"Conquer fear, Conquer All" Director: Dante Lam Guión: Dante Lam, Feng Ji Reparto: Zhang Yi, Johnny Huang, Qing-Hai, Du Jiang, Jiang Luxia, Yin Fang
Un grupo especializado de marines chinos llamado Jiaolong se embarcan en una misión de rescate en Yewaire. Durante la misión, y debido a la inestabilidad de la zona, intentarán ser evacuados lo antes posible. Pero los rehenes son capturados por el comando terrorista “Zeke”, los cuáles están en guerra por el control del territorio.
Después de la brutal OPERATION MEKONG, Dante Lam vuelve al tema militar con la monumental OPERATION RED SEA. Un blockbuster de acción impresionante, crudo y realista. En nuestra visita a Londres hace unos meses, pudimos ver esta animalada en pantalla grande, estamos deseando revisionarla en algún festival nacional. Hace un par de años tuvimos la oportunidad de entrevistar a Dante Lam y su productora Candy Leung en el festival de Sitges, donde estrenaban Operation Mekong, nos comentó que la próxima película sería más grande y con mucha más acción, y ya os podemos asegurar que ¡es verdad! Impresionante. Dirección, guión y coreografías de acción corren a cargo del propio Dante, el cual hizo pasar al increíble casting por un entrenamiento duro y riguroso, para conseguir el mayor realismo posible en las múltiples situaciones de guerra que veremos en el filme. La película está rodada en China y Marruecos, donde participaron centenares de extras y equipo técnico de ambos países (lo entenderéis cuando veáis la magnitud de algunas escenas). El contraste del mar azul y los territorios áridos destrozados por el paso de los conflictos, generan una tensión extra al espectador que va en aumento hasta el final de la cinta. Dante Lam con sus juegos de cámara nos mete directamente en el terreno de guerra, cambiando de perspectiva en numerosas ocasiones, todo ello sin marear al espectador y con un dinamismo brutal. El director nos lleva a primera línea del conflicto, generando mucha tensión gracias a la perfecta recreación de la guerra en sí. OPERATION RED SEA es una cinta muy cruda, real y violenta, donde el trabajo de los maquilladores ayuda aún más a reflejar ese peligro y terror en el campo de batalla. Este trabajo de maquillaje y el de efectos especiales tradicionales se ve reflejado sobre todo en el deterioro de nuestros protagonistas y en las consecuencias que generan las explosiones. El CGI está muy bien logrado y acompaña perfectamente a la multitud de explosiones y derribos reales.
Las escenas de acción son una barbaridad: tanques, drones, misiles, combate aéreo... todo esto acompañado de frenéticos tiroteos y persecuciones de coches, explosiones y más que el bueno de Dante nos regala a los amantes del cine de acción. Sorprende que durante todo el filme haya muy pocas escenas cuerpo a cuerpo ya que son las balas las que acaparan todo el protagonismo, a diferencia de OPERATION MEKON que había una cuantas. Creemos que el director quería dar más realismo al conflicto armado. La historia es simple pero eficaz, basada en hechos reales que ocurrieron durante la Guerra Civil de Yemen en 2015. El elenco principal es excelente, unas actuaciones muy realistas como soldados, además, el guión nos irá desvelando poco a poco las inquietudes y miedos de nuestros héroes, que explotarán en momentos épicos del filme. La banda sonora también está a la altura, sobre todo en los momentos de tensión, pero lo que más nos gusta es el sonido del reloj en los magníficos tiempos bala, en donde el director frena y nos deja ver al milímetro la precisión del momento. En definitiva, OPERATION RED SEA es una de las mejores películas de acción del año, Dante Lam sabe como darle esa crudeza que lo caracteriza, con momentos de mucha tensión y violencia extrema. Un producto que a simple vista puede parecer una producción muy al estilo Hollywood, pero que en su alma tiene toda la fuerza del buen cine Hongkonés. Esta historia al igual que su anterior filme, nos delvuelve aquellos maravillosos héroes de los 80 y 90 que hoy en día parecen en extinción (el propio Dante nos lo comentó en la entrevista) y que, gracias a su genial productora Candy Leung (Unbeatable, Viral factor, O.Mekong), se ha podido hacer realidad. Imprescindible ❤️ Lo mejor: Todo el conjunto del filme es sobresaliente, quizá el guión sea un tanto simple, pero nos da igual XD. Lo peor: No poder verla en nuestro país en pantalla grande, esperemos que algún festival nacional la programe. TRAILER
