sánchez y Bayona, productor de la obra, es capaz de conseguir y que, en ocasiones, resulta más que angustiosa debido a la constante “presencia” del padre ausente y de un abogado cuyos celos le empujan a querer descubrir el secreto
familiar.
 

Lo mejor: El encuadre de las escenas clave, en especial de aquellas que implican
espejos.

Lo peor: Algunos pueden considerar que tiene demasiadas similitudes con El
Orfanato.

                                                             TRAILER

Sitges 2017: Entrevistando a Jung Byun-Gil

Nos reunimos con las amigas de Flan de Poster para hacerle una entrevista a Jung Byun-Gil, director de The Villainess. Jung Byun-Gil ya nos sorprendió con Confession of Murder y estábamos impacientes por poder conocerlo y hacerle unas preguntas sobre The Villainess. Esperamos que las disfrutéis igual que hicimos nosotros.

Mike y sus chinos / Flan de poster: ¿Qué tal el festival, que te parece la reacción de la gente?
 
Jung Byun-Gil: El festival de Sitges es uno de los festivales a los que siempre he querido venir, además este año hay dos de mis películas en las proyecciones por lo tanto estoy contentísimo. La ciudad de Barcelona me gusta mucho y soy fan del futbol, aunque es una pena que no haya ningún partido durante mi estancia.
 
MysC / FdP: ¿Nos ha gustado mucho The Villainess, queremos preguntarte cómo surge la historia y porque has escogido hacer la historia con una mujer?
 
JB-G: De pequeño, a los 10 años, vi Nikita de Luc Besson y me impactó muchísimo. Esta película, The Villainess, podríamos decir que es una reinterpretación de Nikita. Gracias a esta película pude ser invitado a Cannes, lo que me abrió muchísimas puertas en otros países del mercado.
 
MysC / FdP: En Confession of Murder, que es su anterior película, vimos el punto de vista del policía que persigue al asesino y en The Villainess es desde el punto de vista de la asesina. Sabemos que te gusta Nikita, pero porque no empezar por The Villainess en lugar de por Confession of Murder?
 
JB-G: No sé qué decir, en realidad son películas diferentes, lo que es cierto es que en Confession of Murder comienza desde el pasado, en cambio en The Villainess comienza desde el presente. No sé si os sirve como respuesta.
 
MysC / FdP: Hemos visto que la acción es intrépida y con las cámaras hay planos secuencia imposibles. ¿Nos puedes explicar cómo ha sido? ¿Los retos que has tenido que superar para hacer estos planos y la acción grabada para la película?
 
JB-G: Me gustan los retos, además antes de entrar al rodaje no me parecía difícil y luego, como ya he dicho, me gusta mucho el futbol, antes de hacer estas escenas de acción imaginé algo así como una pelota con una cámara encima o en la parte frontal y como vería el público el partido si lo grabáramos desde esa perspectiva. Me parece que la escena de acción más importante de esta película es la de las motos, en el resto de escenas alguien que se dedica a esto de manera profesional sabría cómo las hemos rodado, pero justamente la escena de las motos hasta los profesionales me preguntan como la hemos rodado.
 
MysC / FdP: ¿¡Justo en la escena de las motos cuando pasa la cámara por debajo de la moto, querríamos saber cómo ha hecho ese plano!?
 
JB-G: (Nos enseña con imágenes del plano explicándonos que el cámara tuvo que pasar el brazo por debajo de la moto para tomar esos planos) No fue un cámara cualquiera sino un especialista por lo que pudiera pasar, no era peligroso, bueno a lo mejor un poco sí. Aunque no lo parezca la velocidad de las motos era bastante lenta, pero gracias al ángulo de la cámara engaña.
 
MysC / FdP: ¿A parte de la preparación de su equipo de cámaras y realización, cómo fue la preparación de la propia actriz en ese tipo de escenas?
 
JB-G: No se preparó nada (risas), es broma. Fue a una escuela de artes marciales durante tres meses.
 
MysC / FdP: ¿Por curiosidad cuantas veces se tuviste que rodar la escena de plano secuencia en primera persona?
 
JB-G: No lo recuerdo, pero no fue solo una toma, tuvimos que rodar durante cuatro días para completar esta escena, quien actuó en realidad fue un doble no ella. Esa escena en realidad era más larga, unos 40 segundos más, pero la recorté, la escena de la pistola era más larga.
 
MysC / FdP: ¿Hay escenas con ese estilo de pelota de futbol, a la que te refería anteriormente, y luego hay escenas donde la cámara es muy fija, clásica, es por algún motivo?
 
