El catador de quesos Naomi Niijima está a punto de cerrar su ansiada venganza, tiene entre sus manos al asesino que le separó de su pequeña hace 6 años. Aunque su vida parece aparentemente tranquila junto a su mujer, Niijima es incapaz de resistir sus ansias de acabar con el asesino, y poco a poco está pudriéndose por dentro. ¿La culminación de la venganza le dará esa paz que necesita?
Kiyoshi Kurosawa es un director brillante y a veces irregular, pero puede presumir de tener en su filmografía joyas absolutas del cine Japonés (Cure, Kairo). Con Eyes of the spider, demuestra que puede salirse del género de terror, regalándonos una cinta atípica de mafiosos y venganza que no dejará indiferente a nadie.
Justo después de rodar su obra maestra Cure, el director estrenó un año mas tarde Eyes of the spider y Serpent`s path (pronto reseña), dos películas en las que el director muestra el camino de un hombre hacia su venganza y las consecuencias que ello acarrea. Obras ferozmente interpretadas por el gran Shô Aikawa. Hoy hablaremos de la primera de ellas.
Estamos ante una rareza en la filmografía del director, una cinta que se mueve fuera de lo convencional. Una cruda historia con tempo pausado e hipnótico, que os atrapará con su aire enrarecido y sus excesos. Las explosiones de violencia, al igual que alguna otra escena, os recordarán en más de una ocasión al cine de Kitano o incluso al de Takashi Miike. Pero nos os engañéis, la obra de Kurosawa tiene la personalidad suficiente y el buen hacer para ser una cinta de visionado casi obligado. Una obra que guarda en su interior más profundidad de la que parece tener a simple vista, tanto sus planos como su extraño guion guardan una reflexión sobre el vacío emocional y el verdadero ser que llevamos dentro. Brillante. Un tour de force perfectamente ejecutado por el carismático Shô Aikawa, que rebosa fuerza en su actuación y que acentúa una película ya de por si cruda y decadente.
Kiyoshi Kurosawa se apoya como ya es habitual del sonido ambiente, silencios rotos por el viento o por los sonidos de la monotonía diaria, generan un malestar y una incertidumbre abrumadora, dejando al espectador alerta en ciertos momentos del film. La monotonía como decadencia del alma.
La cinta posee algunos planos espectaculares que hablan por si solos mezclándose con una fotografía bastante derrotista y oscura. El director combina a la perfección la convencionalidad de las cámaras junto con algunos planos de cámara en mano, que tiemblan para generar tensión y enrarecimiento en el ambiente.
En definitiva, otra joya dentro de la filmografía del director, una historia violenta y a veces divertida, con una naturalidad que roza lo absurdo, pero que os atrapará de principio a fin. Imprescindible.
Lo mejor:La dirección y el montaje del film.Shô Aikawa hace una interpretación excelente. Estar sin saber por dónde va ir la historia hasta el clímax final.
Lo peor: Una cinta de gangsters para no todos los públicos, por su extrañeza general y su tempo pausado.
A continuación os dejamos con la breve entrevista a Takuji Izumi director de Fortress of Skulls en el Festival de Sitges. Nos hablará un poco de la maravillosa fusión entre el teatro y el cine y de cómo se monta este complicado tinglado de samurais y espadas por doquier.
Mike y sus Chinos: Enhorabuena por tu película y bienvenido al festival por segunda vez. No sé si te quedaste a toda la sesión en el teatro Prado, pero en varias ocasiones hubo aplausos y una ovación al finalizar el pase. ¿Qué te parece el ambiente del festival?
Takuji Izumi: Muchas gracias, es todo un honor ver al público tan entregado con Fortress of Skulls. El festival de Sitges es un lugar que recibe mucha energía, ya que normalmente el público japonés es mucho más calmado y reservado. Aquí la gente muestra más emoción, ríen y aplauden y eso es lo que me fascina del festival.
MysC: ¿Porqué decides hacer este proyecto?
TI: Cuando hablamos de teatro vemos que es un sitio cerrado y bastante limitado. Mi idea es llevar el teatro al mundo cinematográfico y que pueda verse por todo el mundo. Mi formación viene del cine, por eso quería ver el teatro desde mi punto de vista, con diferentes planos y secuencias para poder disfrutar la obra en una sala de cine.
MysC: Viendo esta interesante fusión del teatro con el cine ¿Cómo es la producción y preparación de todo esto?