“Confía en mí, soy el único que puede ayudarte” Director: John Woo Guión: John Woo, Jukô Nishimura Reparto: Zhang Hanyu, Masaharu Fukuyama, Stephy Qi, Ha Ji-Won, Jun Kunimura, Ángeles Woo. Un abogado es acusado en extrañas circunstancias de asesinar a una joven; a partir de aquí, comenzará una caza despiadada contra él, perseguido por la policía, por una organización criminal e incluso asesinas a sueldo. ¿Podrá nuestro protagonista descubrir la verdad? Manhunt es puro John Woo, una cinta de acción elegante y dinámica, llena de personajes carismáticos, una oda al cine clásico hongkonés. Un heroic bloodsheed como los de antaño, un auto homenaje que desborda melancolía y clase. La historia está basada en la novela de Jukô Nishimura, de ahí que casi toda la película pase en Japón. Nos sorprendió tanto la localización como la variedad de idiomas de la cinta: inglés, mandarín y japonés. El guión nos pareció bastante interesante, sobre todo la parte más thriller del film, manteniendo el interés hasta el estupendo final. Pero si hay una cosa que nos gusta de Woo son sus personajes, el director sabe cómo crear carismáticas personalidades y reflejarlas de una manera elegante. El elenco de actores es genial, en especial Zhang Hanyu y Masaharu Fukuyama, uno como abogado fugitivo acusado en extrañas circunstancias de asesinar a una joven, y el otro de ser el policía encargado de llevar la investigación. Zhang interpreta a un hombre clásico, de costumbres, melancólico y elegante, que se ve atrapado en una lucha contrarreloj por demostrar su inocencia. Por otra parte, Masaharu recrea a un policía con un sentido de la justicia brutal, inteligente y perspicaz, un ejemplo a seguir por la sociedad japonesa.
Nos gustó mucho los papeles de Ha Ji-won (Rain) y Ángeles woo (Dawn, que en la vida real es la hija de John Woo) como asesinas a sueldo, despiadadas y profesionales. La banda sonora es genial, desde los acordes más clásicos a los ritmos más modernos acompañan al film en sus diferentes partes. En definitiva, el regreso de Woo es una especie de auto homenaje al heroic bloodshed, que quizás no guste a todo el público, pero que a nosotros nos ha encantado volver a reencontrarnos con esos maravillosos héroes del cine de acción de Hong Kong.
Lo mejor: Los tiroteos, los personajes y algún que otro guiño a su cine. Lo peor: Quizás a muchos les parezca simple por su típico guión. Que de momento no la podamos ver en pantalla grande. Trailer
Director: Derek Hui Guión: Joyce Chan, Yuan Li Reparto: Takeshi Kaneshiro, Dongyu Zhou, Yi-Zhou Sun
Lu Jin (Takeshi Kaneshiro) es un elegante ejecutivo, una persona solitaria, atrapada en el día a día laboral, además es gerente de varios hoteles y su gusto por la buena cocina es exquisito. Un día es invitado al hotel Rosebud, donde tiene una cita concertada para cerrar un trato con varios ejecutivos. Pero a nuestro protagonista no le gustará nada este hotel, ni el servicio, ni las habitaciones y menos todavía la cocina. El gerente del hotel al ver que Lu Jin podría incluso cerrar su negocio, decide hacer un plato especial cocinado por Gu Shengnan (Zhou Dongyu) la pequeña ayudante del chef, el cuál maravilla a nuestro protagonista, que decide incluso retrasar la reunión, y quedarse más días para poder disfrutar de esos maravillosos platos.