JB-G: Si todas las escenas fueran frenéticas, no sería divertido, si hay luz tiene que haber sombra, para que algo destaque tiene que haber un opuesto, es cuestión de tempo.
 
MysC / FdP: ¿Cuáles son sus futuros proyectos?
 
JB-G: Aún no he decidido nada todavía, estoy barajando varias opciones, podría ser una película coreana o de Estados Unidos, podría ser una serie o una película de Netflix. Si escogiera hacer una película americana sería una versión de The Villainess y si fuese una película coreana sería de ciencia-ficción.
 
Nos despedimos todos y le agradecemos poder hacerle la entrevista, no sin antes hacernos una foto con Jung Byun-Gil (la cual se ha perdido en un momento torpe con el móbil).

Sitges 2017: Strangled (Hungría, 2016)

 "En este pueblo no hay asesinos en serie, ¿está claro?"


Director: Árpárd Sopsits
Guión: Árpárd Sopsits
Reparto: Károly Hajduk, Gábor Jászberényi, Zsolt Anger


Strangled, de Árpád Sopsits, es un asfixiante thriller basado en hechos reales que nos sitúa en la Hungría de los años 60, donde la corrupción política y policial estaban a la orden del día. En el pequeño pueblo industrial de Martfü, un violador y asesino en serie siembra el pánico entre las mujeres. Ante la presión social y de sus superiores, el fiscal encarcela al presunto culpable y da por zanjado el asunto hasta que, unos años después, aparecen nuevas víctimas, lo que le lleva a cuestionar su decisión y a la reapertura del caso. 

Ambiciosa y humilde a la vez, Strangled convence, sobre todo por su ambientación, por su fotografía desoladora, que pone de manifiesto lo duro de la situación, y por su banda sonora en la que, paradójicamente, lo que más destaca son los silencios, intensos, densos, que dan al espectador la oportunidad de “masticar” la tensión y la rabia por la injusticia de lo que ve. Cruda y directa, Strangled muestra sin tapujos escenas de violación y necrofilia, y es como una bofetada que demuestra que, en determinados países, épocas y circunstancias, la vida no deja lugar a los finales (aparentemente) felices.

Lo mejor: El lineal ritmo de la historia engancha desde el principio y ayuda a mantener el interés hasta el último segundo. Los filtros y la fotografía.
 
Lo peor: Hay momentos en los que puede resultar desagradable, en especial para aquel público acostumbrado al edulcorado cine comercial.

 TRAILER

Sitges 2017: Entrevistando a Johnnie To

Tuvimos la oportunidad de hacerle una pequeña entrevistar al maestro Hongkonés Johnnie To, junto a nuestro compañero Fran Villalba de www.Todoocio3d.com. To es un director fascinante, sus historias están llenas de personajes carismáticos, acompañados por una forma de rodar clásica y elegante.

Mike y sus chinos: Bienvenido a Sitges, es un placer poder hacerte esta entrevista.

Johnnie To: Encantado, un placer.

MysC: ¿Cuáles son tus sensaciones al volver al Festival, tanto de público como de organización?

JT: Creo que es un festival con un estilo propio, donde se pueden disfrutar de muchos géneros no tan "maintream", cine negro, thrillers, etc. Además, dentro de su selección podemos encontrar películas de diferentes puntos del mundo, y con una variedad muy grande de géneros, se podría decir que es un festival con mucho carácter, y eso a mí, me encanta. La última vez que vine fue en 2005, hace doce años, pero realmente el festival no ha cambiado demasiado, sigue siendo excelente y no pierde su encanto. Lo que más recordaba es la estupenda comida que puedo disfrutar en Sitges (risas). Pero lo más importante de aquel año, fue el poder ganar el premio "màquina del temps", al cual le tengo mucho cariño.

MysC: Queríamos preguntarte por la dualidad de los personajes en tus películas, normalmente la gente los separa entre el bien y el mal, pero en tu cine existe ese gris en medio. Ni los personajes son tan buenos, ni tan malos. ¿Por qué siempre muestra esa dualidad?

JT: En el ambiente donde yo crecí, estaba totalmente rodeado de gente así, supervivientes en una sociedad difícil, en el que no podías ser totalmente bueno o malo, por eso en mis películas quiero reflejar las personalidades de esas personas auténticas que viven en el mundo real. Los actos de una persona, pueden ser el reflejo de su propio carácter o de vivencias a lo largo de su historia. Este tipo de personajes, dan mucho juego en el teatro y cine, ya que hay más margen para expresar emociones, sobre todo lo que más me gusta son los personajes rotos, pero que dentro de su conciencia tengan dilemas, que normalmente sean buenos. Este es el motivo por el que mis personajes son tan complejos a veces.