TI: La producción de teatro es lo principal, no hay casi producción de la parte cinematográfica, cogemos las cámaras y grabamos absolutamente todo sin molestar a los actores que están interpretando la historia. Básicamente lo que he hecho a sido grabar una producción teatral para luego montarla en formato película. Fortress of Skulls es una obra de teatro donde hay público, unas mil trescientas personas aproximadamente, grabamos sus dos actos completos sin ningún corte, durante la mañana y la tarde. Más adelante con todo el material se hace el montaje de la película.
MysC: Sorprende la variedad y espectacularidad de los planos. ¿Como se coordina este monumental trabajo de cámaras?
TI: Se hace una pre-producción de una o dos semanas con las 20 cámaras que se han utilizado para Fortress of Skulls, esto sirve para conocer bien el equipo, sus funciones y características técnicas principales, así como la colocación de cada una de ellas.
MysC: Para nosotros el formato GEKIxCINE es algo novedoso y sorprendente ¿podrías explicarnos un poco la historia y sus orígenes?
TI: Fui el primero en grabar una obra de teatro con cámara. Desde el año 2003 he grabado unas 17 películas en este mismo formato. En Japón tampoco es muy común este tipo de producciones, es algo nuevo.
MysC: Después de la maravillosa y épica experiencia viendo Fortress of Skulls, queríamos preguntarte por proyectos futuros. ¿Tienes alguno en mente?
TI: Seguiré haciendo este tipo de películas y me encantaría volver el año que viene (risas). Tengo en marcha dos o tres proyectos de GEKIxCINE.
MysC:¿Has pensado alguna vez rodar una película en formato clásico?
TI: En Japón los presupuestos para hacer una película son muy bajos en comparación a otros países, por ese motivo es difícil dar el salto al formato convencional.
MysC: Muchas gracias por tu tiempo, esperemos que el año que viene regreses con otra genial producción.
Kinou Nani Tabeta? (¿Qué comiste ayer?) es una serie basada en un manga del mismo nombre creado por Fumi Yoshinaga (publicado por primera vez el 22 de noviembre de 2007). La historia habla de una pareja homosexual de mediana edad que vive junta, planteando muchas veces como se lleva en realidad la homosexualidad en Japón. Es un argumento maduro que se aleja totalmente del Yaoi o Boys love juvenil al que solemos estar más acostumbrados, lo cual a mí me parece un soplo de aire fresco, al menos, para gente que quiere tratar este tema de manera más centrada y madura.
Shirou es un abogado al que le encanta cocinar. Este vive con su pareja, un peluquero llamado Kenji. Tras cada arduo día de trabajo, ambos se sientan a la mesa para degustar los platos que prepara Shirou, hablar sobre sus problemas y compartir sus sentimientos. Shirou trabaja en un pequeño bufete, es un buen profesional y se toma muy en serio su trabajo. Tiene 45 años y aunque acepta totalmente su homosexualidad no es algo que le guste gritar a los cuatro vientos, por lo que prefiere guardarlo en secreto. Es hijo único, lo que a veces le hace sentir mal pensar que, al no tener descendencia, les niegue a sus padres la oportunidad de tener nietos. En contrapartida tenemos a Kenji, trabaja en un centro de estética y es una persona simpática, risueña y está tan orgulloso de tener una pareja como Shirou que la mayoría de las veces no puede evitar hablar de él. En el fondo es muy celoso, odia que su pareja haya tenido novias en su juventud y tiene miedo que se canse un día de él y lo deje. Estas diferencias a la hora de llevar la homosexualidad, les lleva muchas veces a muchas discusiones y desavenencias que formarán parte de la historia y que llevan a comprender poco a poco la forma de ser de cada personaje.
Otra cosa muy importante en la historia es la cocina, cada receta que prepara Shirou es explicada detalladamente en cada capítulo por lo que quien la quiera preparar puede hacerlo perfectamente (no la vean con hambre, es un consejo).
En el apartado de la actuación solo puedo decir que es sublime, ambos actores realizan un trabajo interpretativo sobresaliente. Quizás el papel de Kenji (Seiyo Uchino) se me hace más complicado de llevar por lo que pienso que tiene más mérito. Lo mejor: Las interpretaciones de los actores principales. Tocar de manera realista y madura la homosexualidad en Japón. Las recetas de cocina explicadas de manera detallada.