¿Podrá la cocina unir a estos dos polos opuestos?
THIS IS NOT WHAT I EXPECTED es una agradable comedia romántica que busca entretener al espectador, protagonizada por dos maravillosos personajes interpretados por Takeshi Kaneshiro y Zhou Dongyu.
La química entre ellos dos sorprende, ya que son dos almas totalmente diferentes y consiguen que algunas situaciones sean muy divertidas. Nos ha gustado mucho ver a Takeshi en plan señor, serio, creemos que le queda muy bien al igual que sus maravillosos trajes XD. Por otro lado el genial papel de Zhou, torpe, atrevida y maravillosamente escandalosa, dará muchos dolores de cabeza a nuestro protagonista pero, a su vez, irá surgiendo el amor poco a poco, porque esta cinta es el claro ejemplo de que los polos opuestos se atraen, y que más allá de los gustos y la convivencia está el amor.
Visualmente es muy colorista, tanto en fotografía como en el vestuario, todo esto acompañado por una genial banda sonora, que mantendrá la sonrisa en vuestra cara durante todo el metraje.
La historia es simple, pero bien explicada, llena de situaciones cómicas y no abusa demasiado del tema romántico.
En definitiva, una cinta agradable para pasar un buen rato que, a su vez nos sirve para darnos cuenta de lo importante que es el amor en nuestras vidas. Enjoy!
Lo mejor: El dúo protagonista, la banda sonora y la estupenda fotografía.
Lo peor: No deja de ser una comedia romántica y a muchos les parecerá una chorrada, pero es una cinta que no solo habla del amor de pareja, sino de muchos otros valores muy importantes en nuestras vidas.
"Es una trampa, os lo aseguro" Director: Lee Soo-youn Guión: Lee Soo-youn Reparto: Jo Jin-woong, Shin Goo, Kim Dae-Myung, Lee Chung-Ah
Hoon Seung (Jo Jin-woong) es un doctor aficionado a las novelas de misterio que trabaja en una clínica en un pequeño barrio obrero de Korea, su especialidad es hacer colonoscopias. Un día el padre de su casero, mientras está sedado en su clínica, le revelará un oscuro secreto: la localización de varias partes amputadas del cuerpo de una chica, descripción que coincide con los hechos explicados en el telediario. A partir de aquí, nuestro protagonista empezará a obsesionarse con la peculiar familia, que tienen una carnicería en el mismo edificio donde vive Hoon. ¿Será esta familia la culpable de los asesinatos en serie que atemoriza al pequeño barrio?
Bluebeard es una cinta ágil, con un montaje muy dinámico, pero a su vez mentirosa, ya que la falta de información no son más que piezas ausentes en este macabro puzzle.Lee Soo-youn nos regala un ejercicio de cine negro de alto nivel, llena de personajes misterios y carismáticos, escenas perturbadoras y, sobre todo, mucha tensión.
Un viaje hacia el mal humano más puro, donde no todo es lo que parece, una supervivencia por mantener los secretos ocultos y la cordura controlada. El guión es estupendo, ágil y muy bien estructurado, manteniendo el misterio y la tensión hasta su brutal final, donde todo será desvelado, cerrando así un film redondo.
Las actuaciones son magníficas, en especial la del doctor (Jo Jin-woong) que está inmenso reflejando la obsesión de nuestro protagonista hacia los supuestos asesinos caníbales, pero también como padre divorciado que se ocupa de su hijo y aguanta la locuras de su ex-mujer.
El carnicero (Kim Dae-Myung) es un personaje inquietante, muy amable para ser un posible asesino, y que Kim borda a la perfección, con esa cierta juventud en su rostro da todavía más grima. Podríamos seguir hablando de cada una de las geniales interpretaciones, pero mejor os dejamos que las descubráis vosotros mismos en Bluebeard.
La banda sonora acompaña al film de una manera brillante, composiciones clásicas que generan inquietud y atrapan al espectador, dando la sensación que algo anda mal en todo momento.
En definitiva, Bluebeard es una obra redonda, disfrutable de principio a fin, y que hará las delicias de los amantes del buen cine negro. Imperdible.