Fran Villalba: ¿Cómo afrontas tus rodajes, eres una persona que le gusta tenerlo todo planificado o simplemente te gusta más la improvisación? ¿Tiene esto algo que ver con que casi siempre uses los mismos actores, guionistas etc.?

JT: Soy un director bastante espontáneo, y bastante vago (risas), por eso me gusta trabajar siempre con el mismo equipo, así no tengo que explicar de nuevo mi forma de rodar, además los actores ya me conocen de hace muchos años y ya saben la forma en la que me gusta hacer cine. Lo bueno de todo esto, es que como ya nos conocemos todos, nos ponemos directamente a trabajar, no hacen faltan explicaciones ni presentaciones (risas).

MysC: Para ser un vago hace muy buenas películas.

JT: Muchas gracias (risas).

Sitges 2017: La piel fría (España y Francia, 2017)

"Debajo del agua mansa está la peor corriente"

Director: Xavier Gens

Guión: Eron Sheean, Jesús Olmo
Reparto: David Oakes, Ray Stevenson, Aura Garrido

Un joven irlandés (David Oakes) acepta una oferta de trabajo como meteorólogo en una isla perdida en mitad del océano. Allí sólo hay un habitante, el farero Batis Caffó (Ray Stevenson) y el oficial al que iba a relevar el joven ha desaparecido. Pero la isla no está tan deshabitada como parece, noche tras noche los dos hombres deberán luchar contra el asedio de unas extrañas criaturas marinas. Sometidos a la extrema tensión de los ataques y sin entender el porqué de estos, deberán replantearse cómo enfrentarse a lo desconocido. 

La piel fría es una magnífica adaptación de la novela de Albert Sánchez Piñol. Xavier Gens sabe cómo conseguir que el misterio y la ciencia ficción de la novela traspase las páginas del libro y nos llegue a la pantalla de una manera maravillosa. 
La historia nos muestra los instintos más básicos y oscuros del ser humano, lo que podemos llegar a hacer cuando estamos solos, aislados, en condiciones extremas y en peligro. La tensión se palpa durante todo el film y las incógnitas que van surgiendo durante la película (¿por qué les atacan?, ¿cómo empieza el conflicto?, ¿son realmente tan malos esos seres?...) se resuelven al final del largometraje. 

Para mí, La piel fría es una metáfora de lo ruines y racistas que podemos llegar a ser los humanos. Cómo lo desconocido nos puede asustar tanto que, en lugar de conocerlo, explorarlo y aprender, lo sometemos, lo atacamos y lo exterminamos pensando que es una amenaza para nosotros. Pero también es una ventana abierta al aprendizaje, a corregir nuestros errores y mostrar que, tras la miseria humana, también quedan personas con corazón que quieren ver más allá. 
En conclusión, La piel fría es una film que sabe adaptar todo lo que quería transmitir Sánchez Piñol con su novela, de una manera oscura y bella.

Lo mejor: La buena adaptación de la novela. Además se agradece que las criaturas marinas no estén creadas con CGI y sea puramente maquillaje. 

Lo peor: El calor que tuvieron que pasar los actores con toda la ropa de abrigo ya que está rodada en las Islas Canarias XD. 

TRAILER

Sitges 2017: Survival Family (Japón, 2017)

"¿De verdad necesitas pestañas falsas ahora?"

Director: Shinobu Yaguchi
Guión: Shinobu Yaguchi
Reparto: Fumiyo Kohinata, Eri Fukatsu, Yuki Izumisawa

Después de un apagón mundial, el caos se cierne sobre el mundo, una familia de Tokio deberá viajar a otras ciudades en busca de electricidad. El camino no será fácil, ya que están totalmente envenenados por la vida en la ciudad, repleta de ordenadores, máquinas expendedoras y smartphones. ¿Empezarán nuestros protagonistas a darse cuenta de lo que de verdad importa en esta vida? Cuando lo básico falta, sólo queda la esencia humana.
 

Shinobu Yaguchi vuelve a deleitarnos con una preciosa cinta llena de valores y amor por la vida, donde una familia aparentemente rota por la velocidad de la vida en la ciudad, tendrá que sobrevivir sin electricidad.