Lo peor: Al ser 12 episodios no da tiempo de profundizar demasiado en los pocos personajes secundarios que hay, por lo que algunos son bastante planos y no aportan nada a la historia. La pareja homosexual secundaria es desesperante.
"El único que necesita el colmillo de elefante, es el propio animal"
Dirección: Chuck Russell Guion: Adam Prince, Chuck Russell Reparto: Vidyut Jammwal, Pooja Sawant, Asha Bhat
El veterinario Raj Nair vive tranquilo en Bombay, donde regenta su propia consulta. Como cada año en el aniversario del fallecimiento de su madre, su padre se pone en contacto con él para pedirle que asista al acto de homenaje que se celebra en su memoria y, como cada año, Raj planea rechazar la invitación.
Sin embargo, esta vez es especial: Es el décimo aniversario del triste suceso y, a pesar de las diferencias con su progenitor, que le distanciaron de él e, indirectamente, le alejaron de la jungla y le llevaron a trabajar en la ciudad, nuestro obcecado héroe acepta asistir.
Volver a la reserva de elefantes en la que se crio, creada hace años por sus progenitores y que no pasa por su mejor momento, ayuda a Raj a reconectar con sus raíces y a redescubrir el motivo por el cual se dedica a lo que se dedica, además de hacerle reencontrarse con sus grandes amigos de la infancia, Bhola y Didi, los elefantes más veteranos del lugar. Todo parece ir bien hasta que un grupo de desalmados cazadores furtivos, hambrientos del tan codiciado marfil, terminan con la tranquilidad de Raj y convierten el idílico panorama que hasta entonces envuelve al espectador en una historia de venganza sin cuartel.
Con todos estos ingredientes, Chuck Russell, director responsable de La Máscara o The Scorpion King, debuta en Bollywood con una película entretenida cuyas escenas de acción están magistralmente interpretadas por el ex especialista Vidyut Jammwa y en la que, por supuesto, no pueden faltar las tan características canciones, si bien en esta ocasión están integradas en el argumento, no añadidas a él, lo que agiliza la historia y acorta considerablemente el metraje del film.
En resumen, Junglee es una historia de amor, de amor hacia la naturaleza, que invita a la reflexión acerca de la coexistencia pacífica (aunque sabemos que, de momento, utópica) entre el hombre y el resto de especies, en la que el espectador no puede evitar empalizar con todos los personajes, tengan estos dos, cuatro o ninguna pata, y enamorarse de los maravillosos paisajes mostrados que, en realidad, no pertenecen a India, sino a un santuario de elefantes ubicado en Tailandia.
Lo mejor: Las escenas de acción. La intervención de la elefanta Didi en un momento clave de la película y, por supuesto, ver a Vidyut peleando (o paseando por la selva) sin camiseta. Lo peor: Hay escenas que involucran a los animales que son bastante crudas y pueden herir sensibilidades, aunque en los créditos aclaran que ningún animal fue herido durante el rodaje.
"El matrimonio es como andar dos debajo de un paraguas" Director: Takayuki Takuma
Guion: Takayuki Takuma Reparto: Kana Kurashina, Hayato Ichihara, Danahun Tatekawa, Tomoyo Harada El padre de Satsuki Tsukishima desapareció cuando ella tenía 5 años. Ella culmina la búsqueda de su padre, que lleva 25 años ausente, en un pequeño pueblo. Allí descubrirá que ese hombre ha construido una nueva vida, y ha cambiado su nombre y apellidos. Satsuki no solo se reencontrará con su padre, sino también con sentimientos que parecía tener olvidados. Durante el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic pudimos ver este film y, pese al frío de la Bassa, la disfrutamos muchísimo. Takayuki Takuma nos cuenta una historia aparentemente dramática, pero sabe darle un giro al relato y nos muestra este drama desde un punto de vista más positivo y con algunos toques de humor.
El guion es una adaptación de su propia obra de teatro. Es una historia coral, donde cada personaje muestra su importancia dentro de la misma.
La fotografía es delicada, mostrando de manera muy realista el pequeño pueblo de Japón donde viven nuestros protagonistas.
En definitiva, Under One Umbrella es una delicia que te emocionará y, a la vez, te sacará más de una carcajada. Lo mejor: Cada uno de los personajes, todos ellos carismáticos y muy importantes a lo largo de la trama. Lo peor: Si no estás acostumbrado a este tipo de películas el ritmo puede parecerte lento.