Lo mejor: Pues sinceramente casi todo, guión, música, personajes, todo está cuidado a la perfección.
Lo peor: no poder disfrutarla en pantalla grande en ningún festival de nuestro país.
"Las voces del bosque te atraparán" Director: Huh Jung Guión: Huh Jung Reparto: Heo Jin, Yum Jung-ah, Lee Jun Hyeok, Rin-ah Shin Una familia se traslada a un nuevo hogar después de la desaparición de su hijo pequeño. Un lugar acogedor a las afueras de la ciudad, y cerca de un misterioso bosque. Poco a poco irán escuchando voces en la antigua casa, palabras de gente muy cercana y que murió hace tiempo. Pero todo cambiará cuando una misteriosa niña pique a su puerta en busca de ayuda.
The mimic es un notable ejercicio de suspense y terror que nos llega desde Korea, una macabra historia sobre el folklore del país. Aparentemente, la cinta nos muestra la típica historia: familia que se muda a un nuevo hogar en el que pasan cosas extrañas; pero el director también nos muestra la ruptura familiar por culpa de la pérdida de un hijo, desesperación por no aceptar que seguramente el pequeño nunca volverá a casa. La cinta no abusa demasiado del susto fácil, sino que se apoya en lo que su director sabe hacer mejor: el suspense y el terror más pausado, generando un mal rollo hasta el tramo final. Una historia delicada pero a la vez macabra, acompañada de unas actuaciones muy buenas, en especial la de las dos pequeñas de la casa.
La banda sonora es correcta para una peli de su género, pero lo que más nos gustó es la edición de las voces que se oyen tanto en el bosque como en la casa, que destacaban por encima de todo, y parecía que te susurraban directamente al oído, muy “Creepy” XD. Huh Jung demuestra que es un director interesante y, aunque The Mimic no llegue al nivel de su ópera prima Hide and Seek, es un notable producto de K-horror y ya es decir mucho en los tiempos que corren para el terror asiático. En definitiva, si os gusta el terror asiático más clásico, dadle una oportunidad, no os defraudará.
Lo mejor: La ambientación, y las dos pequeñas protagonistas, en especial la que da miedo XD. Lo peor: Una historia típica que no sorprende, pero que nos muestra un poco del folklore Koreano, y eso la vuelve un poco más interesante.
Director: Park Hoon-Jung Guión: Park Hoon-Jung Reparto: Lee Jong-Suk, Kim Myung-min, Jang Dong-gun
Kim Gwang-li (Lee Jong-Suk) es el hijo de un alto oficial del gobierno de Corea del Norte, el cuál es repatriado a Corea del Sur después de ser sospechoso de ser un horrible asesino en serie. El detective Chae Yi-Do (Kim Myung-min) será el encargado de llevar el caso, pero por algún extraño motivo, tanto la Interpol como el servicio de inteligencia de corea protegen al supuesto asesino. A partir de aquí, comenzará una lucha por descubrir la verdad.
V.I.P. es un violento thriller policíaco, con una enrevesada trama llena de giros argumentales, explicada mediante capítulos. Park Hoon-Jung nos regala una cinta inmensa, con un guión muy bien estructurado y unos personajes creados a la perfección. El detective Chae Yi-do está interpretado a la perfección por el genial Lee Jong-suk (A-day), un personaje que representa a la justicia más pura, incansable, estricto, una alma torturada por no poder dar caza a Kim, supuesto asesino de más de 30 mujeres en varios países. Chae nunca muestra debilidad ante nadie, aunque durante el film, veremos a nuestro protagonista sufrir, impotente, al ver que el maldito asesino se va saliendo con la suya. Jang Dong-gun interpreta al agente jefe del NIS coreano, encargado de proteger a Kim y que, a la vez, hace de enlace con la Interpol. Un personaje audaz, firme, que prioriza la misión por encima de la ética moral pero que, poco a poco, lo va haciendo menos humano, convirtiéndose en un perro a las órdenes de la Interpol. Lee Jong-Suk se pone en el papel de Kim, un psicópata mimado y torturador. Un demonio al que le gusta jugar en esta especie de partida de ajedrez, en donde cualquier movimiento será fatal. Un personaje que no tiene demasiadas líneas de texto, pero Lee Jong sabe darle el carisma que necesita; el mal en estado puro, desafiante y cruel, tanto con sus opresores, como con sus protectores.