El director mantiene el tempo agradable en todo el film, arrancándonos más de una sonrisa y lágrima de felicidad, todo acompañado de una fotografía al más puro estilo costumbrista, sin cgi ni excesos. Los personajes consiguen acercarnos a sus preocupaciones y miedos, gracias a unas interpretaciones muy naturales. El contraste de colores cobra importancia cuando nuestros protagonistas pasan de la ciudad al campo, donde todo está vivo y colorido, dejando atrás ese cementerio urbano donde vivían. Aquí es donde empezarán a darse cuenta de lo que realmente es un problema y lo que no, de la esencia de la vida y el valor del amor. 

En definitiva, Shinobu Yaguchi vuelve a darnos una lección de buen cine, agradable y reflexivo, con humor y drama, como si de la vida misma se tratara. Dejaros atrapar por esta maravillosa cinta apocalíptica, y acompañad a esta peculiar familia en su duro camino para recuperar lo que ya tenían, el amor.

Lo mejor: La naturalidad de los actores, los paisajes y localizaciones, el contraste es fenomenal. La satisfacción que dejan las películas de Shinobu Yaguchi.

Lo peor: Tiene un tempo pausado, no es de carcajada fácil como parece en el trailer y quizás a algunos espectadores les parezca un tanto larga.
                                   

TRAILER

Sitges 2017: Blade of the immortal (Japón, 2017)

"Él no es humano, es un monstruo"

Director: Takashi Miike
Guión: Tetsuya Oishi
Reparto: Takuya Kimura, Hana Sugisaki, Kazuki Kitamura


 La centésima película de Takashi Miike es un chambara basado en el manga homónimo que narra las aventuras de Mauji, un samurai que, en su camino hacia la venganza por la muerte de su hermana, se encuentra con la inmortalidad y con Rin, una joven que le pide ayuda para vengar la muerte de sus padres.

Entre espectaculares peleas coreografiadas, litros de sangre, sonido de cortes y de acero chocando, y con una excelente ambientación en la época del Japón feudal, Blade of the immortal muestra la evolución de los personajes en un drama que, conforme avanza, va haciéndose más y más profundo hasta convertirse en mucho
más que una simple historia de ojo por ojo que entretiene y logra enganchar a pesar de que, en ciertos momentos, puede resultar algo confuso.

Lo mejor: La espectacular estética y las escenas de acción.

Lo peor: Es un poco demasiado larga y, aunque se sabe de antemano que va a haber muchas espadas implicadas, en determinados momentos pueden resultar demasiadas.
                                         

                                                               TRAILER 

Sultan (India, 2016)

"La lucha libre no es un deporte, trata sobre luchar contra uno mismo"

Director: Ali Abbas Zafar
Guión: Ali Abbas Zafar
Reparto: Salman Khan, Anushka Sharma, Randeep Hooda

Sultan Alí Khan (Salman Khan) es un granjero que se formó para ser "wrestler" por una chica (Anushka Sharma). Con el paso de los años consiguieron medallas olímpicas y él fue campeón del mundo. Pero desgraciadamente, por culpa de su codicia y ambición lo perdió todo. Ahora vive apartado del mundo del wrestling, solo y lamentándose por lo que hizo.

Sultan es un film poderoso y emotivo,  una producción india de calidad, que habla sobre redención, sobre el amor, la lucha que vivimos contra nosotros mismos. Un film motivador, demoledor por momentos, con un Salman Khan impresionante, que junto con la interpretación de Anushka Sharma nos llegan al corazón. Un drama deportivo aplicable a muchos ámbitos de nuestra vida cotidiana.

El repertorio de canciones es sublime, como ya nos tiene acostumbrados el director Ali Abbas Zafar (incluso las canciones románticas os sacarán una sonrisa). La historia está muy bien estructurada para mantener la atención del espectador y sorprenderlo hasta el primer intervalo, después, la cinta se vuelve épica y repleta de escenas de acción. En su segunda mitad, Sultan saca toda la artillería pesada hasta llegar a su climax final, donde nuestro personaje busca ganarse el respeto que tuvo en su día. Adrenalínico tramo final, épico y emotivo, combates muy bien rodados y llenos de realidad, que os mantendrán al filo de la butaca hasta su gran final. Sultan es uno de los mejores films indús del año. No os la perdáis

Lo mejor: La banda sonora, sobretodo el tema principal. Salman Khan y Anushka Sharma impresionantes. Los combates.

Lo peor:  Que los fans del genero deportivo la pasen por alto. 

TRAILER

The advocate a missing body (Korea, 2015)

"¿Te libraste del cuerpo adecuadamente?"