"Lo más importante en la vida es un hígado" Director:Sriram Raghavan Guion: Arijit Biswas, Yogesh Chandekar, Sriram Raghavan, Pooja Ladha Surti. Reparto: Ayushman Khurrana, Radhika Apte, Anil Dhawan, Tabu. Akash es un pianista ciego que quiere conseguir la composición perfecta. Durante su proceso conoce a la chica de su vida y, a la vez, consigue un trabajo tocando el piano en un famoso restaurante. Parece que nada podría ir mejor pero, una serie de actos inesperados hacen que todo se vuelva más oscuro. Andhandhun ha sido la sorpresa de esta edición del Festival Nits. Sriram Raghavan nos trae un thriller muy gamberro con toques de humor que hará que no te despegues de la silla en ningún momento. No solo ha ganado el premio de la crítica y la prensa, además también ha ganado el premio del público.
Poco podemos contar sin destripar la trama, solo diremos que la sorpresa es constante y que nada es lo que parece.
El guion es muy original, sabe mezclar varios temas entrelazándolos de manera que encajen a la perfección. El metraje es el adecuado (algo que a veces se les va un poco de las manos a las películas indias) aunque no es un film cargado de bailes, nos deja alguna que otra canción para los fans de este tipo de cine. La Banda sonora encaja a la perfección con la trama, sabe jugar con el piano y los elementos de tensión que van sucediendo a lo largo de la historia. La importancia de la música es crucial para poder meterse de lleno en el relato.
En definitiva, Andhandhun es una joya que merece la pena ver y disfrutar, no dejará a nadie indiferente.
Lo mejor: El uso de la banda sonora en la trama. Lo peor: Si esperas ver una película de género Masala al uso no encontrarás lo que buscas.
En la pasada edición del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, tuvimos la ocasión de poder entrevistar a Li Jingxiang Directora de Spring Sparrow y a Ji Hongyang, uno de los actores principales.
Mike y sus Chinos: Enhorabuena por la película a ambos. ¿Qué os parece el ambiente del festival?
Ji Hongyang: (saca un traductor de bolsillo, teclea algo en mandarín y suena) Muy bien (risas).
Li Jingxiang: Me gusta mucho el festival, el equipo, el público y el ambiente que hay con la gente. Es una experiencia muy positiva.
MysC: ¿Li, por qué decides explicar esta historia?
LJ: Hace unos años fui a estudiar sola a París y cuando tuve la ocasión de hacer mi primer largo reflexioné mucho y me di cuenta de lo que les había pasado a la generación de mis padres. La dura pelea de estar sola y ganarte la vida, me abrió los ojos de lo difícil que debió ser cambiar de vida y empezar una nueva para ellos. Esta experiencia, aunque sea diferente, se parecía bastante para decidir hacer esta película.
MysC: ¿Ji, cómo fue la preparación para el papel de la película?
JH: Siendo un actor debes hacer este tipo de trabajo anterior a la película, en especial siendo de una generación diferente de la que no sé demasiado. Oímos hablar de las generaciones pasadas, pero no las vivimos, así que vi muchos documentales, la directora se nos llevó durante un mes a la localización para que pudiéramos vivir lo mismo que los personajes de la película. También en el pueblo hay gente bastante mayor, que pudieron contarnos las historias de sus vidas de cuando eran pequeños.
MysC: Li, vemos que el recorrido de los personajes es duro y largo, pero ellos rebosan bondad y se cuidan mucho entre ellos. ¿Querías reflejar estos valores en la película?
LJ: Pues sí, pero es que yo siempre pienso en positivo. Era difícil encontrar trabajo y éxito en Pekín, pero los valores de los amigos que se ayudan y que juntos lo pueden conseguir era muy importante para mí. También es muy importante decir que en la sociedad china actual todavía son valores de actualidad, juntos podemos avanzar, no dejar de hacer algo (aunque no funcione la primera vez) y continuar haciéndolo porque algún día tendrás éxito.
MysC: ¿Li, qué significado tiene el pájaro que acompaña a los cuatro protagonistas durante la historia?
LJ: Es un símbolo del personaje principal. Él también es un pájaro pequeño que se va de su pueblo, que se eleva y ve el mundo desde arriba. Y además es una analogía con la primavera, que invita a salir, a empezar nuevos proyectos, es un buen momento para volar y ver el mundo con tus propios ojos.