V.I.P. habla de venganza, redención, codicia pero, sobre todo, de encontrar la justicia perdida en la podrida sociedad donde se basan los hechos. La banda sonora está muy presente en todo el film, generando la tensión necesaria y aumentando de intensidad a medida que se complican las cosas. Las escenas de acción son crudas y realistas, no hay demasiadas, pero tienen fuerza y mucha importancia en el desarrollo de la trama. El guión está estructurado por capítulos que, poco a poco, nos van arrastrando hacia el final, cerrando esta oscura historia con un crudo epílogo. En definitiva, Park Hoon-Jung sabe como contar buenas historias y crear situaciones y personajes crudos pero a la vez reales. Una cinta a tener muy en cuenta para los amantes del cine policíaco, y que demuestra que es uno de los directores más interesantes de Corea. Imprescindible.
Lo mejor: Las actuaciones, el guión y sobre todo el ritmo de la peli, muy dinámica. Lo peor: La sensación de impotencia en algunos momentos, demasiada injusticia.
"Satàn, tu reinado debe caer" Director: Kim Sung-Su Guiòn: Kim Sung-Su Reparto: Jung Woo-sung, Hwang Jung-min, Ju Ji-hun, Kwak Do-won.
Han (Jun Woo) es un policía con una reputación dudosa, que hace algún que otro trabajito para el corrupto alcalde Park (Hwang Jung-min). Por otro lado, nuestro protagonista vive con el dolor de tener a su joven mujer hospitalizada con una enfermedad terminal que, a la vez, es la hermanastra de Park, el cuál le ha ofrecido dejar la policía para unirse a su equipo.
Una noche Han, con su inseparable compañero Sun (Ju Ji-hun), deciden ir a ver a un informador, que realmente es un cómplice del alcalde, con el que nuestro protagonista debe cerrar un trato. En el momento de la entrega ocurrirá algo fatídico y nuestros protagonistas se verán envueltos en un infierno del que será difícil escapar.
El director Kim Sung-su (Musa,,Flu, City of the Rising Sun) vuelve después de 5 años sin estrenar película, y lo hace por todo lo alto. Asura es un ejercicio de cine negro de alto nivel, un vórtice repleto de violencia, traición y muerte. Una cinta dura, directa, que muestra hasta dónde es capaz de llegar el ser humano para conseguir poder, llegando a convertirse en demonios corruptos y violentos, pero que de cara al pueblo se visten de ángeles salvadores, ofreciéndoles paz y protección. A nivel interpretativo es brutal, Hwang Jung-min hace un impactante papel como el malvado alcalde, con una personalidad única y desgarradora. Jun Woo está inmenso, regalándonos una actuación genial, una alma torturada y atrapada entre dos bandos y su propia vida. Ju Ji-hun tiene un papel bastante importante en el film como compañero de nuestro protagonista, aunque al principio no lo parezca, pero la evolución de su personaje es muy creíble. Kwak Do-won como el fiscal Kim está tremendo, un personaje muy físico y cruel, otro demonio en esta ciudad de la locura, pero esta vez en el bando de la justicia. Kim trata a Han como si fuera un perro, y el director nos lo muestra en más de una ocasión, remarcando el poder que tiene el dudoso fiscal sobre el atormentado policía.
La banda sonora es una mezcla de country y blues, dándole al film un toque diferente, una maravilla, sobre todo en su apoteósica escena final. La acción es cruda, real y muy violenta. Torturas, hachazos, disparos a bocajarro... es lo que encontraréis en Asura, además de una trepidante escena de persecución por la autopista. Aquí todo es sucio, no hay nada bonito, es supervivencia pura, así lo refleja la fotografía del film, muy nocturno y casi sin color.