Director: Jong-ho Huh
Guión: Jong-ho Huh
Reparto: Sun-Kyun Lee, Won-Hie Lim, Go-eun Kim

Byeong Ho-Sung (Sun-Kyun Lee) es un abogado de éxito, un poco arrogante, sí, pero contratarle te asegura la victoria en la corte. Después de un caso de efectos secundarios en fármacos, recibe un informe para defender al asesino de una chica, en el cual el cuerpo ha desaparecido. Su cliente es ni más ni menos que el presidente de la compañía de fármacos. ¿Qué habrá detrás de todo esto? ¿Podrá nuestro exitoso abogado descubrir la verdad?

The advocate es un film muy disfrutable y divertido, el dúo protagonista Sun-Kyun Lee y Won-hie Lim (este hombre nos encanta desde que lo vimos en Dachimawa Lee) están sublimes en sus papeles, con una química brutal y algún que otro gag muy divertido. Go-eun Kim lo borda como fiscal dura, regalándonos alguna que otra escena divertida con nuestro abogado. El guión está muy bien también, clásica historia de detectives con múltiples giros en la trama que os mantendrá interesados hasta el final. Las escenas de acción son dinámicas, muy divertidas por momentos, acompañadas por una banda sonora genial. Pero casi todo el peso de la cinta se la lleva nuestro protagonista Sun-Kyung Lee, con su carisma y gran sonrisa, desde que lo vimos en A hard day ¡nos encanta! En definitiva, coged las palomitas, juntaos con cuatro amigos, y disfrutad de esta genial producción koreana llena de misterios y risas.

Lo mejor: El dúo protagonista, sublime. El dinamismo del film, no aburre en ningún momento, y se agradece que no haya drama de por medio.

Lo peor: Que seas fan de las pelis de detectives y te la pierdas.

TRAILER

 

Se añaden nuevos estrenos al Sitges 17

El Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya anuncia nuevos títulos para el 50 aniversario.

Como estreno mundial nos sorprenden con a última producción de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, Errementari de Paul Urkijo, una cinta inspirada en un cuento popular vasco sobre un herrero capaz de engañar al diablo.

También tendremos nueva entrega de los directores Julien Maury y Alexandre Bustillo (À l'interiéur, Livide y Aux yeux des vivents) con el film Leatherface, un viaje al pasado del villano cara de cuero antes de la película que le dio el éxito La matanza de Texas. Especial ilusión nos hace volver a ver a Stephen Dorff (y este año lo tendremos por partida doble) en películas de género como esta. Y una entrega más de la malísima muñeca Annabelle, con Annabelle Creation dirigida por David F. Sandberg.

Sorprendentemente vuelve Nicolas Cage, junto con Selma Blair, al thriller independiente de la mano de Brian Taylor en Mom and Dad en première europea, "ambientado en una realidad donde los padres se comportan de manera violenta con sus hijos". Tendremos también como premières europeas los films Les affamés de Robin Aubert (en el género zombie), Revenge de Coralie Fargeat (survival en clave femenina) y The Ritual de David Buckner (terror escandinavo).

Noves Visions abrirá con Most beautiful island de Ana Asensio y la clausura irá a cargo de How to talk to girls at parties una comedia de John Cameron Mitchell con Nicole Kidman y Elle Fanning. Dentro de la sección podremos ver Marjorie Prime de Micael Almereyda (dándole una vuelta de tuerca a las nuevas tecnolgías), con la llegada again a Sitges de Geena Davis (¡yay!) y Tim Robbins, y The Crescent de Seth A. Smith con una fuerza misteriosa surgiendo del mar.


Panorama Fantàstic inaugurará con la home invasion Jackals de Kevin Greutert con Stephen Dorff (¡yay again!) y Deborah Kara. También tendremos seguna parte de Creep (no la de Franka Potente en el metro de 2004 sino la del video diario en las montañas de 2014), siguiendo la estela de la primera. Y finalmente también se incluye la nueva película de Can Evrenol, Housewife, prometiendo una nueva bajada a los infiernos tal y como ya hizo con Baskin. ¡No podemos imaginar mejor programación para Panorama Fantàstic!

Y finalmente en Midnight X-treme podremos disfrutar de lo nuevo de Ryuhei Kitamura (¡love it!), la sangrienta y explosiva Downrange donde unos amigos quedarán a merced de un francotirador en mitad de la nada. Kitamura ya nos encantó con The midnight meat train y No one lives así que esperamos despelote en su nueva aventura americana.También habrá lugar para lo más extremo del festival con el musical zombie Anna and the Apocalypse de John McPhail o el slasher argentino Los olvidados de Luciano y Nicolás Onneti.

El Festival promete "en los próximos días", dar a conocer "la programación completa distribuida por días y salas, así como la fecha de salida a la venta de las entradas". ¡Os tomamos la palabra!