MysC: ¿Ji, Puedes hablarnos un poco sobre la experiencia del rodaje?
JH: Fue muy interesante porque durante todo el tiempo que estuvimos rodando en el pueblo hicimos nuestra vida diaria allí, como cocinar. Y aunque muchos de los actores somos de la ciudad fue bastante divertido, porque nuestro estilo de vida es muy diferente. Se nos quemaba la piel, tuvimos que aprender el dialecto del pueblo, saltábamos al río para coger peces, subíamos a los árboles… Así que fue interesante.
MysC: Li, vemos en la película que los paisajes son muy hermosos. ¿Qué nos puedes decir de las localizaciones?
LJ: Pues la casa principal donde rodamos la construyeron mi abuelo y mi padre en los 70, tardaron 2 o 3 años en hacerla. Cuando se marcharon a Pekín la casa quedó abandonada así que decidí hacerla revivir para la película. También hice un tour por la región para ver casas que se construyeron en la época y encontré lugares en los que mi familia había estado hacía 4 generaciones. No teníamos contacto con esta rama de la familia y encontré lazos familiares que no esperaba. También quería darles mucha importancia a los paisajes, a la naturaleza, la primavera, los árboles, el agua, el viento. Para mí era muy importante que se viera la paz interior del personaje principal. Ahora la vida va muy rápido, la gente no tiene tiempo de pararse y ver lo que hay a su alrededor. Este personaje tiene una sensibilidad especial, puede sentir lo que hay a su alrededor.
MysC: Li, debió ser entonces una experiencia muy reveladora.
LJ: La verdad es que sí, ya que siempre he sido una chica de ciudad. Ahora tengo ganas de volver y poder hacer más actividades culturales para mostrar este lado de China al mundo, pero incluso poder mostrarlo en la China, porque es tan grande que no se conoce toda la cultura que hay. Así que tengo muchas ganas de enseñarlo al mundo en general. Por esto decidí que el personaje principal no hablaría mandarín, sino el dialecto de la región. Los actores tuvieron que aprenderlo y aprender también a vivir como lo hacen allí.
MysC: ¿Nos podéis explicar alguna anécdota del rodaje?
LJ: Pues 3 semanas antes de que empezara el rodaje estábamos repitiendo algunas escenas y me di cuenta que uno de los actores no estaba. Y el resto me dijeron “pues ha cogido la bici y se ha ido al otro pueblo para hablar con la gente y todavía no ha vuelto”. La verdad es que lo hacían continuamente, cogían las bicis y se iban a pasear por todos lados. Creo que se lo pasaron muy bien.
JH: Anécdotas tengo un montón, pero una de las más divertidas fue cuando, antes de empezar a rodar, estábamos viviendo en el pueblo y después de dos semanas nos adaptamos de manera fenomenal allí. Por supuesto llevábamos la ropa de los años 70-80, pero obviamente la gente no va vestida así más. Y la gente tampoco usa las bicicletas que nosotros estábamos utilizando. Así que la gente del pueblo se pensaba que estábamos locos.
MysC: ¿Cuáles son vuestros futuros proyectos?
LJ: Con Spring Sparrow he explicado una historia de chicos. Ahora quiero concentrarme en una historia de mujeres que viajan juntas a España. Se rodará el año que viene en Barcelona y Mallorca.
JH: Pues en los próximos meses voy a rodar una serie de televisión para la televisión China, sobre la vida militar. Y seguiré haciendo promoción de Spring Sparrow. Es la primera película desde mi recuperación del accidente de coche que sufrí, así que le estoy muy agradecido a la directora.
MysC: Muchas gracias por vuestro tiempo a ambos. Esperamos que la película os vaya muy bien.
Director: Rashane Limtrakul Guion: Rashane Limtrakul Reparto: JeeJa Yanin, Kazu Patrick Tang, Nui Saendaeng, Sompong Leartvimolkasame, Boonprasert Salangam, Marc Hoang
Raging Phoenix es una película que gira en torno al Meyraiyuth, un arte marcial ficticio creado para la película y que mezcla distintas artes marciales, break dance y grandes dosis de alcohol. Nuestra protagonista, Deu, es salvada de ser secuestrada por unos mafiosos de trata de mujeres por unos practicantes de Meyraiyuth. Después de ello, Deu les convence para que le enseñen a pelear. Cuando lleva un tiempo entrenando, ellos le cuentan que, en realidad, su intención es ir tras esos mafiosos, ya que la prometida de uno de ellos fue secuestrada hace tres años.