El guión está muy bien llevado, no es muy original pero atrapa, está bien explicando y estructurado; sorprenden sobre todo los juegos sucios del alcalde y el fiscal, intentando atraparse mutuamente con nuestro protagonista de por medio, el cuál ha de vivir un infierno en vida.
En definitiva, Asura es un excelente film de mafias, violento y sucio, que refleja una sociedad corrupta de Corea, y que hará las delicias de los amantes del cine negro. Imprescindible.
Lo mejor: La banda sonora, los personajes, la crudeza del film. Su abrumadora escena final ¡brutal!
Lo peor: Para algunas personas puede resultar algo lenta. Que no hayamos podido disfrutarla en ningún festival de nuestro país.
Director: Wilson Yip Guión: Nick Cheuk, Leung Lai-Yin Reparto: Louis Koo, Wu Yue, Lam Ka Tung, Chris Collins, Tony Jaa, Ken Lo.
Lee (Louis Koo), es un policía que trabaja como negociador en Hong Kong, su día a día es un infierno, un alma torturada desde que su mujer falleció en un accidente de coche. Al poco tiempo, su hija viajará a Tailandia para acabar sus estudios. Pero todo cambiará para el detective Lee, su hija será secuestrada. A partir de este momento, nuestro protagonista comenzará una cruzada llena de violencia, para saciar su sed de venganza y poder salvar a su querida hija.
La saga SPL se caracteriza por mezclar a la perfección drama con la acción más clásica de Hong Kong, regalándonos cintas llenas de emoción y coreografías de infarto, normalmente acompañadas de una violencia bastante seca, como nos tenían acostumbrados antiguamente en el cine de la ex-colonia. Paradox no va a ser menos, y mezcla estos géneros de una manera sublime, dotando al film de un dinamismo brutal. El guión es típico pero muy efectivo, una historia de venganza, pero con añadidos que la hacen genial. Louis Koo hace un papel tremendo, una actuación llena de emociones y escenas de acción, que hace muy creíble el personaje. Su compañero Wu Yue está genial en el papel de policía Tailandés, personaje que equilibra el mal que va generando nuestro protagonista a medida que se acerca más al paradero de su hija. El papel de Tony Jaa es corto pero intenso, a destacar la espectacular pelea con Chris Collins. El director de acción es el gran Sammo Hung, el cuál nos regala unas coreografías llenas de detalles, muy variadas y sangrientas, y en parte bastante clásicas, cosa que a nosotros nos encanta.
Wilson Yip vuelve a la saga con la que nos dejó boquiabiertos en 2005, y nos regala este magistral thriller de acción cien por cien Hong Kong, duro, ágil y dinámico, muy bien rodado; una mezcla perfecta de emoción y acción. Paradox, aún siendo un spinoff dentro de la saga SPL, demuestra estar a la altura de sus dos espectaculares entregas, y confirma que estamos ante una de las sagas más importantes de los últimos años en Hong Kong. Imprescindible.
Lo mejor: Poderla ver en pantalla grande gracias a nuestros amigos del Festival Nits de cinema oriental de Vic, que la proyectarán el 24 de febrero dentro de la celebración del nuevo año chino.
Su ritmo, la mezcla de géneros, sus escenas de acción y, sobre todo, ¡el gran Louis Koo!
Mucho menos drama que su anterior entrega.
Lo peor: Chris Collins como villano, no nos acaba de convencer, le falta un poco de carisma, pero en artes marciales es sublime.
Mike y sus chinos / Flan de poster: Bienvenido de nuevo a Sitges. ¿Como es repetir otra vez en el festival?
Xavier Gens: Siempre es fantástico, porque para mí son como unas vacaciones. Me lo estoy pasando genial viendo un montón de películas, encontrándome con amigos como por ejemplo con Alexandre Bustillo y Julien Maury (directores de Letherface), que siempre estamos en la misma selección, pasamos el rato juntos… Me lo estoy pasando fatal (risas).
MysC / Fdp: ¿Por qué decides adaptar esta novela (La pell freda)?
XG: Primero porque me encanta, es una novela fantástica, que habla sobre el comportamiento humano, el miedo a la comunicación, un montón de temáticas que me encantan y es una historia muy filosófica sobre la condición humana. Además tengo una fascinación por Lovecraft, Edgar Allan Poe, Joseph Conrad…
MysC / Fdp: ¿Así pues fue tu decisión?
XG: Bueno, primero me contactó el productor, pero yo ya había leído la novela, así que estaba al 100% seguro. Además antes ya estaba googleando si había alguien interesado en hacer la película (risas). Pero conectamos porque yo ya había presentado Frontiers y The divide en Sitges y me conocían.
MysC / Fdp: ¿Hablaste con Albert Sánchez Piñol, el autor de la novela? ¿Tuviste contacto con él?
XG: Sí que estuvimos juntos, aunque primero leí el libro, hice el guión y luego le di el guión a Albert para que lo aprobara y lo aprobó. Nuestra reunión fue muy interesante porque quería entender cuál fue su proceso creativo incluso al empezar el libro, porque él es un antropólogo y quería saber porque como antropólogo había escrito una novela de fantasía. Albert se quedó pensando un rato y me dijo que por Darwin. Darwin también era un antropólogo que descubrió la teoría de la evolución y a su manera, Albert, escribió su propia teoría de la evolución cuando escribió La piel fría. MysC / Fdp: ¿Estuvo durante el rodaje? ¿O solamente al principio del proceso?
XG: Al principio vino bastante al set de rodaje porque queríamos que estuviera contento con la localización, el faro… Y estuvo muy contento la verdad porque me dijo que le había leído la mente. Estaba también muy contento con Aura como la criatura. Así que muy bien la verdad.
MysC / Fdp: Acerca de la localización, que es espectacular, ¿por qué escogisteis ese lugar en concreto?
XG: Porque estaba buscando una isla en la Antártida ya que teníamos una imagen de todo blanco, invernal pero no era totalmente así. Es más como rocosa, un área volcánica. Miramos de rodarla en Islandia pero hacía muchísimo frío. Y Aura está prácticamente desnuda en un 90% de la película, así que no podía ser, enseguida cogía hipotermia. Así que tuvimos que cambiar totalmente la localización. Buscamos un lugar cálido con volcanes y nos focalizamos en la bella isla de Lanzarote, en las Canarias. MysC / Fdp: Háblanos sobre las criaturas. ¿Trabajasteis con CGI o con modelado de cuerpo?
XG: Trabajamos prácticamente con CGI, aunque en algunos planos mezclamos maquillaje y CGI. Por ejemplo cuando se ven las criaturas saliendo del agua y subiendo por las rocas del faro, ahí había una mezcla entre personajes maquillados y personajes creados completamente por CGI.
MysC / Fdp: ¿Te imaginaste a las criaturas así o trabajaste con un equipo para diseñarlas?
XG: Me las imaginé así pero consulté algunos científicos, porque quería que fueran creíbles. Quería que dieran la impresión que si había una isla perdida en el océano como habrían evolucionado los humanos. Sería como un nuevo camino para la raza humana. El personaje de Aria sigue siendo humano para mí, pero tiene la piel azul y respira por branquias. Y el encuentro debía ser como cuando dos razas diferentes de humanos se encontraron por primera vez, es diferente así que sentimos miedo. La película habla también de eso.
MysC / Fdp: ¿Te ha gustado el resultado de la película? ¿Y a Albert?
XG: La verdad es que a los dos, aunque siempre la compara con el libro, pero sé que realmente le gusta.
MysC / Fdp: Hablando sobre tus películas en general, los personajes de tus películas normalmente son muy intensos, ¿Por qué escoges historia sobre el sufrimiento humano?
XG: No lo sé… (Risas). Creo que el conflicto es mucho más interesante y me encanta hablar sobre la condición humana. Creo que es una manera de hablar sobre mis propias historias, no quiero poner sentimientos personales en ellas, pero no puedo evitar dar mi punto de vista en mis películas.