Como bien se podría esperar, el argumento no da más de sí, pero lo que busca esta cinta es que el espectador lo pase bien, se divierta y disfrute de las coreografías. Es una película hecha para que no solo JeeJa Yanin se luzca, sino que brille el Meyraiyuth en cada plano de su coreografía.
Si buscas una película sencilla para pasar un rato entretenido, esta no puede faltar en tu lista.
Lo mejor: JeeJa Yanin. Las coreografías están muy bien elaboradas. El curro de crear un arte marcial para la película me llamó mucho la atención.
Lo peor: El argumento, aunque es de sobra sabido que no suele ser su fuerte en pelis de este tipo, la verdad es que es un poco absurdo para mi gusto. Meter alcohol en el proceso de aprendizaje del Meyraiyuth.
"Quiero volver a competir, será la victoria o nada" Dirección: Han Han Guion: Han Han Reparto: Shen Teng, Huang Jingyu, Yin Zheng
Zhang Chi es un piloto de rallies (el mejor) que recibe una suspensión del carnet de conducir durante 5 años por carreras ilegales. Tras esos 5 años y de buscarse la vida para mantener a flote a él y a su hijo, haciendo todo tipo de trabajillos, Zhang Chi quiere volver a ser el mejor piloto. La carrera más difícil de China va a dar comienzo en un mes y necesitará toda la ayuda posible para conseguirlo.
Han Han tiene un toque especial en cuanto a sus películas se refiere. En esta, la tercera después de The Continent y Duckweed (ambas relacionadas también con el mundo del motor), plasma con humor y velocidad lo difícil que la vida te lo pone en cuanto a segundas oportunidades.
El dúo protagonista, Zhang Chi (Shen Teng) y Sun Yuqiang (Yin Zheng), tienen una química increíble y te hacen reír en todo momento (los momentos más sublimes son cuando ambos se ponen serios). Ambas interpretaciones contrastan con el ambiente derrotista de su alrededor.
Yuxia Bai se encarga de la fotografía y edición de Pegasus: híper realista (el trabajo de cámara durante el rallie es espectacular), colorida y apagada a la vez, de una sensibilidad a la altura, para ser esta película su primer trabajo como fotógrafo.
En el apartado musical encontramos momentos muy curiosos donde nuestros protagonistas cantan y bailan, no como impulso del momento, sino como parte de la trama. Y tengo que decir que para mí son los momentos más divertidos.
En resumen, un gran ejemplo del cine de calidad chino que nos sigue llegando al alma.
Lo mejor: La imaginación de los personajes y una gran escena con pole dance incluido.
Lo peor: Quizás hubiera sido una película demasiado larga, pero hubiera estado bien conocer más a los secundarios.
"Mi nombre es Lang Ming y soy ciego, pero tengo un oído excelente" Dirección: Liu Kuo Guion: Yicheng Shu, Ao Yu
Ming Lang, un chico ciego de Xiaoyanggang, malvive haciendo pequeñas estafas en el mercado. Toda su vida ha creído que es un Shalen, por la marca que tiene en la mano. Los Shalen son humanos con increíbles poderes basados en la naturaleza que utilizan para derrotar a los demonios. Un día, un ser diabólico ataca la ciudad y la madre de Lang desaparece. Entonces, Lang inicia un viaje lleno de aventuras junto a “pequeña duende” que cambiará su vida para siempre.
No es habitual encontrar cintas de animación china en general y hasta ahora, las pocas que habían llegado a nuestro país no se encontraban a la altura de la animación japonesa o americana. Con The wind guardians, Liu Kuo, demuestra que poco a poco, la animación va mejorando.
Nos encontramos con un film que, si bien es para todos los públicos, encandila por momentos a la audiencia más adulta. La historia es divertida y épica por momentos, combinando fantasía, wuxia, romance y humor. The wind guardians es una historia de superación y del amor entre padres e hijos.
En definitiva, si os gustan los wuxias de carne y hueso, no desaprovechéis la oportunidad de darle un visionado a esta película de animación.
Lo mejor: Una bonita e emocionante historia.
Lo peor: Que no creo que la editen en nuestro país.
“Estar vacío puede significar un nuevo comienzo"