MysC / Fdp: ¿Nos puedes hablar sobre tus proyectos futuros?
XG: Estoy acabando una película que se llama Budapest, la cual es una comedia (fuera de mi zona de confort). Es completamente diferente, pero quería hacer algo diferente y refrescante. Va sobre seres humanos que van hacia algo muy amoral para entretener a la gente. Creo que la película es divertida porque es extremo en el sentido moral. Sé que va a impactar a mucha gente, incluso yo estoy avergonzado por algunas secuencias, pero me hace reír (risas). Creo que mi moral es bastante más holgada que la de otros.
MysC / Fdp: ¿Habrá sangre?
XG: No demasiada pero algo de sangre sí que hay. Hay mucho sexo. Y muchos hombres tontos, no mujeres, solo hombres. Mostramos lo ridículos que son los hombres cuando van en grupo en busca de chicas. Así que nos burlamos mucho de ellos. Soy bastante feminista.
MysC / Fdp: Muchas gracias Xavier. Ha sido un placer hablar contigo.
Tuvimos el honor de poder entrevistar (aunque poco rato y con dos blogs más) a Kiyoshi Kurosawa, uno de nuestros directores favoritos. Sus películas son obras muy personales, con una fotografía minimalista y donde la banda sonora nos atrapa por su perturbadora simplicidad. Su nuevo film es Before we vanish, una profunda cinta de ciencia a ficción que os hará pensar.
Mike y sus Chinos: Bienvenido al festival, es un honor poder entrevistarle
Kiyoshi Kurosawa: Es un placer estar aquí, mucha gracias.
Pregunta: Viendo Before we vanish, nos damos cuenta de ciertas referencias a otros films, como por ejemplo "Abyss" de James Cameron o "La invasion de los ultra cuerpos" ¿Hasta qué punto llegan a influenciarte esas cintas?
KK: La invasión de los ultra cuerpos es una gran cinta de ciencia ficción, que por cierto me encanta, pero no creo que haya tenido una influencia tan directa como comentas. Y Abyss de James Cameron, es la primera vez que alguien me dice que tiene alguna similitud (risas) Normalmente en las películas de invasiones extraterrestres, entra la política, el ejército, y hay mucha acción bélica etc etc. Pero lo que quería realmente mostrar, es la vida cotidiana de la gente de a pie.
MysC: Para cada persona las palabras significan cosas diferentes, trabajo, amor, odio etc etc, todo esto está muy bien reflejado en tu película. ¿Cómo hiciste para explicar tan bien este concepto, y por qué está el amor por encima de todo, incluso del "Yo"?
KK: Si nos paramos a pensar que es cada concepto, sería entrar en cosas muy profundas, por ejemplo, la gente mayor que sufre Alzheimer, olvidan muchos de estos conceptos pero siguen pareciendo felices, por eso no quería complicarle la vida a los actores con temas profundos, y les comenté que pensaran en esa gente mayor que olvida palabras y cosas importantes de su vida. Cuando hablamos de la palabra amor, podemos aplicarlo a los smartphones y ordenadores, sería el hardware y los demás conceptos de cada persona serían aplicaciones. Lo que quiero decir, es que sin el amor, el sistema no funciona.
Pregunta: En mucha de tus películas se habla del vacío existencial, y de la llegada de días oscuros. ¿Es como una especie de reflejo de la sociedad actual?
KK: En Kairo, es una invasión fantasma contra la sociedad, ese es el mayor concepto de la película, se parece a before we vanish porque son muy parecidos entre sí. Fue fácil hacer un film apocalíptico, ya que otros directores trabajaban en el mismo género. En la escena final de kairo un avión choca contra un edificio. La película se estrenó en 2001 justo cuando hubo los atentados del 11S en USA, y me di cuenta, que en la ficción es muy fácil hacer que este tipo de accidentes pasen, pero en la vida real es una mierda que ocurran. Pienso que en la ficción no debería hacer que pasen cosas malas, me di cuenta después de estrenar Kairo.
